Interior de una pinacoteca con la colección del cardenal Silvio Valenti Gonzaga (1740) de Giovanni Paolo Panini. Ubicado en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut.
A primera vista, muchos católicos encontrarán que esta imagen, llena de color y de imágenes multiplicadas, es la ilustración perfecta del vano apego a las cosas de este mundo, el epítome del exceso rococó llamativo y la antítesis de la austeridad monástica. ¿Qué persona espiritualmente sensible podría estar en paz aquí?
¿Pero no es un cardenal en medio de todo esto? De hecho, es su galería y colección. Escandaloso: “¿Por qué no se vendió este arte por una gran suma y el dinero se entregó a los pobres?” Seguramente tenemos aquí a uno de esos eclesiásticos corruptos y codiciosos que tristemente han avergonzado a la Iglesia.
Es fácil ver que los coleccionistas de arte (incluida la Iglesia) tienen una serie de vicios: codicia y materialismo, por ejemplo. Pero detrás de la opulencia puede haber filantropía; además, su actividad permite a los artistas practicar su oficio.
Pero se podría argumentar que todo el negocio, tanto para el artista como para el coleccionista, gira en torno a cosas que son inútiles. El arte no hace nada práctico para mantener unidos el cuerpo y el alma, pero es oneroso de producir, costoso de conseguir y una posible distracción de actividades más sobrenaturales. ¿Quién sino un amante inmoderado del mundo se dedicaría a él tan sin reservas como lo muestra este cuadro?
Retrato de humildad
Da la casualidad de que el cardenal representado en la pieza, Silvio Valenti Gonzaga (1690-1756), llamativo con su atuendo clerical escarlata, era un hombre trabajador desde cualquier punto de vista. Además de administrar la Academia de San Lucas (el gremio de artistas de Roma), fundar la Pinacoteca Capitolina y establecer una academia de dibujo natural para jóvenes artistas, fue secretario de Estado papal, prefecto de la Congregación para la Propagación de la Fe y camarlengo de la Santa Iglesia Romana bajo el Papa Benedicto XIV.
También fue un gran coleccionista y erudito mecenas de las artes y las ciencias. Jugó un papel decisivo en la preservación de importantes colecciones de arte italiano para que no fueran vendidas o exportadas, y en el rescate de antigüedades romanas de la destrucción. Su colección personal contaba con más de 800 pinturas (de las cuales sólo una cuarta parte está representada aquí). Muchas obras reales son identificables: el cardenal señala la obra de Rafael Virgen de la Silla (ampliada e inexplicablemente rectangular; el original es un tondo), y detrás de él, en el extremo izquierdo, está la obra del pintor holandés Jacob van Ruisdael. El gran roble (ahora en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles), junto con obras de Tiziano, Caravaggio y Frans Hals, entre muchos otros.
Un individuo tan consumado podría tener todo el derecho a estar orgulloso de sí mismo, pero ¿es esto realmente el retrato de un gran ego?
El cardenal es claramente el punto focal de la composición, pero su figura, por lo demás amplia, está casi abrumada por el espléndido desorden y la escala implícita del espacio pictórico que lo rodea. Medido por superficie, es insignificante. Y si bien es cierto que gracias a su esfuerzo se obtuvieron las obras (y se encargó este cuadro), el propio cardenal no es responsable de crear ni una sola de ellas. Está rodeado de los triunfos artísticos de los demás. “Los que no pueden, que cobren”. El mecenas de las artes tiene todos los alicientes a la humildad que cualquiera pueda pedir.
De hecho, en abierto reconocimiento de su papel esencialmente curatorial, Silvio ha dado instrucciones a su digno retratista, Giovanni Panini (1691-1765), para que se incluya a sí mismo en la composición: El pintor está con paleta y pinceles en mano junto al cardenal, igual en dignidad, haciendo del retrato a la vez un autorretrato.
Quizás lo más revelador de todo es que el cardenal señala no sólo una importante obra de arte de un artista famoso, sino también a la Virgen María y a Jesús, invitándonos a contemplarlos también. Literalmente desvía la atención de sí mismo para dar testimonio tanto de su deber pastoral como del lugar que ocupa el arte en la vida del espíritu.
Por supuesto, esto podría ser un invento, un ejercicio de gestión de imagen del siglo XVIII, pero hasta donde sabemos, el cardenal era un hombre de principios, abiertamente humilde, deferente y consciente de las cosas que realmente importan. Si los santos son conocidos en el arte por sus atributos, el carácter de Silvio queda bien descrito por la variedad de artefactos que ha reunido a su alrededor.
¿Exceso ornamental?
A primera vista, el lienzo de Panini es más un retrato de estos objetos que un retrato de una persona en particular. El género de la “pintura de pinturas” fue uno de los muchos iniciados por los holandeses en el siglo anterior a la época de Panini, y aunque este fue su primer ensayo en el estilo, produjo una obra sustancial (de más de dos metros y medio de ancho) que supera a casi todos los demás. ejemplo anterior en escala y complejidad.
El “metaarte”, o arte sobre el arte, fue quizás inevitable después de que los artistas se volvieron “conscientes de sí mismos” en el Renacimiento, y los coleccionistas de arte privados parecieron alentarlos. Los conocedores están tan interesados en los objetos de su pasión como sus creadores. El ritmo de este desarrollo se aceleró a lo largo de los siglos hasta la era moderna, con el desafortunado resultado de que un gran porcentaje del arte reciente se ha vuelto tan autorreferencial que resulta irrelevante para los espectadores que esperan que refleje un mundo fuera de sí mismo.
