escultura

Escultura. — En el sentido más amplio del término, la escultura es el arte de representar en forma corporal a hombres, animales y otros objetos en piedra, bronce, marfil, arcilla y materiales similares, ya sea que los objetos representados existan realmente en la naturaleza o sean creación del mismo. imaginación del artista. Una definición más concisa y exacta de escultura es el arte que representa la belleza en forma corporal mediante figuras total o parcialmente redondas. Por lo tanto, la escultura representa la belleza del mundo corpóreo, no como la pintura mediante una representación ilusoria sobre una superficie plana y coloreada, sino imitando en una sustancia sólida estos cuerpos en su totalidad y logrando el efecto sólo mediante la forma. Este efecto se llama belleza plástica. Por tanto, la escultura no incluye el paisaje con la vegetación que lo acompaña, ni los fenómenos de luz y sombra, que desempeñan un papel tan importante en la pintura. Dado que la escultura representa los cuerpos en su forma y contornos reales, su tema favorito, a diferencia de la pintura, es la figura única. Y como la figura única nunca aparece en estrecha relación con su entorno, el significado de su personalidad se presenta de una manera más efectiva y poderosa, particularmente porque generalmente se eleva sobre su entorno por medio de un pedestal y se coloca en el lugar más luz ventajosa por un fondo adecuado. De este modo, la estatua se convierte en un monumento en el que los rasgos característicos de una personalidad se perpetúan con encanto artístico. Estos atributos de la estatua dificultan que la escultura combine varias figuras en un grupo en el que el detalle esté necesariamente subordinado al conjunto. El principio más importante del grupo es que las figuras deben estar lo más juntas posible o compatible con el efecto artístico. Esta yuxtaposición se ve muy obstaculizada por el material en el caso de figuras redondas.

Estas dificultades no existen en el caso del relieve, que también debe considerarse escultura, a la que pertenece tanto por el material utilizado como por la técnica. En ciertas características, el relieve se acerca tanto a la pintura que se le puede llamar el arte de transición entre la pintura y la escultura; es, por así decirlo, escultura pictórica. Prefiere representar varias figuras una al lado de la otra, como por ejemplo en escenas de guerra, procesiones festivas y trabajos en el campo y en casa; por lo tanto, logra fácilmente lo que es difícilmente posible para la escultura en redondo. Hay dos tipos principales de relieve: el Bajo Relieve (bajorrelieve, basso-rilievo), cuyas figuras tienen un espesor limitado y en las que la apariencia de solidez se consigue por el efecto de luces y sombras; y Alto Relieve (gran relieve, alto-rilievo), en el que las figuras a veces aparecen completamente redondas. La principal exigencia que hacemos a una obra de escultura, ya sea una estatua o un grupo, es la unidad artística, es decir, que todas las partes deben trabajar juntas para la expresión de un pensamiento o una idea. En el caso de una sola estatua, no es sólo la expresión del rostro la que revela la idea presentada en la obra de arte, sino que la postura del cuerpo y la postura de los miembros también contribuyen al mismo fin. Por este motivo se debe evitar en la medida de lo posible todo lo irrelevante. Esta exigencia ha llevado al principio escuetamente enunciado por primera vez por Lessing en su “Laocoonte”, y que desde entonces se ha repetido innumerables veces: que la finalidad de la escultura (y también de la pintura) es representar figuras humanas de gran belleza corporal; de lo cual Lessing dedujo además que el objetivo más elevado de la escultura no es la representación de la belleza espiritual sino de la sensual, es decir, la belleza del cuerpo humano libre de toda cortinaje. Los estetas modernos han llegado incluso a mantener como regla, sin excepción, que la escultura sólo debe crear cuerpos desnudos. Un estudioso de una percepción artística tan fina como Schnaase llegó incluso a exigir que la escultura, para dar la expresión más enfática a sus características distintivas y no debilitar el atractivo sensual del desnudo, debería reducir un poco la expresión de la emoción en el semblante, que debe, por así decirlo, estar en sintonía un tono más bajo, para que pueda armonizar con el cuerpo. Estos puntos de vista, sin embargo, no están de acuerdo ni con las enseñanzas de la historia ni con las buenas costumbres.

Ni siquiera en los antiguos griegos, en la época de su más perfecto desarrollo, la representación del cuerpo desnudo fue el principal objetivo de la escultura, y sólo en su época. En declive prevalecen las representaciones del desnudo. Las creaciones más perfectas del arte plástico griego, el “Zeus” y la “Atenea” de Fidias, eran figuras cubiertas de oro y marfil, a las que se hacían peregrinaciones, no para disfrutar de la sensual belleza de su cuerpo, sino para olvidar el dolor. y el sufrimiento y ser fortalecidos en las creencias religiosas. Las cortinas pueden y deben usarse para enfatizar el significado espiritual del hombre. Eso cristianas Es bastante evidente que la religión y la moral han encontrado con razón objeciones a las representaciones del desnudo, como también lo es el hecho de que dichas objeciones se eliminan cuando acontecimientos históricos u otras razones válidas exigen su representación, como, por ejemplo, en el caso de Adam y Eva en el paraíso. Otro tema de gran importancia que exige algunas palabras es el teñido de las estatuas o policromía. Hasta hace unas décadas, los estudiosos generalmente opinaban que los escultores antiguos no utilizaban otros tintes que el color original del mármol; pero una investigación más detallada de los monumentos antiguos, así como de los relatos de la literatura antigua, demuestra sin lugar a dudas que los griegos teñían ligeramente sus estatuas, como era necesario cuando las colocaban en interiores ricamente decorados. Desde que esto se supo, nuestro juicio sobre la policromía de la escultura medieval se ha vuelto más favorable.

