Trabajo en metal

Metal —Trabajo al Servicio de la Iglesia.—Desde los primeros días el Iglesia ha empleado utensilios y vasijas de metal en sus ceremonias litúrgicas. Esta práctica aumentó durante el Edad Media. La historia de la orfebrería de la Iglesia en la categoría Industrial. Edad Media es, de hecho, la historia del arte de trabajar los metales en general, y esto no sólo porque el Iglesia fue el principal mecenas de este tipo de obras y porque casi todas las obras que se han conservado del Edad Media tienen carácter eclesiástico, sino también porque hasta el siglo XII las obras de orfebrería también eran fabricadas casi exclusivamente por monjes y clérigos. Pero en el periodo de Renacimiento también la fabricación de orfebrería eclesiástica constituía una rama muy importante del arte de la orfebrería, e incluso en nuestros días estas obras se cuentan entre aquellas en cuya producción se puede desarrollar más provechosamente ese arte; pero no sólo el arte de la orfebrería, es decir el tratamiento artístico de los metales preciosos, tuvo su crecimiento y desarrollo al servicio de la Iglesia, también se han utilizado ampliamente los metales comunes, especialmente el hierro, el bronce y el latón. Sin embargo, al tratarnos del desarrollo histórico de la metalurgia al servicio de la Iglesia, nos limitaremos más particularmente a los trabajos en metales preciosos, sin excluir por completo de nuestra consideración los de metales inferiores.

ANTIGÜEDAD.—A partir de la antigüedad, primero debemos probar que la Iglesia De hecho, en los tiempos más antiguos se utilizaron valiosas obras de metal. Honorio de Autun (m. 1145) hace la observación de que el Apóstoles y sus seguidores habían empleado cálices de madera en la celebración de la santa Misa, pero que Papa Zephyrinus había ordenado el uso de vidrio y Papa Urbano I de vasijas de plata y oro (Gemma aninm, PL, CLXXII, 573). Esta opinión parece haber sido ampliamente difundida durante el Edad Media; sin embargo, es insostenible. Sin duda, el recurso a cálices de madera o de algún otro material barato se hizo necesario a menudo en la antigüedad por falta de materiales más valiosos o durante los tiempos tormentosos de las persecuciones, pero esta costumbre no puede haber sido general. Si los primeros cristianos creían en la presencia real de Cristo en el Eucaristíay de esto no cabe duda, ciertamente también hacían ofrenda de sus más preciados vasos para que se celebraran dignamente los Sagrados Misterios.

Los primeros avisos positivos sobre el uso de trabajos en metal al servicio de la Iglesia datan de los siglos III y IV. Se trata especialmente del “Liber pontificalis”, al que ahora se puede acceder en las ediciones críticas de Duchesne y Mommsen (ver Pontificado Liber), de donde se deriva la información más interesante sobre el tema en discusión. Aquí nos topamos por primera vez con la afirmación de que Papa Urbano tenía los vasos sagrados hechos de plata, lo que de ninguna manera implica que antes de esa época todos fueran hechos de vidrio. De mayor importancia son los relatos de las magníficas donaciones de valiosas obras en metal realizadas por el emperador Constantino a las basílicas romanas. Se necesitaría demasiado espacio para enumerarlos todos y nos contentaremos con mencionar algunos ejemplos. Hacia Vaticano basílica presentó siete grandes cálices (scy phi) del oro más puro, cada uno de los cuales pesaba diez libras (romanas); además cuarenta cálices más pequeños de oro puro, de una libra de peso cada uno. La iglesia de Santa Inés recibió un cáliz de oro macizo que pesaba diez libras, cinco cálices de plata de diez libras cada uno y dos patenas de plata de treinta libras cada uno. Las placas de metal para el pan eucarístico (patens) se mencionan a menudo en relación con los cálices; así, la basílica de Letrán recibió siete patenas de oro y dieciséis de plata de treinta libras cada una. Aunque no en la misma medida, las otras iglesias también poseían valiosa orfebrería para el servicio litúrgico. El Iglesia de Cartago, según el testimonio de Optato, poseía tantos objetos de valor de oro y plata, que no fue fácil sacarlos u ocultarlos en el momento de las persecuciones (Contra Parmen., I, xviii). ibas, Obispa of Edesa, fue acusado en el Concilio de Calcedonia (451) de haber robado un valioso cáliz engastado con piedras preciosas, que un hombre piadoso había presentado a la iglesia.