Aunque no es tan extremo, Panini ha permitido que casi nada natural entre en el campo de visión. Excepto por un vistazo del cielo al otro extremo de la galería, unas pocas flores y aquellas partes de cuerpos humanos que no están ocultas por la ropa, cada forma visible es artificial, ya sea una copia de una obra de arte existente o una fantasía. creación propia de Panini, al igual que la propia galería, con sus elaborados arcos, columnas y esculturas decorativas. (Pero, por supuesto, incluso las formas “naturales” son reproducciones pintadas). Todo el conjunto aclama el arte como un ornamento integral, de hecho ineludible, de la vida.
Alegría por las cosas bellas
¿Pero a qué precio? ¿No es demasiado y más que un poco claustrofóbico? ¿Alguien realmente necesita que mucho arte? o necesitar artículo tanto? ¿Y cómo conciliarla con la vocación religiosa? La historia sugiere que Silvio estaba motivado por un deseo genuino de servir a los artistas y a la Iglesia, no por posesividad. La sucesora de su galería original, la actual Galería Museo Valenti Gonzaga en Mantua, tiene como lema la maravillosa (¿aunque ligeramente defensiva?) fórmula: “Alegría por las cosas bellas, independiente de su posesión”.
No todos los coleccionistas son tan altruistas, ni mucho menos. Seguramente hay gastos pecaminosos, compras demasiado caras para ser contempladas. ¿Pero dónde se traza la línea? ¿Un coche por un millón de dólares? ¿Una casa por 50 millones? ¿Un poco de tierra mezclada con óleo sobre un lienzo por 100 millones? Las pinturas se han vendido por más que eso.
El valor monetario asignado a cualquier obra de arte es un cálculo subjetivo, sin duda. En términos prácticos, los artistas tienen todo el derecho a exigir un retorno por su trabajo. El arte puede ser inútil, pero no por eso es inútil. Su valor último, sin embargo, se basa en que es un reflejo de la belleza de Dios, y eso es inconmensurable con cualquier suma finita. Esto convierte un bien “inútil” en un tesoro “invaluable” que debe conservarse, compartirse y celebrarse.
Periódicamente, el Vaticano se ve obligado a vender sus colecciones para alimentar a los pobres o para alguna otra preocupación urgente. En el corto plazo, sin duda habría algún beneficio material, pero eventualmente el dinero se acabaría, ¿y luego qué? El arte habría sido disperso y tal vez escondido, privando al mundo de un tipo diferente de alimento. Y no olvidemos que “los pobres los tenéis siempre con vosotros”: 10, 50 o 500 años después, la Iglesia no tendría arte para vender. Además, ¿quién compraría exactamente estos tesoros? ¿Las mismas personas ricas que tenían fondos suficientes a mano y no estaban ya ayudando a los necesitados?
El escándalo del arte
El escándalo del arte es que es a la vez inútil y absolutamente necesario. Una vez que se han atendido los aspectos básicos de la supervivencia, ¿qué queda para garantizar que nuestras vidas sean placenteras y significativas? Ciertamente podríamos subsistir, como los animales, sin arte de ningún tipo, pero toda la evidencia de la historia humana sugiere que encontraríamos insatisfactoria una existencia natural a duras penas como esa. En poco tiempo querríamos mejorar nuestras circunstancias artificialmente con refugios y ropa fabricados. Tampoco nos contentaríamos con vestir de un gris monótono y habitar cajas vacías. Anhelamos el color, los patrones y la variedad, hasta tal punto que nos gusta recolectar a nuestro alrededor estos frutos de nuestra propia creación. La creación y el coleccionismo comenzaron hace mucho tiempo en las cuevas, las primeras galerías de arte.
Lo que esto sugiere es que nuestro apetito por la estimulación visual no se aplaca con el simple hecho de abrir los ojos y mirar cualquier forma natural que se encuentre en las proximidades. Por mucho que nos guste deleitarnos con las bellezas de la naturaleza, anhelamos más y diferentes tipos de productos visuales. La oferta de Panini puede ser más rica que la mayoría, pero tanto ella como la galería que ilustra ofrecen un festín gourmet para la vista.
Y a través de los ojos, el alma. La biología contemporánea pretende explicar la predilección humana por el arte en términos evolutivos. Eso es bastante justo, dado que la ciencia no sabe nada del alma, pero su dificultad será explicar el deleite que sentimos ante irrelevancias biológicas como las puestas de sol y las flores, y mucho menos pinturas como las de Panini, o esculturas, o música, o cualquiera de las otras producciones artísticas de la humanidad, que difícilmente parecen ventajosas para la adaptación o la aptitud genética.
En la gran lucha por la existencia, el arte no tiene una función puramente biológica, ya que tiene su origen y fin en el reino no físico de la verdad y la belleza. El imperativo estético nos recuerda que somos más que nuestros cuerpos, así como una obra de arte es más que la materia de la que está hecha.
Hay un momento y una época para todo, por supuesto. A veces necesitamos un descanso del arte para saborear las formas y colores de la naturaleza. Para algunas personas, el arte seguirá siendo una especie de distracción, tal vez incluso un obstáculo. Pero el glorioso desorden de la galería de Silvio y la pintura de Panini revelan la gracia abundante que Dios extiende a cada alma. Como la gracia, el arte es un don gratuito e inmerecido, dado para ayudar a nuestra debilidad. El ser físico podría sobrevivir sin ninguno de los dos, pero el alma se marchitaría y finalmente moriría.
Podemos agradecer a los artistas y coleccionistas por ponerlo a nuestra disposición, y a la Iglesia por haber sido mediadora de ambos.