De acuerdo con el material utilizado y los diferentes métodos de tratamiento, la escultura se clasifica de diversas formas en: (I) Escultura en piedra, o escultura en sentido restringido, que para sus obras más nobles y excelentes utilizaba el mármol. (2) La escultura en madera, que floreció especialmente en el Edad Media; su éxito estuvo muy restringido por la práctica de revestir la obra tallada con tela cubierta con tiza, para facilitar la policromía. (3) Escultura en metal, que no sólo crea las obras más duraderas, sino que permite una mayor libertad en el tratamiento del material. De la perfección que alcanzó en la antigüedad la escultura en metal degeneró mucho en la Edad Media, cuando se limitaba en su mayor parte al alivio. No hasta que el italiano Renacimiento Fue entonces cuando se reanudó el arte de la fundición de metales para estatuas monumentales. (4) Escultura de repujado, en la que se golpeaba el metal para darle forma mediante un martillo y un punzón. En la antigüedad y en el Edad Media Este proceso se utilizó sólo para temas más pequeños, pero desde el siglo XVII se utiliza también para grandes estatuas, como por ejemplo la colosal estatua de Arminio en el Bosque de Teutoburgo. (5) Escultura en arcilla o terracota, en la que la figura está moldeada en una sustancia blanda, que luego endurece por secado o cocción. En este arte también los antiguos crearon muchas cosas importantes, y durante el Renacimiento las terracotas de Luca della Robbia y sus seguidores adquirieron gran fama. (6) Los griegos utilizaban la escultura en marfil en combinación con oro para obras monumentales (técnica criselefantina). En el Edad Media y en los tiempos modernos el marfil se suele utilizar para obras de pequeñas proporciones; Es especialmente adecuado para temas delicados y patéticos. (7) La glíptica, o arte de tallar gemas, así como el grabado de medallas, monedas y sellos, son variedades de escultura que tienen una importancia cultural más que artística y estética.

El origen de la escultura en un sentido amplio se remonta a la época prehistórica. Los primeros intentos de representar al ser humano mediante imágenes probablemente se realizaron en las Islas Sandwich. Un estadio superior de desarrollo lo muestran las esculturas antiguas mexicanas, particularmente las del período maya, entre las cuales, junto a muchas expresiones crudas de fantasía exagerada, también se encuentran obras que muestran una observación real de la naturaleza. Un mayor interés histórico y estético se encuentra por primera vez en la escultura egipcia, que en todos los tiempos aparece estrechamente relacionada con la arquitectura. Como es habitual en el arte primitivo, las obras del período más antiguo o memfítico (hasta el año 3500 a. C.) se distinguen por su originalidad y naturalismo, mientras que en el período posterior la figura humana fue moldeada de acuerdo con un canon o tipo inmutable, del que sólo se desprenden los rostros. mostrar cualquier desviación. Las esculturas del período posterior son principalmente relieves, producidos mediante contornos incisos y un ligero modelado; También se encuentran estatuas, pero los grupos son muy raros. Con la undécima dinastía de reyes egipcios (alrededor del año 3500 a. C.) el tamaño de las figuras aumentó hasta proporciones colosales, pero como todas fueron ejecutadas de acuerdo con el tipo tradicional, la escultura decayó gradualmente. No se produjo ningún renacimiento importante porque la escultura egipcia fue absorbida gradualmente por el arte helenístico que lo abarca todo. Además de las representaciones de escenas religiosas y episodios de la vida de la corte, también eran populares las que representaban la vida cotidiana del pueblo. Estas estaban condicionadas por la creencia de los egipcios de que tales representaciones agradaban a los muertos y embellecían su vida en el otro mundo.

la escultura de Babilonia y Asiria, cuyos restos han sido excavados en los yacimientos de la antigua Nínive y Babilonia, a pesar de sus deficiencias, ha producido obras de importancia imperecedera. Es imperfecto en la representación del hombre, retratado de manera convencional y típica, pero en la representación de combates de animales y escenas de caza revela una observación sorprendentemente cercana de la naturaleza, una composición libre y una energía juvenil. Entre sus súbditos es muy inferior al egipcio, ya que sirve casi exclusivamente para la glorificación de las grandes y pequeñas hazañas de los gobernantes deificados. La escultura de los persas se dio a conocer especialmente gracias a las excavaciones en Perseopolis. Cumplió el mismo propósito que el babilónico, pero el relieve es más correcto en perspectiva y la figura humana muestra un toque de individualidad.

Pre-cristianas La escultura alcanzó su cenit en Grecia; sus esculturas han sido consideradas en todos los tiempos obras maestras inigualables. Sólo podemos dedicarles aquí unas pocas palabras. Los temas de la escultura griega procedían especialmente del ámbito religioso, incluso en tiempos de decadencia, cuando la creencia en los dioses desaparecía rápidamente. Numerosas estatuas votivas por la liberación de calamidades o por batallas victoriosas, así como las erigidas en los templos y sus alrededores por los vencedores de los juegos atléticos, pertenecen, en un sentido amplio, a lo que se puede llamar escultura religiosa. Además de los temas religiosos, se produjeron en gran número retratos y estatuas de género. Según el material utilizado se pueden distinguir tres clases de escultura griega: las estatuas criselefantinas, cuyos desnudos eran de marfil y los cortinajes de oro; mármol (particularmente mármol de Paros); el bronce, material en el que los griegos dominaban perfectamente la fundición maciza y la fundición hueca en un molde resistente al fuego. Las excelencias de la escultura griega son la extraordinaria simplicidad y claridad en la composición, el reposo plástico y la acción placentera, el maravilloso encanto y la concienzuda ejecución técnica. La gran belleza del cuerpo que impresiona inmediatamente a la vista de la escultura griega se explica en parte por la belleza de la raza griega, en parte por la observación diaria de jóvenes y hombres desnudos tal como aparecían en la palestra. Pero no revelan ninguna belleza sensual en el sentido moderno, y sólo durante el período posterior a Fidias los escultores se aventuraron a representar diosas femeninas, por ejemplo Afrodita, completamente desnudas. Además de las excelencias recién mencionadas, en cada período aparecen características especiales. Se suelen distinguir tres o cuatro periodos de la escultura griega.