En cuanto a los diversos tipos de trabajos en metal utilizados en el Iglesia, el “Liber pontificalis” menciona lo siguiente además del cáliz y la patena como se usaban en vida de Papa Silvestre: un cuenco de plata de diez libras, destinado a la recepción del crisma en los bautismos y confirmaciones, un vaso bautismal de plata de veinte libras, un cordero de oro de treinta libras, colocado en el baptisterio junto al Letrán, siete ciervos de plata que lanzaban agua, cada uno de los cuales pesaba ochenta libras, y sobre todo numerosos recipientes para vino, por ejemplo, en el Vaticano basílica dos ejemplares del oro más puro, cada uno de un peso de cincuenta libras. También es importante para nosotros la afirmación de que junto al cordero de oro que acabamos de mencionar había estatuas de plata, de cinco pies de altura, del Redentor y de San Juan, que pesaban 180 y 125 libras respectivamente. Además, hay que mencionar los cofres, cruces, relicarios y cubiertas de libros de metal, que también estaban hechos total o parcialmente de metales preciosos. Con esta enumeración el número de utensilios metálicos empleados en Cristianas la antigüedad no está en modo alguno completa. El centro de Cristianas la adoración es el sacrificio y el altar; Por esta razón, desde el principio se fabricó con material valioso o al menos se cubrió con él. Además se utilizaron placas de metal para adornar el Confesión (qv) y los alrededores inmediatos del altar. Se gastó una gran riqueza de metales preciosos en la superestructura del altar, o copón, que estaba decorado con estatuas de metal, cálices y coronas votivas. Cuando León III hizo restaurar el copón, obsequio del emperador Constantino, empleó para ello 2,704 libras de plata. También se utilizó una gran cantidad de metal para el iconostasio, una pantalla que conectaba de dos a seis columnas; así León III hizo recuperar el iconostasio de la iglesia de San Pablo con un gasto de 1452 libras de plata.

Para la iluminación de la basílica también se requiere una gran cantidad de trabajos en metal. Sólo Constantino presentó a la iglesia de Letrán 174 artículos separados de la mayor variedad destinados a este propósito. Basta aquí con mencionar simplemente los candelabros o lustres (coronce), los candelabros y las lámparas; estaban hechos de bronce, plata u oro. La iglesia de Letrán recibió entre los demás un candelabro con cincuenta lámparas de oro purísimo, que pesaba 120 libras, y un candelabro del mismo material, con ochenta lámparas. Incluso los recipientes para almacenar el aceite a veces estaban hechos de metales preciosos. La basílica de Letrán era propietaria de tres vasijas de plata de este tipo, que pesaban 900 libras. Sin embargo, prácticamente nada de todos estos tesoros ha llegado hasta nosotros; sólo se han encontrado unas pocas pequeñas arañas de bronce, que datan de los siglos V al VIII, la mayoría de ellas en Egipto. Queda un artículo más de metal que fue muy utilizado al servicio de la Iglesia desde los primeros siglos, el incensario. Según el “Liber pontificalis”, el baptisterio de San Juan de Letrán tenía un incensario de oro que pesaba quince libras y estaba adornado con piedras preciosas verdes. Si tomamos en cuenta entonces todos estos artículos, se deduce naturalmente que el uso de artículos de metal al servicio de la Iglesia había alcanzado proporciones extraordinarias en Cristianas antigüedad.

