perugiano (PIETRO VANNUCCI), pintor italiano, fundador de la escuela de Umbría, n. en Citth della Pieve en 1446; d. en Fontignano cerca Perugia en febrero de 1524. Se llamaba Perugino, aunque a menudo firmaba con su nombre Petrus de Castro Plebis. Estudió arte en Perugia, donde encontró una escuela anterior, la de Nicolo Alunno y Boccati da Camerino, ya notable por la expresión pura del sentimiento y la animación de la vida interior. Perugino adoptó esta tradición, añadiéndole el gusto decorativo de su maestro, Fiorenzo di Lorenzo, e influenciado por el poderoso estilo de Piero della Francesca. En 1472 fue a Florence, donde fue compañero de Leonardo en el estudio de Verrocchio, el centro y laboratorio más activo de los métodos del Renacimiento. Aquí Perugino adquirió conocimientos mediante los cuales expresó sus ideas de manera imperecedera. Aprendió construcción, se convirtió en un maestro de la perspectiva y en el estilo siguió una fórmula fija, que fue muy admirada. Lamentablemente sus primeras obras se han perdido. Sus frescos en el Palazzo Pubblico en Perugia (1475) y los de Cerqueto han sido destruidos o arruinados. Su cuadro más antiguo que se conserva es La entrega de las llaves a San Pedro (1482), en la Sixtina. Capilla at Roma, donde posteriormente se destruyeron otros tres frescos para dejar espacio al “Juicio Final” de Miguel Ángel. Perugino ocupó entonces un lugar destacado en la escuela italiana, y hoy el único fresco que queda brilla como una obra maestra entre los inventos más brillantes de la escuela florentina. Engendró numerosas obras de arte y Rafael, el gran alumno de Perugino, lo tuvo presente en el “Sposalizio”, la obra más exquisita de su juventud.
En los quince años siguientes (1484-99) Perugino alcanzó su mayor éxito. Su obra tenía mayor demanda en el ámbito de los cuadros religiosos, y iba de ciudad en ciudad pintando retablos o frescos eclesiásticos. En 1491-2, habiendo ido a Roma pintar la decoración (ya no existente) del palacio de la Cardenal de' Medicis, ejecutó el delicioso cuadro en la Villa albanés, el "Adoración del Santo Niño” (1491). Excepto algunos viajes a Perugia, Venicey Tano, Florence fue su centro de operaciones durante ese período. A ella pertenecen la “Crucifixión” y el “Getsemaní” del Florence Academia; la famosa “Piedad” del mismo museo; el “Desmontaje de la Cruz” de los Pitti (1495); la “Visión de San Bernardo” en el Museo de Munich; pero la más maravillosa de estas obras es el gran fresco de la "Crucifixión" en Sta Maddalena de Pazzi (1496). La belleza de los rostros, la conmovedora gravedad de la escena, el acabado del colorido y la perfección del paisaje sitúan a este cuadro en primer lugar entre las obras de Perugino en Italia. El tríptico de la “Natividad” (1500) en Londres Hay una miniatura de este fresco casi igual en belleza. Perugino se muestra como un paisajista incomparable en los cuadros de su mejor época; fue un eminente maestro de la pintura de la atmósfera. Su expresión proviene de las cualidades artísticas más raras, de una composición acabada, del espaciamiento de las figuras, del uso de óleos y de una coloración profunda y armoniosa, logrando así un efecto de profundidad y plenitud. En sus obras maestras, aunque transforma en gran medida la realidad, es sin embargo muy fiel a la naturaleza. Copia el desnudo con tanta precisión como el más hábil de los florentinos, como se ve en la maravillosa “St. Sebastián” del Louvre, y es capaz de la más exacta y cercana veracidad, por ejemplo, las dos admirables cabezas de cartujos en el Florence Accademia, que bastan para situarlo en la primera fila de los retratistas. Perugino es uno de los artistas más grandes y populares de Italia y su obra se distingue por la creación del “cuadro piadoso”.
La decoración del Cambio, o Bolsa de Perugia (1499), marca el comienzo de un período de decadencia. El efecto de esta sala decorada con frescos en las cuatro paredes y con arabescos en el techo es muy encantador, pero la concepción es extremadamente arbitraria y la composición sin valor e insignificante. Los héroes, profetas y sibilas de la antigüedad tienen todos la misma expresión desdeñosa; el conjunto es neutral, abstracto, vago. El artista reemplaza toda apariencia de pensamiento, conciencia y esfuerzo por una apariencia de sentimiento que es meramente sentimentalismo. Desde entonces Perugino es un ejemplo deplorable de un gran artista que se destruye a sí mismo subordinado a la mera artesanía. Sin duda tuvo un período sublime en su vida, cuando dotó por primera vez a cuerpos plásticos incomparables de una expresión inesperada de lo infinito y lo divino, pero pronto abusó de esta fórmula tantas veces repetida, la disposición se volvió puramente esquemática, las figuras estereotipadas, el color era agudo y ácido, y toda emoción se evaporaba. La única parte de su genio que persistió hasta el final fue un ojo enamorado del cielo y de la luz. Este declive se hizo evidente en 1504, cuando Isabel de Este encargó al artista pintar el “Combate de Amor y Castidad“, ahora en el Louvre. En esta época el arte estaba logrando sus conquistas más gloriosas, como atestiguan los dos famosos cartones de Leonardo y Miguel Ángel (1506) en Florence. Las obras de sus últimos veinte años, frescos y retablos, se encuentran esparcidas por Umbría, en Perugia, Spello, Siena etc. No añaden nada a su gloria. El techo que pintó para Julio II en 1508 en la Camera dell'Incendio en el Vaticano tiene al menos un alto valor decorativo. En 1521 el viejo artista volvió a trabajar en colaboración con Rafael. Este último había dejado un fresco inacabado en S. Spirito en Perugia y tras su muerte Perugino recibió el encargo de terminarlo. Nada muestra más claramente la diferencia moral entre estos dos genios, el maravilloso progreso y autodesarrollo de Rafael, la inmovilidad y la apatía intelectual de su maestro. Este último murió a causa de la peste a la edad de setenta y ocho años.
LOUIS GILET