Rococó Estilo: este estilo recibió su nombre en el siglo XIX del francés emigres, quien usó la palabra para designar de manera caprichosa el estilo de concha (estilo rocalla), entonces considerado como franco antiguo, a diferencia de los estilos posteriores más simples. Esencialmente, es el mismo tipo de arte y decoración que floreció en Francia durante la siguiente regencia Luis XIVDespués de su muerte, permaneció de moda durante unos cuarenta años (1715-50). Podría denominarse el clímax o la degeneración del barroco que, junto con la gracia francesa, comenzó hacia el final del reinado de Luis XIV convertir grotescos en curvas, líneas y bandas (Jean Berain, 1638-1711). Como su efecto fue menos pronunciado en la construcción arquitectónica que en otros lugares, no es tanto un estilo real como un nuevo tipo de decoración, que culmina en la resolución de las formas arquitectónicas de los interiores (pilastras y arquitrabes) mediante una ornamentación arbitraria a la manera de un barroco desregulado y enervado, al tiempo que influye en la disposición del espacio, la construcción de las fachadas, los portales, las formas de las puertas y ventanas. El estilo rococó fue bien recibido en Alemania, donde se pervirtió aún más hasta convertirlo en arbitrario, asimétrico y antinatural, y se mantuvo vigente hasta 1770 (o incluso más); no encontró bienvenida en England. En Italia Borromini, Guarini y otros demuestran una tendencia hacia el estilo rococó. Los propios franceses sólo hablan de la Regencia de estilo y Luis XV, que, sin embargo, no se limita en modo alguno a esta única tendencia.
A una raza que se había vuelto afeminada, las formas barrocas le parecían demasiado toscas y pesadas, las líneas demasiado rectas y rígidas, la impresión general demasiado pesada y forzada. Lo pequeño y lo ligero, los barridos y las florituras, captaron el gusto del público; en los interiores lo arquitectónico tuvo que ceder ante lo pintoresco, lo curioso y lo caprichoso. Se desarrolla un estilo para salones elegantes, salas de estar y tocadores delicados, salones y bibliotecas, en los que paredes, techos, muebles y obras de metal y porcelana presentan un conjunto de formas deportivas, fantásticas y esculpidas. Las líneas horizontales son casi completamente sustituidas por curvas e interrupciones, las verticales variadas al menos por nudos; por todas partes aparecen curvas parecidas a conchas en cientos de formas, puntiagudas, resplandecientes y afiladas hasta una cúspide; la construcción natural de las paredes está oculta detrás de una gruesa estructura de estuco; en el techo tal vez un atisbo de "Olympo encanta la vista, todo ejecutado en un hermoso blanco o en tonos de colores brillantes. Dejadas de lado todas las leyes y reglas simples en favor de una imaginación libre y encantadora, la fantasía recibió un incentivo aún mayor para la actividad y los sentidos fueron requisados con mayor intensidad. Todo lo vigoroso está prohibido, toda sugerencia de seriedad; nada perturba el reposo superficial de la distinguida banalidad; Lo deportivo, elegante y ligero aparece al lado de lo elegante y lo ingenioso. El escultor Bouchardon representó a Cupido ocupado en tallar sus dardos de amor en la maza de Hércules; esto sirve como un excelente símbolo del estilo rococó: el semidiós se transforma en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se convierte en flechas que desgarran el corazón, del mismo modo que el mármol se reemplaza tan libremente por el estuco. El afeminamiento, la suavidad y el capricho se configuran ante nosotros. A este respecto, podemos mencionar de pasada a los escultores franceses Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle. Para pequeñas figuras de plástico de yeso, arcilla, galleta, porcelana (Sevres, meissen), el rococó gay no es inadecuado; En madera, hierro y metal real, ha creado algunas obras valiosas. Sin embargo, confesionarios, púlpitos, altares e incluso fachadas conducen cada vez más al territorio de lo arquitectónico, que no se combina fácilmente con las curvas del rococó, lo ligero y lo mezquino, con formas cuyo dónde y por qué desconciertan la investigación. Incluso como mera decoración en las paredes de los interiores, las nuevas formas sólo pudieron mantenerse durante unas pocas décadas. En Francia el dominio del rococó prácticamente cesa con Oppenord (m. 1742) y Meissonier (m. 1750). Inaugurado en algunas salas del Palacio de Versalles, despliega su magnificencia en varios edificios parisinos (especialmente el Hotel Soubise). En Alemania Artistas franceses y alemanes (Cuvillies, Neumann, Knobelsdorff, etc.) realizaron el digno equipamiento del Amalienburg cerca de Munich, y de los castillos de Würzburg, Potsdam, Charlottenburg, Brtihl, Bruchsal, Schonbrunn, etc. Francia el estilo permaneció algo más reservado, ya que los adornos eran en su mayoría de madera o, según la moda de la talla en madera, menos robustos y naturalistas y menos exuberantes en la mezcla de formas naturales y artificiales de todo tipo (por ejemplo, motivos vegetales, representaciones de estalactitas). , grotescos, máscaras, instrumentos de diversos oficios, insignias, pinturas, piedras preciosas). Como elementos de lo bello. Francia retenido, en mayor medida que Alemania, la unidad de todo el esquema decorativo y la simetría de sus partes.