Más difícil que la enumeración de las obras en metal es la descripción de su decoración y de los procesos técnicos empleados en su fabricación, porque sobre este punto nuestras fuentes literarias guardan casi silencio, mientras que sobre las antiguas Cristianas obras que podrían iluminarnos, pero se conservan muy pocas. Por lo tanto, también en este caso debemos limitarnos particularmente a las declaraciones del “Liber pontificalis”. Aquí encontramos numerosas referencias a imágenes (imaginar) de Cristo, el Bendito Virgen, los Ángeles y Apóstoles; en la mayoría de los casos es imposible determinar si las obras fueron talladas o fundidas, lo cierto es que se emplearon ambos métodos. Las estatuas de Cristo y el Apóstoles Sin duda, en el copón regalado por Constantino a la iglesia de Letrán fueron talladas. En algunos casos, el núcleo de la estatua era de madera revestida o cubierta con plata u oro. Las imágenes pintadas también estaban decoradas en ocasiones con relieves de plata u oro. Gregorio III, por ejemplo, empleó cinco libras de oro puro y piedras preciosas en la decoración de una estatua de la Virgen en S. Maria Maggiore. En particular, las piedras preciosas eran una forma favorita de decoración para los artículos de metal; En ocasiones, las estatuas de oro estaban completamente cubiertas con ellos. Cuando Sixto I proporcionó la confesión del Vaticano basílica con muebles más costosos, valentiniano presentó una tablilla en relieve con las imágenes de Cristo y el Apóstoles, que estaba tachonado de piedras preciosas. También el baptisterio, junto a la iglesia de Letrán, poseía un incensario adornado con piedras preciosas. Las obras de bronce solían tener incrustaciones de adornos de plata. Así las capillas de San Juan recibieron puertas con ornamentaciones de plata. Probablemente esto fue una especie de niel (cf. Rosenberg, “Niello”, Frankfort, 1908). Para obtener efectos de color esmalte y verroterie cloison-née también fueron empleados; De estos se dará una explicación más detallada más adelante. Llamaremos aquí sólo la atención sobre el ejemplar más conocido que se ha conservado, el pentáptico del tesoro de la catedral de Milán; la división central de este está ornamentada por este proceso con el cordero pascual y la cruz.

Finalmente, en cuanto a los talleres de los que procede el Iglesia Derivó su trabajo en metal, no puede haber duda de que existieron en todas las ciudades más grandes de los países civilizados de la antigüedad. cristiandad; pero las ciudades del Imperio Romano de Oriente, y especialmente Bizancio, parecen haber sido preeminentes. Incluso hoy en día existe una tendencia a considerar casi todas las obras más importantes que se han conservado como productos del arte oriental. De hecho, un gran número de obras en metal fueron traídas desde Oriente a los países occidentales. Mencionamos aquí sólo una cruz relicario en San Pedro en Roma, un regalo del emperador bizantino Justino II [cf. Beissel, “Verwendung edler Metalle zum Schmucke romischer Kirchen vom 5-9. Jahrh”. en “Zeitschrift fur christl. Kunst”, Dusseldorf, IX (1896), 331 sq.l.

II. EDAD MEDIA.—A.—Comenzamos la Edad Media con la orfebrería bizantina, para eliminar desde el principio la impresión de que el término bizantino se utiliza para expresar un período de tiempo definido; se utiliza más bien para denotar un círculo geográfico definido de arte y cultura, es decir, Bizancio con sus alrededores inmediatos y más distantes. Hubo dos factores que ejercieron una poderosa influencia en la obra bizantina: primero, la extravagancia casi ilimitada que prevaleció en la corte imperial y que, como resultado de las íntimas relaciones existentes entre Estado e Iglesia, se hizo sentir también en este último; en segundo lugar, el estrecho contacto con el arte de las provincias del interior, particularmente con el arte persa. La influencia persa o, para usar un término más general, oriental, dio lugar a una búsqueda extravagante de efectos de color en el arte de la metalurgia, acompañada de una supresión del objeto principal, es decir, la producción de obras plásticas. Para comprender este último cambio, debemos explicar brevemente algunos términos técnicos.

Para dar forma artística a la masa informe de metal, los procesos empleados son la fundición y el martillado o el cincelado. En el primer proceso, el metal se lleva al estado líquido y se vierte en una forma hueca, que previamente se ha preparado presionando un modelo sólido hasta obtener una masa flexible. Aunque la fundición debe considerarse como el modo original de tratar los metales, en lo que respecta a dar forma artística al oro y la plata, el martillado tenía mayor importancia. Con ayuda de martillos se ahueca la chapa de metal y se le da así forma plástica. Muy estrechamente relacionado con el martillado está el arte del grabado; éste consiste en dirigir el golpe del martillo no directamente sobre el metal sino transmitirlo por medio de pequeños cinceles de acero. Son estos dos últimos procesos los que tenemos principalmente en mente cuando hablamos del arte del orfebre. A través de ellos el antiguo arte de Occidente produjo sus más bellas obras en metal. Una situación diferente existía en Oriente, y particularmente en la cuna del arte mesopotámico-persa y sirio, donde, por así decirlo, la mano tenía menos formación plástica que el ojo y un don para el color. El oro reluciente recibió aquí una decoración adicional mediante esmaltes de colores. Esta preferencia por la representación coloreada en lugar de la plástica se transmitió también a Bizancio. Pero siempre será mérito del arte orfebre bizantino el haber producido magníficas obras en metal al servicio del Iglesia. El proceso empleado en Oriente y Bizancio se conoce como esmalte cloisonné (cloisonné de correo electrónico); Consiste en soldar tiras muy finas de oro sobre la placa base de oro para formar células en las que se presiona y se funde la pasta de esmalte coloreada, combinándose el esmalte con el metal durante la fusión.