Las obras del primer período, o del estilo arcaico (775-449 a. C.), muestran al principio una limitación sin vida, pero más tarde revelan una expresión de poder físico y agilidad. El segundo período, la edad de oro (449-323 a. C.), se caracteriza al principio por una tendencia ideal, representada especialmente por Fidias de la escuela ática en sus estatuas de las deidades en oro y marfil; en parte también por una tendencia a enfatizar la más alta belleza física, cuyo representante más célebre es Policleto de la escuela argiva. La tendencia durante la última parte del segundo período fue hacia la belleza grácil y hechizante, combinada con la expresión del sentimiento más tierno, a través del cual la subjetividad ganó terreno, y a través del cual se marcó el comienzo del declive o tercer período (323-146). en. Esta época todavía produjo una serie de obras muy admiradas, como el grupo Laocoonte, el Toro Farnese, el Apolo Belvedere. Los centros de arte se trasladaron a Pérgamo y Rodas. Al cuarto período, el período de decadencia (146 a. C.-397 d. C.), se atribuyen las obras, en parte originales y en parte copias, creadas por artistas griegos y romanos en Italia. Típico de este período es el predominio de retratos, tanto bustos como estatuas. La escultura grecorromana fue finalmente destruida, no como la asiria y la babilónica, por una supresión violenta o una absorción gradual, sino por la infusión de un nuevo espíritu y de nuevas ideas.

Las opiniones actuales de los primeros cristianas El arte ha cambiado radicalmente recientemente porque, gracias a las investigaciones de Strzygowski y otros, Oriente ha recibido lo que le correspondía. Tanto en forma como en técnica. cristianas La escultura es, en términos generales, idéntica a la pagana a partir de la cual surgió. Pero lo que nos han demostrado las últimas investigaciones modernas es esto: que no fue Roma que produjo las mejores y más antiguas obras de cristianas escultura, pero Oriente, que es sin duda la cuna de la cristianas arte. En Asia Menor La influencia del arte helenístico era todavía tan fuerte que muchos de los primeros cristianas Las obras presentan un carácter casi clásico, pero en Occidente, donde faltaba esta influencia benéfica, la escultura cayó antes en declive. En la época preconstantiniana probablemente se ejecutaron pocas obras de escultura. Esto es especialmente cierto en el caso de las representaciones de las Personas del Trinity, porque los judíos que se habían convertido al cristianismo eran reacios a las imágenes talladas, y los paganos convertidos se sentían disuadidos por el recuerdo de las innumerables estatuas de sus antiguos dioses. Pero con el emperador Constantino se inició inmediatamente la producción a gran escala de esculturas en piedra y bronce. Se han conservado pocos ejemplos de estatuaria de este período; pero entre estos hay un “Parroco Bonus” en el Museo de Letrán, y un “Cristo” en Berlín, ambas probablemente obras orientales. Por otro lado, se conservan numerosos relieves porque, según la antigua costumbre, los sarcófagos, de los que se conserva un gran número, estaban ricamente decorados con representaciones escultóricas. los supervivientes cristianas Los sarcófagos pertenecen en su mayoría a los siglos IV y V, y pueden clasificarse en un grupo occidental y otro oriental. A estos últimos pertenecen los bellos sarcófagos de Rávena, cuyo arte mantenía una relación muy íntima con el bizantino. La escultura en madera y marfil, tan desarrollada en la antigüedad, se puso al servicio de la Iglesia, como lo demuestran los portales del Basílica de s. Sabina at Roma, y las numerosas portadas de libros, dípticos y píxides conservados. Para nuestro conocimiento de la transición desde principios cristianas De la escultura medieval debemos principalmente los relieves tallados en marfil, ya que hubo una escasez casi total de estatuas hasta el siglo X. La escultura en marfil alcanzó gran importancia en los siglos IX y X. Por la delicadeza de ejecución, el ritmo de la línea y la cuidadosa observancia de las leyes de la composición, las obras maestras de esta época se aproximan a las creaciones de los primeros tiempos. Renacimiento. Esta rama de la escultura floreció especialmente en Francia, en Tours, Grajo negroy Metz.

En comparación con estas delicadas tallas de marfil, los primeros intentos de escultura románica en piedra parecen toscos y torpes, pero contienen los gérmenes de una nueva vida, que en el siglo XIII ocasionó el primer florecimiento de la escultura medieval. Es típico de este período que la escultura, especialmente en piedra, estuviera predominantemente subordinada a la arquitectura y sirviera casi exclusivamente para fines eclesiásticos. Los relieves son enteramente de carácter simbólico y expresan pensamientos que en gran medida aún no han sido plenamente desentrañados. A principios de este período (siglos XI-XII) se produjo un importante desarrollo de la escultura en bronce, en Hildesheim bajo Obispa Bernward (m. 1022), y en Magdeburg en las obras del Maestro Riquinus. En Dinant (Bélgica) también se originaron en esta época obras de imponente belleza, la más conocida de las cuales es la pila bautismal de Lieja (1112), apoyada sobre doce bueyes de bronce, obra de Renier de Huy. Hasta finales del siglo XII, la escultura en piedra se limitaba casi por completo a los relieves, que servían como decoración de pilas bautismales, portales y mamparas de coro. El centro de la escultura alemana durante este período estaba en el Norte, especialmente en Sajonia. Sur Alemania y Renania no es pobre en obras de escultura, pero tienen una importancia más iconográfica que histórica; como, por ejemplo, los relieves de la Schottenkirche (edificio escocés). Iglesia) en Ratisbona. A principios del siglo XIII la escultura alemana alcanzó su primer triunfo, acelerado por la influencia bizantina y francesa. Varias escuelas importantes florecieron al mismo tiempo. En lugar de los tipos tradicionales y las cortinas convencionales aparece una presentación vivaz y naturalista. La escultura en bronce cede el primer lugar a la escultura en piedra, e incluso la estatuaria asume el rango que le corresponde. Especialmente los portales se convierten en escenarios de la nueva decoración plástica. En el tímpano generalmente se representa el Juicio Final; a los lados están las vírgenes prudentes y las insensatas, los apóstoles, los santos y los donantes. La escuela más importante de este período es la sajona, con esculturas en Wechselburg, Freiberg y Naumburg; la escuela franca con los relieves de los biombos del coro y las estatuas de la catedral de Bamberg, y las esculturas románicas de la catedral de Estrasburgo, que en muchos aspectos rivalizan con las mejores obras de arte antiguo. Las esculturas de los restantes países europeos durante este período no se pueden comparar con las alemanas; Los siguientes en importancia son los de Francia. Aquí las representaciones de demonios y duendes ocurren con notable frecuencia, probablemente como consecuencia de las “Diablerías”, entonces tan populares en las obras. El desarrollo más temprano en Francia Ocurrió en Provenza (Arles, Toulouse), donde se siguieron antiguas tradiciones. Los ejemplos más perfectos están en Central Francia, donde las esculturas de las catedrales de Chartres, Le Mans y Bourges logran un efecto imponente por su solemne dignidad y silencioso reposo. En Italia También los portales de las iglesias están decorados con relieves mitológicos, legendarios y simbólicos, pero carecen de toda naturalidad y, en consecuencia, de todo valor artístico. Sin embargo, en ningún otro país hubo tantos artistas que sintieron la necesidad de inmortalizar sus nombres inscribiéndolos en sus obras.