Este estilo necesita no sólo decoradores, orfebres y otros técnicos, sino también pintores. Los pintores franceses de este período reflejan con mayor fidelidad la depresión moral que data de la época de Luis XIV, incluso los más célebres se limitan a retratos sociales de la alta sociedad y representan "galante festivales”, con su sociedad informal, frívola, teatral o a la moda.
La “bella sensualidad” se logra mediante una técnica magistral, especialmente en el colorido, y en gran medida mediante licencias bastante inmorales o desnudez mitológica como en los romances sueltos o poco delicados. En cuanto a Watteau (1684-1721), los propios títulos de sus obras –por ejemplo, Conversación, Desayuno al aire libre, Placeres rurales, Comediantes italianos o franceses, Embarque para la isla de Citera– indican el espíritu y la tendencia de su arte. Si a esto le sumamos las figuras vestidas a la moda, esbeltas de cabeza, cuello y pies, en posturas sencillas, representadas en medio de un encantador paisaje rural, pintadas con los mejores colores, tenemos una imagen de la alta sociedad de la época en la que contempló a Luis XV y el copete. Francois Boucher (1703-70) es el pintor más célebre del rococó maduro.
Porque el rococó eclesiástico puede compararse, en términos generales, con la música eclesiástica mundana. Su falta de sencillez, seriedad y reposo es evidente, mientras que su evidente artificialidad, antinaturalidad y trivialidad tienen un efecto de distracción. Su suavidad y mezquindad tampoco se convierten en la casa de Dios. Sin embargo, despojado de sus consecuencias más dolorosas, es posible que haya distraído menos durante su época, ya que entonces armonizaba con el espíritu de la época. Un desarrollo del barroco, se encontrará una decoración congruente para las iglesias barrocas. En general, hay una gran diferencia si el estilo se utiliza con moderación en la forma más fina e ingeniosa de los maestros franceses o si se lleva a los extremos con la coherencia del alemán. Los artistas franceses parecen haber considerado siempre la belleza de toda la composición como el objeto principal, mientras que los alemanes pusieron mayor énfasis en el vigor audaz de las líneas; así, la falta de simetría nunca fue tan exagerada en las obras del primero. En la iglesia el rococó puede tener a veces el encanto de la belleza y agradar por su ingeniosa técnica, siempre que los objetos sean pequeños y estén subordinados a una credencia con vinagreras y plato, un jarrón, un escritorio del coro, lámparas, llave y cerradura, barandillas o balaustrada, no desafíe demasiado audazmente la vista y cumpla todos los requisitos de la mera belleza de la forma. De hecho, el rococó es realmente vacío, únicamente un agradable juego de fantasía. En la sacristía (para prensas, etc.) y antecámaras es más adecuado que en la iglesia misma, al menos en lo que respecta a su empleo en lugares visibles.
El estilo rococó concuerda muy mal con el oficio solemne de la custodia, el tabernáculo y el altar, e incluso del púlpito. El naturalismo de ciertos púlpitos belgas, a pesar o quizás debido a su carácter artístico, tiene el mismo efecto que las francas creaciones rococó. La finalidad del confesionario y del baptisterio parece exigir también formas más serias. En el caso de los objetos más grandes, la escultura de formas rococó parece mezquina o, si se evita esta mezquindad, se parece al barroco. Las fantasías de este estilo no concuerdan con los altos y anchos muros de la iglesia. Sin embargo, todo debe decidirse según el objeto y las circunstancias; la platea de la catedral de Maguncia suscitan no sólo nuestra aprobación sino también nuestra admiración, mientras que el célebre altar privilegiado de Vierzehnheiligen nos repele tanto por sus formas como por su decoración plástica. Hay ciertos cálices rococó (como el del monasterio de Einsiedeln) que, por así decirlo, están adornados con escogidos adornos festivos; hay otros, que están más o menos deformados debido a sus curvas o figuras abultadas. Los candelabros y lámparas también pueden quedar desfigurados por conchas molestas o por falta de simetría, o pueden, en medio de una gran decoración, mantenerse dentro de límites razonables. El material y la técnica también tienen importancia en el rococó. Materiales tejidos, tallas en madera y trabajos en yeso de París son evidentemente menos llamativos que las obras en otros materiales, cuando emplean el rococó deportivo. El hierro (especialmente en las barandillas) y el bronce pierden su frialdad y dureza, cuando son animados por el estilo rococó; en el caso de este último, se puede utilizar con ventaja el dorado. El dorado y la pintura pertenecen a los medios habituales mediante los cuales este estilo, en determinadas circunstancias, encanta la vista y la fantasía. Considerando todo esto, podemos decir del estilo rococó -como no sin razón se ha dicho del barroco y del Renacimiento— que es muy apto para introducir un espíritu mundano en la iglesia, incluso si pasamos por alto los accesorios figurativos, que con frecuencia no favorecen en modo alguno los sentimientos de devoción y son incompatibles con la sobriedad y grandeza de la arquitectura y con la seriedad. de funciones sagradas.
G.GIETMANN