En Bizancio, el esmalte cloisonné obligó al arte de martillar y cincelar a una posición muy subordinada; El esmalte se utilizaba para decorar artículos seculares, como cuencos y espadas, pero especialmente la orfebrería de la Iglesia. La ornamentación consistía en parte en diseños decorativos y en parte en representaciones figurativas. Entre las obras que han llegado hasta nosotros hay muchas de pureza similar a la de una miniatura, que a pesar de su pequeño tamaño son verdaderamente monumentales en su concepción. De las obras más importantes sólo se ha conservado un número muy pequeño; la más famosa es el frente dorado del altar (Pala d'oro) de San Marcos en Venice. Las piezas restantes son en su mayor parte cajas de reliquias que colgaban del cuello o se colocaban sobre el altar (ejemplos en Velletri y Cosenza), cruces y cubiertas de libros (un magnífico ejemplar en la sala de joyas real de Munich). De la época en la que este arte alcanzó su máxima perfección, los siglos X y XI, tenemos los llamados estauroteca (una tablilla relicario) en la catedral de Limburgo en el Lahn, el relicario de Nicéforo Focas (963-969) en el convento de Lavra (Athos) y la banda inferior de la llamada corona de San Esteban en la corona -tesoros en Budapest (1076-77). El terrible saqueo de la capital por los cruzados occidentales en 1204 asestó el golpe mortal a este floreciente arte.

Aunque los ejemplos de orfebrería bizantina decorada con esmalte son con diferencia los más numerosos, no faltan ejemplares de trabajo martillado. En primer lugar podemos mencionar dos vitrinas arquitectónicas que tienen forma de a. estructura central coronada por una cúpula (en Aquisgrán y Venice). Las tablillas relicario con relieves tallados tienen forma de pequeño altar plegable o de cruz, que a menudo lleva en el anverso los retratos del emperador Constantino y su madre, y en el reverso, la crucifixión. Un tipo distinto del arte de la orfebrería griega son los iconos; uno de los más valiosos se encuentra en la colección Swenigorodskoi (San Petersburgo). En la catedral de Halberstadt (siglo XI) se encuentra un raro ejemplar con excelente cincelado, una píxide de plata dorada con la crucifixión de Cristo. En la actualidad, sólo en un lugar de Occidente es posible hacerse una idea de la magnificencia y el coste de la orfebrería bizantina: en los tesoros y la biblioteca de San Marcos en Venice, que todavía posee una parte del botín del año 1204 (cf. Kondakoff, “Gesch. and Denkmaler des byzant. Emails”, Francfort del Main, 1892).

B.—Aunque la fabricación de orfebrería artística para el Iglesia no estuvo acompañado de dificultades en los países de civilización más antigua, las condiciones fueron mucho más desfavorables entre las naciones bárbaras que abrazaron Cristianismo. Sin embargo sabemos que entre ellos los artículos de metal eran muy utilizados al servicio de la Iglesia. Gregorio de Tours habla en un lugar de sesenta cálices, quince patenas, veinte encolpia de oro puro, que el rey Childeberto tomó como botín en el año 531 en una campaña contra los Visigodos (Hist. Francorum, III, x). Cuando San Patricio llegó a Irlanda, tenía en su séquito, entre otros, a tres trabajadores del metal: Mac Cecht, Laebhan y Fortchern. Todavía existen cincuenta y tres pequeñas campanas, tubulares y en forma de caja, que pertenecen a este arte irlandés de trabajar el metal; entre el Franks, San Eligio de Noyon (588-659), orfebre, fue incluso consagrado obispo.