La transición a la escultura gótica (si es que las expresiones románico y gótico pueden aplicarse a la escultura) no es repentina, sino muy gradual, como siempre ocurre con la aparición de una nueva tendencia en el arte y de todos los nuevos ideales. Así como el ideal de los escultores románicos era la virilidad y una naturalidad digna, los maestros góticos siguieron una tendencia ideal, que no acabó inmediatamente con la naturalidad, sino que condujo gradualmente a la convencionalización de las figuras y a una ejecución mecánica. Las principales características del gótico desarrollado son que todas las personas tienen en su mayor parte una apariencia juvenil, aunque sean envejecidas; sus figuras son esbeltas y bien formadas, con ropajes largos y fluidos; finalmente, los rostros tienen una expresión pensativa, espiritual y modesta. Mientras los escultores góticos practicaron la moderación en la aplicación de estas características, crearon obras de belleza clásica; pero cuando las generaciones posteriores intentaron superar a sus predecesoras, cayeron en manierismos y crearon obras que hoy parecen muy poco artísticas. Basta recordar muchas representaciones del Crucificado, que son caricaturas de una figura humana. La llamada pose gótica, la curvatura exagerada del cuerpo hacia un lado y la sonrisa constantemente recurrente, que casi se convierte en una mueca, son síntomas de la decadencia. La demanda de estatuas góticas fue enorme, ya que la arquitectura las utilizó más ampliamente en la decoración de las iglesias. Mil estatuas y otras esculturas apenas eran suficientes para una catedral; la catedral de Milán posee 6000. Esto requirió una gran rapidez de ejecución, lo que de hecho promovió la destreza manual, pero no la escrupulosidad artística. Sin embargo, las innumerables estatuas no deben examinarse y juzgarse como obras individuales, sino en relación con los edificios para los que fueron talladas. Desde este punto de vista nuestra única conclusión puede ser que difícilmente es posible concebir algo más imponente que una catedral gótica con su riqueza de esculturas decorativas.

El lugar favorito para las decoraciones escultóricas siguen siendo los portales, de los cuales normalmente hay tres en la fachada de una catedral gótica. Las esculturas aquí agrupadas representan en piedra toda la teología escolástica. Un tema favorito es la vida de nuestro Salvador durante Su estancia en la tierra. El lugar de honor en el pilar principal del portal principal suele estar asignado a Nuestra Señora con el Niño Jesús. Las culminaciones de tales representaciones teológicas en piedra son los portales de las catedrales de París, Chartres y Estrasburgo.

El desarrollo más perfecto de la escultura gótica tuvo lugar en Francia, donde se originó el estilo. El escenario principal de este desarrollo es Central Francia, donde se encuentran las catedrales de Amiens, Chartres, París, y Reims exhibe un gran número de figuras excelentísimas, no sólo en los portales, sino que cubren la fachada sobre los portales (la llamada galería real), e incluso el coro. Los temas de estas representaciones son el Salvador del Mundo y su Juez Supremo, Su Santísima Madre, los apóstoles, santos, reyes, profetas y sibilas, las Virtudes y Vicios, las fábulas y las ocupaciones del hombre durante cada mes del año. Este desarrollo comenzó alrededor de 1150 en Chartres y desde allí se extendió a St. Denis y París, alcanzando su mayor desarrollo en la catedral de Reims con alrededor de 2500 estatuas, algunas de las cuales pertenecen al gótico tardío. Las estatuas de los doce apóstoles en la Ste Chapelle en París Son joyas de la escultura gótica. Aproximadamente al mismo tiempo (1400) el hábil trabajo fue realizado por el Escuelas of Borgoña y para los Países Bajos, cuyo monumento más importante es la tumba del duque Felipe el Temerario en Dijon, obra de Claus Slüter.

In England La escultura siempre ha sido hijastra entre las artes. Prácticamente no hubo ninguna durante el período románico, e incluso la arquitectura gótica temprana excluyó por completo las representaciones escultóricas en sus edificios o las utilizó sólo como decoración, como en las claves y enjutas de los arcos y en los capiteles. Los mejores ejemplos se encuentran en Lincoln, Salisbury y Westminster. Las estatuas aparecen por primera vez de manera bastante repentina en el sur. England, y sus monumentos más importantes se encuentran en Wells y Exeter. Estas esculturas se caracterizan por una agradable sencillez, una composición libre y una acción dramática. Una nueva fase de la escultura gótica comenzó con el descubrimiento de las canteras de la isla Purbeck, en el condado de Dorset, que proporcionaban una piedra caliza de concha de colores cálidos y agradables. Las esculturas talladas en la isla eran tan numerosas que allí se desarrolló un estilo individual (1175-1325). En un período posterior Londres abasteció la principal demanda de escultura del país, que consistía en su mayor parte en monumentos sepulcrales. Mención especial merece la Escuela de los “Alabastros”, que durante varios siglos utilizó las ricas canteras inglesas de alabastro para tallar pequeñas y grandes esculturas, de forma más mecánica que artística. Entre los bronceadores la familia de los Torels, activa desde hace casi un siglo en Londres, es especialmente destacable; De estos William Torel en 1291 fundió las conocidas figuras de bronce de la reina Leonor y Enrique III in Abadía de Westminster.

