El sacrificio de Isaac realizado para el concurso de puertas del Baptisterio de Lorenzo Ghiberti. Ubicado en el Museo Nacional del Bargello, Florencia, Italia.
Cuando estaba en la escuela secundaria, mi profesor de historia le contó a nuestra clase sobre el famoso concurso celebrado en 1401 para determinar quién diseñaría los paneles en relieve de bronce para las puertas norte del Baptisterio florentino. Los organizadores del concurso, un gremio de comerciantes ricos, exigieron que los competidores presentaran un panel de muestra que representara el sacrificio de Isaac por Abraham. Entre los siete finalistas se encontraban dos jóvenes artistas brillantes, Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi, ambos de poco más de veinte años y deseosos de demostrar su valía.
Antes de decirnos cuál de los dos ganó el concurso, mi maestra, sabiendo que yo era un artista, colocó diapositivas de sus presentaciones y me pidió que hiciera la llamada. Muy consciente de que se estaban evaluando mis propias credenciales artísticas, examiné las imágenes durante unos momentos antes de anunciar tímidamente mi decisión: la de Brunelleschi era la mejor. Puede imaginarse mi mortificación cuando me dijeron que los jueces habían elegido la obra de Ghiberti, considerándola "perfecta en todas sus partes", y tan elegante y bien terminada que parecía "haber cobrado existencia". Mi profesor añadió que la pieza de Brunelleschi se adhería más al estilo gótico antiguo que la de Ghiberti, que era más clásica e indicativa de la dirección que tomaría el arte en el Renacimiento.
Traté de disimular mi vergüenza diciendo que las diapositivas eran un poco confusas, que realmente no podía ver las imágenes con claridad, pero que sí, por supuesto, si piensas que es preferible el clasicismo, entonces el Ghiberti es ciertamente no sin mérito. En ese momento, creo que prefería la ubicación central y el mayor naturalismo de las figuras en la versión de Brunelleschi a la composición más descentrada de Ghiberti; Al mirarlos ahora, el Brunelleschi parece ocupado y desordenado, y las posturas de las figuras son incómodas.
Entonces, ¿cuál es la verdad? ¿Tenían razón los jueces? ¿Me equivoqué entonces y ahora? ¿Es realmente mejor la obra de Ghiberti que la de Brunelleschi? ¿Es posible siquiera responder a esas preguntas?
¿Podemos juzgar el arte?
Estos son asuntos que la crítica de arte debe abordar, pero cualquier conclusión a la que podamos llegar dependerá de lo que pensamos que es la crítica de arte y de lo que puede lograr. Específicamente, aunque todos desempeñamos el papel de crítico de arte en algún momento u otro, aunque sólo sea para juzgar una película o una pieza musical, la pregunta no resuelta es: ¿son realmente significativos estos pronunciamientos? Es decir, ¿nos dicen algo verdadero y real sobre la obra de arte que estamos considerando, o sólo revelan algo sobre nosotros mismos?
Hoy en día, es difícil no haber absorbido algo de la doctrina relativista de que la verdad absoluta en los juicios estéticos es imposible. No hay bueno ni malo, ni mejor ni peor, sólo opinión. Los críticos relativistas (y son legión entre los modernistas y posmodernistas) argumentan que cualquier estándar objetivo que otros puedan creer que ven son quimeras generadas por el hecho de que muchas personas comparten el mismo gusto. Las declaraciones críticas bien pueden revelar nuestros gustos y preferencias personales, pero no pueden aplicarse significativamente al objeto en sí. Tampoco se puede discutir con los gustos en sí mismos: “a ti te gusta lo que te gusta y a mí me gusta lo que me gusta”, pero no “te equivocas si te gusta lo que te gusta” o “te debería gustar lo que a mí me gusta”. Sin un estándar de calidad, el arte puede ser cualquier cosa que usted o el artista quieran que sea.
El gusto es un fenómeno innegablemente real, sin importar lo que pensemos del relativismo: la infinita variedad de modas y estilos ofrece abundantes pruebas. Todos tenemos nuestros propios gustos y disgustos, que cambian y evolucionan con el tiempo en consecuencia, ya que están moldeados por circunstancias personales, familiaridad, presión de grupo, cultura y una serie de otros factores subjetivos. Sin embargo, muchas personas, particularmente aquellas de temperamento religioso o menos permisivo desde el punto de vista estético, sospechan que la explicación relativista del gusto es, en el mejor de los casos, incompleta, si no falsa, ya que parece usarse principalmente para justificar las grotescas deliberadas y los peores excesos del gusto. arte contemporáneo, y atacar cualquier aspiración hacia la belleza y la nobleza al mismo tiempo (y mucho menos que se extienda hasta el punto de negar la certeza sobre cualquier cosa, incluida la verdad moral). ¿Se pueden justificar los gustos o elevarlos al nivel de la realidad objetiva?
Los críticos del relativismo estético sostienen que ciertamente existen estándares objetivos (algunas obras de arte son realmente mejores que otras) y señalan el realismo o el idealismo como apoyo filosófico. Ya sea la naturaleza o un ideal metafísico perfecto, ambos sistemas afirman una realidad absoluta, independiente de la opinión humana subjetiva, que constituye el modelo supremo que los artistas deben imitar y la autoridad final por la cual juzgar sus esfuerzos. Los dos difieren en que el idealista considera que las formas de la naturaleza son defectuosas y necesitan una mejora "artificial" para alinearlas con el patrón ideal, mientras que el realista condena cualquier manipulación de la naturaleza precisamente porque es artificial y antinatural. Pero en cualquier caso, el juicio se basa en una comparación imparcial, no en el gusto del juez: es algo verdadero y real sobre la obra de arte misma.
