Puvis de Chavannes, PIERRE, pintor francés, n. en Lyon, 14 de diciembre de 1824; m. en París , 24 de octubre de 1898. Por parte de su padre, Puvis era borgoñón —«sal borgoñona», dice el proverbio, es decir, la raza francesa más fuerte, que produjo hombres como Bossuet, Buffon y Lamartine—. Su idealismo lionés, heredado por parte de su madre, nunca le permitió perder el sentido de la realidad; sus sueños siempre fueron posibles y probables. Su vocación tardó en manifestarse. Sus padres lo encaminaban a la École Polytechnique, y tenía veintitrés años cuando, tras su primer viaje a Italia , mostró inclinación por la pintura. Decidido a dedicarse al arte, estudió durante un año, sin mucho éxito, en el taller de Henry Scheffer, hermano de Ary, y posteriormente ingresó en los de Delacroix y Couture. Otra estancia en Italia , donde permaneció un año, afianzó sus ideas y definió su credo. Regresó convencido de la dignidad artística y la gran eminencia de la pintura decorativa. El arte de los grandes maestros italianos, su manera de expresar en grandes composiciones, marcadas por la sencillez, los maravillosos pensamientos y creencias comunes a una época o a un pueblo, se convirtió a partir de entonces en el objeto que se propuso plasmar para sus contemporáneos. Sin ser abiertamente cristiano, su inspiración conserva un carácter claramente espiritual. En medio de la invasión materialista de la segunda mitad del siglo XIX, Puvis (junto con Eugène Carrière) fue el más noble defensor del arte religioso en Francia . Como pintor, su originalidad lo liberó de influencias y tendencias tempranas. En cierto sentido, fue realmente autodidacta. Si bien admiraba a Delacroix, detestaba la anarquía romántica, con sus pasiones desordenadas, y despreciaba las convenciones académicas, el gusto tímido y las ideas débiles de los llamados clásicos. Si sentía simpatía por algún sector de la escuela, sin duda era por el pequeño grupo de paisajistas. Dada la importancia que otorgaba al paisaje, la atmósfera que imprimió a sus frescos, su predilección por los horizontes familiares y los campos sencillos, junto con su manera de representarlos y ennoblecerlos, parece evidente que Puvis estudió a Corot. Finalmente, en las pinturas de Theodore Chasseriau, el joven artista encontró un ideal similar al suyo, un espíritu afín y un modelo para sus cuadros de Amiens.
El primer “Salón” de Puvis fue una “Piedad” expuesta en 1852, pero fue rechazado constantemente durante algunos años. Sus ya notables cuadros, como su “ Salomé ” o su “Julia”, impactaron al público por una decidida ausencia de sombras (como en los mosaicos) y por una extrañeza hierática y bizantina. En el Salón de 1859 mostró un “Regreso de la caza” (Museo de Marsella), una obra impactante de movimiento juvenil, heroico y bárbaro. Un gran talento decorativo se hizo cada vez más evidente en estas obras aisladas. Entonces llegó la oportunidad de pintar un salón para un ciudadano particular: “Por fin”, dijo el artista, “tengo agua en la que nadar”. A partir de entonces se obligó a seguir el régimen de trabajo que observó durante toda su vida, el régimen de un cartujo o cenobita en el arte; Una comida al día sobre las siete de la tarde, dos paseos rápidos de una hora antes y después del trabajo entre su casa en Montmartre y su estudio en Neuilly, sesiones de nueve o diez horas de trabajo incesante, y por la noche, lectura, dibujo, música y conversación con sus amigos. Varios viajes interrumpieron esta rutina.