Durante la época gótica Alemania produjo un gran número de obras escultóricas, pero hasta 1450 hay muy poco por encima de la mediocridad. Alrededor de ese año comenzó un nuevo desarrollo que duró hasta 1550 y alcanzó tal excelencia que puede considerarse la segunda flor de la escultura medieval alemana. Las esculturas en bronce y madera, más que en piedra, constituyen los mejores productos de este período. Mientras que en el primer período Norte Alemania tomó la iniciativa, en este segundo período la hegemonía pasó al Sur Alemania, donde la escuela franca culminó con las obras de los tres maestros de Nuremberg, Veit Stoss, Adam kraft y Peter Vischer, la escuela de Wurtzburg en Dill Riemenschneider, la suaba, en Hans Multscher y Jorg Syrlin, y la tirolesa, en Michael Pacher. Se pueden exponer brevemente las causas de este cambio y sus principales características. En contraste con el idealismo gótico temprano, un poderoso realismo comenzó a impregnar el arte. La gente era representada exactamente como en la realidad, con todos los accidentes de la naturaleza y del traje; Incluso los rasgos feos y repulsivos estaban representados. El cambio en el carácter de los mecenas del arte desempeñó un papel no pequeño en la promoción de esta diferencia. Mientras que antes los prelados ricos y los nobles altivos se ocupaban casi exclusivamente de los artistas, ahora, con el desarrollo del tercer estado, los comerciantes o campesinos ricos hicieron que se erigieran monumentos de devoción en las iglesias. Esto también provocó un cambio de material. Aunque la gente común contribuía gustosamente a la decoración de las iglesias, evitaba el gran gasto de las esculturas de piedra y se limitaba a presentar esculturas de madera. De hecho, para muchas de estas obras la piedra era difícilmente viable como material. Basta recordar la sillería del coro, los púlpitos y los casi innumerables altares. Este uso frecuente de la madera tuvo también su efecto en la escultura en piedra. Existen “casas de sacramentos” de piedra (tabernáculos para los Bendito Sacramento) de estas épocas que son tan retorcidos y en espiral como si hubieran sido tallados en madera. El tratamiento de los cortinajes es otra característica de la escultura bajomedieval. Mientras que en el siglo XIV las cortinas caían suave y simplemente, ahora estaban hinchadas y empaquetadas, amontonadas y rotas de una manera que nunca más volvió a ocurrir. Los temas de la escultura eran casi exclusivamente de carácter religioso. En las estatuas, los temas más populares fueron la Piedad, Nuestra Señora de los Dolores y Santa Ana con la Virgen y el Niño Jesús (pues el culto a Santa Ana fue más popular a finales del siglo XIX). Edad Media que nunca antes o después).

Las condiciones para la escultura fueron especialmente favorables en Italia, donde se centró la atención principal, no como en Alemania ó en Francia en la decoración de los portales y fachada, sino en púlpitos, altares y monumentos sepulcrales. Como también disponía del material más noble, el mármol, el arte italiano acabó por hacerse con la palma en escultura. Al principio se intentó principalmente aliviar la situación; Las estatuas no se utilizaron hasta más tarde. El desarrollo de la escultura italiana comienza en el siglo XIII en Toscana, que durante unos tres siglos desempeña el papel principal. Era la época del proto-Renacimiento, que se identifica con los nombres de Niccolo, Giovanni, Andrés Pisano (Desde Pisa), y andrea Orcaña. El movimiento irradiaba desde Pisa, pero con Andrés Pisano, que estaba bajo la influencia de Giotto, Florence se convirtió en el centro y permaneció así durante todo el comienzo Renacimiento. Siena, que rivalizaba Florence En pintura, de hecho produjo algunos maestros capaces de la escultura, como Tino da Comaino (muerto en 1339), pero gradualmente se fue quedando atrás de su rival. Esta circunstancia, que los primeros Renacimiento prosperó sobre todo en Florence, es de importancia para el juicio del Renacimiento que muchos todavía consideran como un renacimiento del arte antiguo y, por lo tanto, lo califican de anticlerical, cuando en realidad es sólo un arte que surgió en el alma del pueblo italiano sobre la base de una antigua tradición. No era Roma, por tanto, donde en aquel momento se sacaban a la luz y se estudiaban los monumentos antiguos, pero Florence que se convirtió en la cuna de los primeros Renacimiento.

Las obras más importantes de este período se encuentran en las iglesias, o en relación con ellas, y debieron su origen a los príncipes del Iglesia y para Iglesia organizaciones. Son tan puros y castos en sentimiento, tan sublimes en concepción, que no son inferiores a las mejores obras del Edad Media—lo que también es una prueba de que los primeros Renacimiento no puede ser designado como antirreligioso. Es cierto que no se puede negar que el difunto Renacimiento, por una imitación demasiado cercana de la antigüedad, perdió muchas de estas nobles cualidades y, por lo tanto, en la mayoría de sus obras deja al espectador frío e impasible. Entre los numerosos maestros de principios Renacimiento in Florence En la primera mitad del siglo XV, los tres siguientes son especialmente prominentes: Ghiberti, que ha llegado a ser célebre como el escultor de los Portales del Paraíso del Bautisterio of Florence; Donatello, el realista intransigente y escultor de numerosas estatuas, y Luca della Robbia, que en sus terracotas alcanzó una armonía y un encanto casi clásicos. A ellos se asociaba un gran número de maestros de segundo rango, de los cuales conviene mencionar al menos algunos. Entre los escultores de bronce Andrea Verrochio es conocido por su mundialmente famoso grupo de Cristo y Santo Tomás en la iglesia de Or San Michele, Florence; entre los escultores en mármol Desiderio da Settignano, Rosselino, Mino da Fiesole y Benedetto da Majano son famosos. No es necesario considerar aquí más detalladamente a estos artistas, porque todos ellos son tratados en artículos separados en LA ENCICLOPEDIA CATÓLICA.

Ejercían una amplia influencia y sólo Siena logró mantener una tendencia independiente en el arte de Jacopo della Quercia (m. 1438). Lombardía y Venice También tuvo a su disposición importantes escultores, como se puede comprobar en las esculturas del Basílica de San Antonio en Padua y muchos monumentos sepulcrales en las iglesias de la ciudad de Venice.