Aquí surge la interesante pregunta de cómo estos “bárbaros” lograron producir obras artísticas en metal. Sólo las obras conservadas pueden responder a esta pregunta. Es cierto que los hay, pero pocos; los más importantes a considerar aquí son un cáliz y una patena, que se encontraron cerca de Gourdon (Borgoña) y ahora se conservan en la Biblioteca Nacional de París, un estuche de reliquias, también borgoñón, en St. Mauricio (Suiza), las famosas coronas votivas de los reyes visigodos de Guarrazar, especialmente las de Reccevinth y Svintila (631), una portada del Evangelio de la reina Teodolinda en Monza, un relicario en forma de bolso de Hereford (ahora en Berlín), una portada del Evangelio de Lindau (ahora en la colección de J. Pierpont Morgan) y el cáliz de Tassilo en Kremsmünster (Austria); También se pueden asignar a este período, debido a su estilo, la cruz de San Cuthbert en la catedral de Durham, el cáliz de Ardagh, los santuarios de varias campanas irlandesas antiguas y varios báculos y cruces en la colección de la Real Academia Irlandesa de Dublín y en el Museo Británico. Londres. Cuando consideramos que estas obras se extienden a lo largo de un período de más de cuatro siglos y son producto de varias razas, es inmediatamente evidente que sólo podemos dar una ligera idea del carácter y la decoración de la orfebrería de la época. Iglesia entre las naciones bárbaras.

El material utilizado en la fabricación de estas obras es casi exclusivamente oro, mientras que su decoración artística consiste en su mayor parte en el llamado verroterie cloisonnée, un mosaico de vidrio. El proceso empleado en esta decoración es similar al del esmalte cloisonné; El engaste de las piedras semipreciosas o gemas en pasta se realiza de dos maneras: se colocan entre finas bandas de metal como esmalte cloisonné o se colocan en aberturas que se cortan en la propia placa de oro. En ocasiones la placa de oro queda completamente cubierta por las piedras. La ornamentación cincelada, por otro lado, es más rara; se encuentra de forma tosca en el relicario de Hereford. Que el niello no era desconocido para las naciones “bárbaras” lo prueba el cáliz en Kremsmünster, regalo de Tassilo, duque de Baviera (hacia 780). En el arte irlandés la filigrana también encontró un desarrollo muy delicado; Uno de los ejemplos más valiosos, que muestra una concentración de todos los procesos con los que los maestros nativos estaban familiarizados, es el cáliz de Ardagh.

C.—El segundo período abarca la época de los emperadores carovingios y otonianos, es decir, en números redondos un período de 200 años. Si bien difícilmente puede decirse que este período añadió algo esencialmente nuevo a la orfebrería de los siglos anteriores, es cierto que dio nuevas formas y un mayor desarrollo a muchos de los artículos que ya estaban en uso. Hoy en día también encontramos con mayor frecuencia obras fundidas en bronce, mientras que en el llamado "estilo del período de las migraciones" de la época anterior ni siquiera era necesario mencionarlas. Con el aumento de la riqueza del Iglesia, surgió también la necesidad de una mayor cantidad de trabajos en metal valiosos; este era especialmente el caso en los grandes monasterios que contaban entre sus propios miembros trabajadores del metal de gran habilidad artística. La fabricación de carpintería metálica para la Iglesia De hecho, durante los siglos X y XI estuvo tan ampliamente en manos de los monjes que todo este período ha sido designado como el período del arte monástico. Mientras Francia había liderado el desarrollo durante el siglo IX, a partir del siglo X se fue quedando atrás gradualmente. Alemania. Una de las causas que contribuyó a lograr este resultado fue el vivo interés que varios de los príncipes eclesiásticos prominentes mostraron por el arte de trabajar los metales tal como se desarrolló en el siglo XIX. Iglesia; La mención más merecedora a este respecto es arzobispo Egbert de Trier y después de él los obispos Meinwerk de Paderborn y Bernward de Hildesheim. En Francia El arte de trabajar el metal floreció especialmente en Reims, pero también en Grajo negro, excursiones y Metz. En Alemania los centros del arte orfebre del Iglesia Además de Tréveris, estaban especialmente los monasterios de Ratisbona, Reichenau, Essen, Hildesheim y Helmershausen.