Se desconoce a quién se le atribuye el mérito de haber elegido al joven pintor y haberle asignado la obra que era su verdadera vocación, ni quién le encargó los frescos de la escalinata del museo de Amiens, pero fue por casualidad que Puvis emprendió la obra que se convertiría en su verdadera vocación: la pintura monumental. En 1861 aparecieron « Guerra » y «Paz»; en 1863, «Trabajo» y «Descanso»; en 1865, estas se completaron con una nueva obra, «Ave Picaclia Nutrix». No hay nada más sencillo ni más noble que estas pinturas. Más de una autoridad las considera su mejor obra y, en cualquier caso, son la manifestación de un arte singularmente nuevo. Demostró una admirable capacidad de generalización, un poder para expresar la vida con rasgos universales sin frías alegorías ni perturbaciones románticas, conservando al mismo tiempo un realismo y un acento rústicos. Pero precisamente por su novedad, por su sencillez mural, esta obra nueva y vigorosa causó asombro y escándalo, con los que el artista tuvo que lidiar durante muchos años. Críticas aún más mordaces surgieron con sus obras «Otoño», «El sueño», «La cosecha» (1870) y, especialmente, con «El pobre pecador» (Salón de 1875), en la que el conmovedor arcaísmo tenía el efecto de un desafío. Puvis fue acusado de no saber pintar ni dibujar. Sus ideas y proyectos parecían incomprensibles y como un desafío al gusto público. No hubo ningún intento de comprender los métodos de síntesis y simplificación debido a las circunstancias particulares del fresco, y estas piezas fueron persistentemente consideradas desde el mismo punto de vista que los demás cuadros del Salón. El resultado fue un prolongado malentendido que duró quince años, durante los cuales se desperdició mucha tinta. Finalmente, la inteligente iniciativa del marqués de Cheunevièves, el mejor director de bellas artes que Francia haya tenido jamás, le brindó al pintor injustamente criticado la oportunidad de un triunfo decisivo. Esto fue en relación con las pinturas de la “Infancia de Santa Genoveva” (1876-8), en la antigua iglesia del mismo nombre, ahora el Panteón. Todo lo que se había malinterpretado en el Salón se aclaró aquí, todo lo que, visto de cerca en medio de un entorno artificial, había parecido un defecto se desvaneció y adquirió un significado en la perfecta concordancia de la obra con el monumento. Por primera vez se percibió que la decoración tenía sus propias leyes y que, bajo esta luz, cada una de las aparentes debilidades del artista se convirtió en un encanto y una necesidad. A partir de entonces, el maestro ocupó una posición única en la escuela francesa. Sin el título, era una especie de pintor laureado. Durante sus últimos veinte años, cada una de sus sucesivas obras aumentó su reputación, a partir de entonces indiscutible; fueron “Ludus pro patria” (1880-2), para el Museo de Amiens; “Doux pays” (1882), para M. Leon Bonnat; Para el Museo de Lyon, el “Bosque Sagrado Querido de las Artes y las Musas” (1884) con la “Visión Antigua”, “ Inspiración Cristiana ”, el “Saona” y el “Ródano” (1886); “Inter artes et naturam” (Museo de Rouen); “Verano”, “Invierno”, “ Victor Hugo Presentando su Lira a París ”, para el Hôtel de Ville de París (1893-5), y sus últimos cuadros, dos nuevas escenas de la leyenda de Santa Genoveva: “Santa Genoveva Reabasteciendo a los Parisinos” (1897) y “Santa Genoveva Velando por París ” (1898). Después de un intervalo de veinte años, este último cuadro encontró la misma popularidad que había recibido la primera escena de la “Infancia”. Es un cuadro sublime, que muestra una sola figura, con hábito monástico, de pie, erguida e inmóvil en la noche, velando por los tejados azules de la ciudad dormida.
Durante esta última etapa de su vida, el maestro ejerció una jurisdicción totalmente nueva sobre el arte; sin ser el líder de una escuela, ni siquiera tener discípulos propiamente dichos, su palabra era ley. El Gobierno recurría a él en ocasiones solemnes, como la decoración del vasto y grandioso hemiciclo de la nueva Sorbona (1887-9). Grandes ciudades como París , Lyon, Rouen, Burdeos y Marsella siguieron el ejemplo de Amiens, y cuando Boston (EE. UU.) quiso decorar la monumental escalinata de su biblioteca, fue Puvis de Chavannes quien fue elegido para ejecutar aquella gran obra (1896). Todas estas obras respiran el mismo amor por las ideas nobles, la misma confianza en los destinos e ideales superiores de la humanidad; incluso podría decirse que lo que los pintores teológicos de la Edad Media escribieron en la Capilla Española y lo que Rafael hizo por el Renacimiento en la Cámara de la Signatura, Puvis lo hizo en nuestra época. Creó su « Parnaso » y su «Escuela de Atenas», diferentes, sin duda, de las antiguas, pero igualmente bellas y sagradas. Nunca le faltaron símbolos claros, ingeniosos y definidos para la expresión plástica de ideas generales. Defendió los derechos del ideal en el mundo moderno, dándolo a conocer y desvinculándolo de los sueños, el arte y la poesía. Siempre tuvo una fe inquebrantable en la santidad de la dimensión espiritual de la humanidad y en la importancia suprema de la búsqueda, la aspiración y la inquietud constantes que conforman el capital moral de nuestra raza. Como artista, contribuyó en gran medida a mantener viva la religión entre los hombres. Tras la muerte de Meissonier (1894), Puvis fue elegido por aclamación presidente de la Sociedad Nacional de Artistas Franceses. Fue comandante de la Legión de Honor. La dignidad moral y la rectitud de su carácter y su vida incrementaron el respeto que se le profesaba al artista y al pensador. Se casó con la princesa María Cantacuzene, a quien había conocido en el taller de Chasseriau. La sobrevivió tan solo unos meses. Su última obra, la encantadora «El reloj de Santa Genoveva», reproduce sus rasgos y consagra la memoria de aquella entrañable compañera. Quizás sea esta tristeza, unida a una esperanza inmortal, la que confiere a esta obra suprema una poesía conmovedora y una belleza inolvidable. (Véase París , lámina a color).
LOUIS GILET