En la época de León X, generalmente llamada la Edad de Oro del arte italiano, la escultura también alcanzó su apogeo, desde el punto de vista puramente formal. De efecto imponente son las obras del florentino Andrea Contucci, llamado Sansovino, como, por ejemplo, su Bautismo de Cristo. Pero todos son superados en poder gigantesco y composición original por Miguel Ángel, a quien siguió sin reservas la generación más joven, aunque no en beneficio propio; porque por esta imitación cayeron en el manierismo, ya que les faltaba el espíritu del gran maestro, aunque imitaran sus formas externas. A través de Jacopo Sansovino (Tatti), las tendencias de Miguel Ángel fueron trasplantadas a Venice. Algunos de los escultores más jóvenes, que pudieron preservar su independencia, todavía crearon obras muy hábiles, al igual que Giovanni de Bolonia; pero sus obras no pertenecen en gran medida al arte eclesiástico. Cuando todo el arte del siglo XVII dio la espalda al sombrío manierismo de finales del XVI, también lo hizo la escultura. Regresó al naturalismo, pero no al naturalismo ingenuo del siglo XV, sino que intentó una presentación que mostrara la realidad en su forma más efectiva. Todo fue calculado para lograr efecto y emoción. Así, los movimientos de los miembros son violentos y exagerados; los músculos se destacan, las cortinas ondean y vuelan como arrastradas por una tormenta. Otra característica de este estilo es el uso frecuente y afectado de alegoría y personificación; así un hombre desnudo con libros bajo el brazo en la Annunziata, Florence, personifica el pensamiento. Este estilo es la conocida escultura barroca que, en la medida en que representa temas religiosos, ha sido condenada y prohibida por muchos. Si bien entre las esculturas barrocas hay muchas obras que no atraen a nuestro cristianas sentimiento. sin embargo, este juicio no se puede aplicar a todas las esculturas de la época. En cualquier caso, un gran número de estas obras dan testimonio del vivo interés religioso y también del autosacrificio de esa época tan condenada. Además, las esculturas barrocas no deben considerarse aisladas, sino en relación con la arquitectura que las rodea. Este período fue iniciado por un hombre que encadenó la mente de sus contemporáneos como casi ningún artista lo había hecho jamás: Lorenzo Bernini, el favorito de seis papas. Entre otros que trabajaron en su espíritu se encontraba Alessandro Algardi (muerto en 1653); pero más independiente de su influencia fue Stefano Maderna (m. 1636). Los caminos señalados por Bernini condujeron a la escultura a un abismo, del que ningún gran espíritu la rescató. Se hundió en la trivialidad, el naturalismo exagerado y el virtuosismo.

Escultura moderna fuera de Italia depende principalmente del desarrollo del arte italiano. En Francia, durante la cual la Renacimiento Introducida a finales del siglo XV, la escultura, si bien conserva las peculiaridades nacionales, se caracteriza por un naturalismo simple, a veces tosco. Alcanzó un importante desarrollo en el Loira, con Tours como centro y Michael Colombe (muerto en 1512) como maestro principal. No fue hasta mediados del siglo XVI que la influencia italiana llegó a ser tan poderosa que puede decirse que la escultura francesa alcanzó su cenit. Los representantes más importantes son Jean Goujon, Bontemps y Pierre Pilon. La obra de estos escultores, a pesar de una gran belleza formal y habilidad técnica, revela cierta frialdad y suavidad; y desde 1560 se prefieren los súbditos seculares. Este es aún más el caso de la generación más joven representada por Pierre Pujet, Francois Giradon y Antoine Coysevox, cuyas obras llevan una impronta específicamente francesa, una cierta cualidad afectada, forzada y teatral, que en el siglo XVIII degenera en una elegancia insípida. .

En Los Países Bajos, como en otros lugares, las influencias nativas e italianas compitieron entre sí hasta que estas últimas ganaron ascendencia. Aquí, además de algunas hermosas sillerías del coro, se produjeron púlpitos de una grandeza y magnificencia sin igual en otros países. La escalera, el cuerpo del púlpito y la caja de resonancia fueron tratados como una única estructura ornamental decorada con estatuas y tallas. Espléndidos ejemplos de este tipo son los púlpitos de las catedrales de Amberes por el maestro van der Voort y el Iglesia de Santa Gúdula en Bruselas por Henri Francois Verbriiggen (1655-1724). Otros escultores flamencos importantes son François Duquesnoy (muerto en 1646), contemporáneo de Bernini, bajo cuya influencia esculpió a San Andrés en la cúpula de San Pedro en Roma; También hay que mencionar a sus alumnos Arthur Quellinus y Adrian de Fries.

Durante los Renacimiento La escultura española del período fue principalmente de carácter decorativo, y se exhibió especialmente en las fachadas de las iglesias y palacios y en los imponentes púlpitos (retablos) de madera dorada. Favorable a su crecimiento fue la costumbre española de erigir en las iglesias escenas esculpidas de la Pasión y llevarlas en procesión. Uno de los maestros más interesantes es Damián Forment (m. 1533), que se consideraba igual a Fidias y Praxíteles; una de sus obras más hábiles es un retablos en el Catedral del Pilar en Zaragoza. Durante la última Renacimiento Pedro de Mena (m. 1693) talló para la iglesia de Málaga cuarenta y dos estatuillas de tal belleza e individualidad que deben contarse entre las obras más importantes de toda la escultura moderna. En England No hubo escultura nativa durante varias generaciones después de la desaparición del estilo gótico. El primer escultor que pudo volver a crear un arte vivo fue Nicholas Stone (1586-1647); los primeros en trabajar en el espíritu del Renacimiento fue Grinling Gibbons, cuyas mejores obras decorativas se encuentran en St. Paul's, LondresY, en Trinity College, Oxford. De los rasgos complicados y afectados que muestran las obras de este período, la escultura de un período posterior pasó al extremo opuesto; El primer artista que volvió a la supuesta pureza y severidad clásica fue Thomas Banks (1735-1805).