Lo ideal triunfa sobre lo real
Lo que nos lleva de nuevo a Ghiberti y Brunelleschi. Sus dos paneles se encuentran en la cúspide entre el realismo en declive de la era gótica y el idealismo y clasicismo ascendente que marca el comienzo del Renacimiento. Ambas son piezas de transición, y aunque ambos artistas se inspiraron, al menos en parte, en el arte de los antiguos griegos, fue Ghiberti quien miró decisivamente las esculturas idealizadas del siglo V. Su Isaac no está inspirado en una persona real, sino en el físico y las proporciones clásicas desarrolladas por Fidias y Policleto, mientras que el indigno joven en la esquina inferior izquierda de la presentación de Brunelleschi recuerda al famoso Spinario o “saca espinas” del siglo III. una escultura helenística, no clásica. Todas las figuras de Ghiberti, incluidos los animales, adoptan posturas relativamente elegantes y atemporales e interactúan armoniosamente entre sí. En general, su composición, claramente articulada y dividida con fluidez en grupos de izquierda y derecha por la escarpada extensión de rocas estilizadas, transmite una sensación de tranquila formalidad que contradice el dramatismo del tema.
El panel de Brunelleschi es mucho más tenso y dinámico: la mirada salta de una figura a otra en caminos irregulares que se reflejan en las poses retorcidas de cada actor en la escena. Una energía inquieta los anima. De hecho, el panel no puede contenerlos a todos: tres de las figuras sobresalen de los márgenes de la pieza. No parece posible que ambos paneles contengan exactamente el mismo número de actores animales y humanos. Sin embargo, esta espontaneidad expresiva y caótica es probablemente más realista, más cercana a la forma en que se habría desarrollado el evento, que la compostura artificial (o antinatural) de la interpretación de Ghiberti.
Pero por eso es inferior: para los jueces idealistas florentinos. O mejor dicho, la mayoría de ellos, ya que su determinación no fue unánime ni se basó enteramente en consideraciones estéticas (Ghiberti utilizó menos metal en su modelo de fundición, lo que reduciría en gran medida el coste del proyecto real). Sucedió también que Brunelleschi y otro de los primeros clasificados de la competición, Donatello, al ver la falta de consenso de los jueces, amablemente cedieron la palabra a Ghiberti, coincidiendo en que la envidia no debería privarle de la oportunidad de “producir esos mayores frutos de los que esto era fruto”. promesa." En cualquier caso, así es como Vasari lo registra; otros escritores sugieren que Brunelleschi, molesto porque su superioridad debería haber sido cuestionada, abandonó Florencia enfadado y nunca volvió a esculpir.
Abierto al debate
Entonces, ¿qué debemos concluir de esto? Una vez que nos hemos decidido por una filosofía estética como el realismo o el idealismo (o incluso el relativismo), los juicios críticos son fáciles: los realistas y los idealistas naturalmente preferirán el arte que se ajuste a su estándar estético. Pero elegir una de estas filosofías, y mucho menos demostrar que es verdadera o correcta, es más problemático. Sin duda, se trata de una cuestión de fe que la filosofía misma no está preparada para decidir. Los católicos pueden encontrar fácil adoptar cualquiera de las dos posiciones, porque creemos que Dios hizo un mundo real y porque reconocemos que todas las perfecciones del arte y la belleza, la verdad y la bondad, encuentran su fuente en ese Dios, que se ha revelado divinamente. También los católicos están acostumbrados a la idea de un magisterio autorizado. En la práctica, sin embargo, cuando se trata de arte probablemente todos seamos relativistas, realistas e idealistas en un momento u otro: tenemos nuestros gustos; nos gusta una hermosa puesta de sol y el arte que “parece real”; nos maquillamos o vestimos ropa bonita para “lucir mejor” y nos complace la perfección de una estatua griega o de una Virgen de Rafael.
No existe un magisterio en arte, ni una filosofía universalmente aceptada, ni entre la masa de críticos profesionales, historiadores del arte titulados y curadores titulares de museos que dan voz presumiblemente educada a sus opiniones, ni entre el público en general. Sin duda, la falta de una voz autorizada es un asunto grave en la religión, pero cualquier ambigüedad que haya en el arte está lejos de ser un problema; de hecho, es su gran fortaleza. ¿Qué tan aburrido sería si las cuestiones estéticas tuvieran una solución tan concluyente como las cuestiones científicas, si el arte fuera tan objetivo e inequívoco como una fórmula matemática? El arte es interesante porque no podemos comprenderlo por completo, porque se puede abordar desde muchos ángulos, porque no siempre estamos de acuerdo sobre lo que vemos. Siempre habrá debate y discusión, misterio e incertidumbre. Es trabajo del crítico, aceptemos o no sus evaluaciones, ayudarnos a descubrir lo que hay que ver en la obra de arte y, al hacerlo, tal vez llevarnos a descubrir lo que nosotros mismos creemos.
Ghiberti y Brunelleschi lograrían grandes cosas. Ghiberti trabajó 21 años para completar los 28 paneles del encargo y otros 27 años para crear un segundo conjunto para las puertas orientales del Baptisterio (Miguel Ángel las elogió como las “Puertas del Paraíso”); Posteriormente realizó varias estatuas monumentales de santos para otros gremios florentinos. Irónicamente, su fama quedó eclipsada a juicio de críticos posteriores por los logros de Brunelleschi: diseñó la gran cúpula de la cercana catedral de Florencia, algo que se creía imposible, y se le atribuye la coinvención de la perspectiva lineal, que transfiguró de forma indeleble el arte pictórico occidental.
¿Es la obra de Ghiberti mejor que la de Brunelleschi? Eso depende. ¿Es usted idealista, realista o relativista? O tal vez tengas otro punto de vista. Que comience la discusión.