No es cierto que Alemania hasta 1500 sólo produjo obras sin importancia, como se ha sostenido a menudo. Por el contrario, la segunda flor del alemán Renacimiento La escultura duró hasta 1550, y muchos maestros capaces datan de ese período. Contemporáneo con Peter Vischer florecieron Pancraz Labewolf (m. 1563), Adolf Dauer (m. 1537), Gregor Erhardt (m. 1540), Hans Backofen (m. 1519), Heinrich y Johann Douvermann (m. 1540) y otros. Dos maestros de primer rango pertenecientes a un período posterior son Andreas Sliiter (m. 1714) en Berlín y Rafael Donner (m. 1741) en Austria.

Bajo el impulso del movimiento de resurgimiento de la antigüedad clásica inspirado por Winkelmann, la escultura del siglo XIX logró un desarrollo inesperado, pero sólo produjo un maestro reconocido por todas las naciones como preeminente: el danés Bertel Thorwaldsen. Sus numerosas obras respiran el espíritu clásico y están tomadas en gran medida de temas antiguos. Entre sus pocos cristianas obras “Cristo y los Doce Apóstoles” en la Frauenkirche de Copenhague son especialmente celebrados. Thorwaldsen tuvo muchos imitadores, particularmente en Alemania. En Múnich, L. Schwanthaler representó las tendencias clásicas bajo el patrocinio del romántico Luis I. En el norte Alemania Schadow y especialmente Rauch siguieron tendencias nativas, al igual que Rietschl, cuya “Piedad” es una de las obras modernas más importantes de carácter religioso. Después de las grandes guerras y victorias (1866-70), numerosos escultores llenaron los lugares públicos de las ciudades alemanas con estatuas monumentales, pero en ellas el arte real queda eclipsado con demasiada frecuencia por accesorios triviales y afectados. Un artista que se dedicó exclusivamente a la escultura religiosa fue el westfaliano Achtermann (m. 1885), quien nuevamente creó obras de profundo sentimiento religioso. De los escultores actualmente vivos mencionamos a Bolte en Munster, seguidor de su compatriota Achtermann, y George Busch en Múnich, que destaca por la potencia y amplitud de sus creaciones.

Mientras que la escultura en Italia Aunque se distingue por su bravura técnica más que por sus excelencias espirituales, la escultura francesa ha estado durante mucho tiempo a la cabeza del desarrollo moderno, no sólo por su admirable tratamiento de los más variados materiales, sino también por su universalidad de pensamiento. Últimamente se ha hecho sentir cada vez más un desagradable naturalismo que ha llegado incluso a la destrucción de la forma plástica. Un pionero en este peligroso camino fue Rodin, cuyas obras han sido admiradas por muchos como casi maravillas del mundo. Al mismo tiempo florece una tendencia más ideal, cuyo principal representante es Bartolomé, el escultor de la célebre tumba de Pere-Lachaise en París, que es quizás el mayor logro de la escultura francesa del siglo XIX.

BEDA KLEINSCHMIDT

ESCULTURA. In England.—El principal representante de la tendencia clásica en la escultura inglesa fue John Flaxman (1755-1826), quien encontró su inspiración en el arte griego más que en el romano. Es principalmente conocido por sus figuras puramente clásicas en la cerámica de Wedgwood, pero sus relieves en mármol también son de gran belleza. Entre los numerosos clasicistas que siguieron estaban: Francis Chantrey, Sir Dick Westmacott, EH Bailey y especialmente John Gibson (1790-(1860), cuyas obras religiosas incluyen un relieve de Cristo bendiciendo a los niños pequeños. La tendencia clásica prevaleció hasta el último cuarto del siglo XIX, pero la última parte del período fue marcado por un creciente naturalismo. Las principales representaciones de la transición incluyen a Juan. Henry Foley (1818-74), cuyas estatuas de Goldsmith, Burke y Grattan en Dublín son dignas de mención; Thomas Brock, cuyas obras incluyen el monumento a O'Connell en Dublín y el Victoria Memorial en Londres, EnglandEl monumento escultórico más ambicioso, de setenta pies de altura y que contiene muchas figuras simbólicas; George Armstead (1828-1905), quien talló un San Mateo y otras figuras de mármol para el retablo del Iglesia de Santa María, Aberavon; señor JE Boehm (1834-91); Thomas Woolner (1825-93), miembro de la Hermandad Prerrafaelita. El escultor británico más importante del siglo XIX fue Alfred Stevens (1817-75), alumno de Thorwaldsen, pero cuya formación clásica no impidió una gran originalidad en todas las ramas de la escultura. Su monumento a Wellington en St. Paul's Catedral Es quizás el más importante que ha producido la escultura inglesa. También cabe mencionar a Lord Leighton (1830-1896), cuya escultura supera a su pintura, y particularmente a George Frederick Watts, en cuyas obras se unen gran potencia y originalidad con un alto significado espiritual.

El gran cambio experimentado en la escultura inglesa desde aproximadamente 1875 se debe a la influencia francesa. Durante muchos años Jules Dalou, un exiliado político francés de 1870, estuvo a cargo de las clases de modelaje en el Museo de South Kensington. Sus enseñanzas sustituyeron los anteriores métodos aleatorios por estructura y movimiento e inauguraron un naturalismo cuerdo y saludable. Entre sus alumnos se encuentra Hamo Thorneycroft, cuyo Teucro finamente modelado inauguró el nuevo movimiento. Otros escultores importantes de las mismas tendencias son E. Onslow Ford, formado en Munich; JM Swan, el escultor de animales; y George Frampton, cuyas obras son de excelente calidad decorativa y bastante originales (incluido un muy atractivo San Jorge). Pero la figura más original e influyente del arte británico actual es Alfred Gilbert, que sobresale en todas las ramas de la escultura y cuyo estilo muy moderno une el arte del orfebre con el del escultor. Sus obras incluyen un hermoso alto relieve de Cristo y ángeles para el retablo de St. Albans. Catedral. Casi todos estos hombres disfrutaron de una formación francesa, pero su arte posee ciertas cualidades que son claramente nacionales.

En los Estados Unidos.—La escultura en los Estados Unidos es un desarrollo de los últimos tres cuartos del siglo XIX. Se ha desarrollado en conexión con las escuelas de Occidente. Europa, pero sin ser menos individuales o nacionales que ellos. Su historia se puede dividir en tres períodos: (I) El Período Clásico, (1825-50); (2) el Período Medio (1850-80), en el que el clasicismo todavía existe, pero cada vez da paso a un desarrollo más nacional; (3) el Período Contemporáneo o Cosmopolita, desarrollado como en otros lugares, bajo la influencia francesa.

La escuela clásica. Ni las doctrinas puritanas de los primeros colonos ni las otras tendencias religiosas de principios del siglo XIX fueron favorables al desarrollo de la escultura. No había instalaciones para la formación técnica de ningún tipo, ni monumentos para estudiar o inspirar. En consecuencia, los pocos escultores de los períodos colonial y revolucionario temprano carecían de importancia y no formaron escuelas. El verdadero desarrollo comenzó en 1825 con la partida de Horatio Greenough de Boston (1805-52) para Roma. El carácter de su arte es bien conocido por su gigantesca estatua de Washington medio cubierta como el Zeus Olímpico, que estuvo durante mucho tiempo ante el Capitolio de Washington. Hiram Powers (1805-73) hizo un trabajo similar, pero de carácter más sentimental, en estatuas como su célebre “Esclavo griego”, un ejemplo de desnudo, castamente tratado, y su “Eva Desconsolado". Thomas Crawford (1813-57), alumno de Thorwaldsen, es conocido como el escultor de la “Libertad” de bronce que corona la cúpula del Capitolio en Washington, los portales de bronce del Capitolio y el grupo frontón de la Cámara del Senado.

Período Medio o Nativo.—Incluso durante el período clásico comenzó la transición hacia un arte más nacional. El pionero fue Henry Kirk Brown (1814-86), cuyo trabajo, que no se vio afectado por sus estudios italianos, se ejemplifica mejor en su notable estatua ecuestre de George Washington en Union Square. New York. Otro importante escultor de tendencia autóctona fue Erastus Dow Palmer (1817-1904), quien fue prácticamente autodidacta y nunca abandonó América. Sus desnudos ideales fueron los mejor ejecutados hasta ese momento, mientras que sus “Angel del Sepulcro” muestra su fortaleza en los temas religiosos. Thomas Ball (1819) estableció un nuevo estándar en monumentos públicos con obras como su estatua ecuestre del general Washington en Boston y su monumento a Lincoln en Washington. Entre los representantes de la Escuela Clásica durante el período intermedio se encuentran el polifacético WW Storey, Randolph Rogers, WH Rinehart, cuyas obras quizá se estudien mejor en Baltimore, y Harriet Hosmer. También se pueden mencionar los estatutos de la Civil Guerra temas de John Rogers (1824-1904), que gozaron de gran popularidad sin ser verdadero arte. El artista más distinguido del período medio tardío fue JQA Ward (1830-1910), alumno de HK Brown, cuyo arte es poderoso, simple y escultórico. Tuvo tanto éxito en sus monumentos públicos como en sus estatuas, como la del “Cazador de indios”, que se encuentra en Central Park, New York.

Escultura contemporánea: el desarrollo más reciente de la escultura estadounidense fue iniciado por la Exposición del Centenario en Filadelfia en 1876, lo que reveló la superioridad de la obra europea, particularmente de la francesa. A partir de ese momento París se convirtió en la escuela de formación de escultores estadounidenses, con el resultado de una mejora sin precedentes en la técnica y el contenido de su arte y el desarrollo gradual de una escuela nacional de gran promesa. Entre los primeros en mostrar la influencia parisina estuvo OL Warner (1844-96), pero la figura más destacada hasta el momento en la escultura estadounidense es Agosto San Gaudens (1848-1907). A la máxima eficiencia técnica añadió notables poderes de caracterización. Su relieve en memoria de Shaw en Boston y la estatua de Lincoln en Chicago marcaron época, y su General Sherman en Central Park, New York, lo sitúa en el primer rango de escultores americanos. Entre sus obras religiosas se incluye un hermoso “Amor Caritas” en el Museo de Luxemburgo, París. La influencia extranjera está ausente en la obra de Daniel Chester French (1850), cuyo arte se caracteriza por la moderación y una cierta pureza de concepción. Entre sus obras más encantadoras se encuentran “La muerte y el escultor” (Art Institute, Chicago) y el monumento a O'Reilly en Boston, con una bella figura de Erin de luto. Frederick Macmonnies es el más francés de todos nuestros escultores, mientras que Herbert Adams se inspiró en los primeros maestros florentinos.

Otros escultores destacados del período cosmopolita incluyen a Bela L. Pratt, de Boston, Charles Grafly, de Filadelfia, Lorado Taft, de Chicago, y Douglas Tilden, de San Francisco, cuyo arte es el más radical de todos. Pero el centro de la escultura estadounidense es New York. Cabe mencionar a Charles H. Niehaus, maestro del modelaje, que representa la influencia alemana, a FW Ruckstuhl y Carl Bitter, cuyo trabajo decorativo es célebre, y a Paul Bartlett, el escultor de la estatua de La Fayette en París. Los escultores de animales más importantes son el fallecido Edward Kemys, cuya especialidad eran los animales salvajes nativos americanos, EC Potter y AC Proctor, que también retrató al indio americano; pero el escultor indio más poderoso es Cyrus E. Dallin. Los dos jóvenes más característicamente americanos son ambos occidentales; Solon H. Borglum, el escultor del indio, el vaquero y el caballo salvaje, y George Gray Barnard, cuyo arte fuerte y simple une gran amplitud con una caracterización ideal. Ha habido pocas oportunidades para la escultura eclesiástica en los Estados Unidos; El encargo más importante fueron los tres portales de St. Bartolomées Iglesia, New York, terminado en 1904; el portal central y el friso de DC French y Andrew O'Connor, los demás de Herbert Adams y Philip Martiny. Estas decoraciones, muy profusa, son excelentes desde el punto de vista moderno, pero demasiado poco subordinadas a la arquitectura para ser monumentales. Las esculturas de los anglicanos. Catedral de San Juan el Divino, New York, de Gutzon Borglum.

GEORGE KRIEHN