El rasgo característico del arte del período de las migraciones, la verroterie cloisonne, desaparece gradualmente y cede precedencia al esmalte cloisonne bizantino que floreció especialmente en Tréveris y Reichenau. De mayor importancia fue el resurgimiento de la tendencia plástica en el trabajo de los metales. Del período que nos ocupa tenemos, incluso hoy en día, varias decoraciones de altares y cubiertas de libros con representaciones figurativas, que revelan una habilidad verdaderamente asombrosa para martillar metales; tal es el valioso antipendio de Enrique II de Basilea. También se practicaba todavía el método primitivo de cubrir un núcleo de madera con finas láminas de metal. Una virgen en la colegiata de Essen (Renania) y una imagen de Santa Fides (Foy) en Conques, Francia, son los dos ejemplos más conocidos de este arte. En Italia La obra más importante de este período es la decoración del altar mayor de la iglesia de San Ambrosio en Milán, obra de Wolvinus, ejecutada bajo arzobispo Angelberto II (824-66). Ejemplos destacados del trabajo en metal francés son el altar portátil, con forma de copón, y la encuadernación de una copia de los Evangelios en la sala de joyas real de Munich, que probablemente fueron hechos en Reims y llevados a Alemania ya en el reinado del rey Arnulfo (m. 899). Alemania Posee, como prueba de un arte más avanzado del trabajo del metal, cuatro cruces en la colegiata de Essen, que revelan la poderosa influencia del arte bizantino. Estrechamente relacionadas con Essen están la escuela del monasterio de Helmershausen, donde el monje Rogerus escribió el primer manual de artes industriales, "Schedula diversarum artium", y la escuela de Hildesheim, que a través de la actividad de Obispa Bernward se convirtió en el centro del arte metalúrgico en el norte. Alemania; las puertas plegables de la catedral con toscos relieves, una columna, que sigue el modelo Trajanoes Columna in Roma, y dos velas pertenecen a este período. En Francia apenas se ha conservado una sola obra de algún tamaño; en Italia varias puertas de bronce, por ejemplo, las de la basílica de San Pablo en Roma (1070) y Monte Gargano (1070), son dignos de mención porque fueron adquiridos en Bizancio y muestran la influencia del arte bizantino.

D.—La edad de oro de la orfebrería del Iglesia Es el periodo románico (1050-1250). Es cierto que ya hemos mencionado anteriormente varias obras pertenecientes a esta época, porque los diversos estilos de arte a menudo se superponen y las distinciones tajantes sólo pueden establecerse por la fuerza. La característica que distingue a la vez las orfebrerías del período románico de las obras más antiguas es su gran tamaño; esta distinción es más notable en los relicarios. Porque, si bien los recipientes para las reliquias habían sido hasta entonces uniformemente de pequeñas dimensiones, en el período románico se convirtieron en grandes santuarios, para cuyo transporte eran necesarios tres o cuatro hombres. También se añadieron a ellos varias nuevas variedades de trabajos en metal. los antiguos, especialmente el aguamanil, es decir, un recipiente en forma de animal, utilizado para lavarse las manos, y las estructuras metálicas colocadas sobre el altar; otros artículos asumieron nuevas formas. Estos cambios se deben en parte a la evolución de la liturgia. Casi hasta finales del siglo X, por ejemplo, no se permitía sobre el altar ni cruz ni candelabro, sólo se toleraban pequeños cofres relicarios; el altar mismo hasta ese momento había conservado la forma de una mesa o sarcófago. Tan pronto como se rompieron estas regulaciones y el candelero, la cruz y el superfrontal encontraron un lugar en el altar, este cambio necesariamente ejerció una fuerte influencia sobre la fabricación y decoración de los artículos mencionados.

El material empleado en la fabricación de la carpintería metálica del Iglesia También experimentó un cambio, ya que el cobre reemplazó al oro. Además, el esmalte cloisonn fue suplantado por el champlevé. El esmalte champleve se diferencia del cloisonné en que las pequeñas celdas destinadas a recibir el esmalte no se fabrican a la manera bizantina mediante tiras de alambre de oro plano soldadas a la placa de oro, sino que se extraen de la placa con un buril. Una peculiaridad de los talleres de Limoges (Francia) era la colocación de cabezas de personas o incluso de figuras enteras en alto relieve. El diseño de las figuras estaba relleno en su mayor parte con esmalte de colores. Una segunda diferencia consiste en la aparición más frecuente de ornamentaciones plásticas en plata. Por supuesto, como ya hemos visto, las decoraciones plásticas no faltaron en los períodos anteriores, pero el período románico dio un gran impulso a esta rama del arte del metal y puede mostrar muchas producciones extraordinarias, por ejemplo en el santuario de la tres reyes magos en Colonia. Por último, una tercera diferencia se manifiesta en la ornamentación, ya que hoy en día se utilizan cada vez más tipos de decoración seculares en artículos destinados a la Iglesia. En un relicario en Siegburg (cerca de Colonia), por ejemplo, están representados simios, ciervos, perros y hombres desnudos; Los famosos seres fabulosos del arte románico también se ganan un lugar en el arte del trabajo del metal.

La evolución del estilo puede caracterizarse brevemente de la siguiente manera: el arte monástico del período anterior con sus tendencias bizantinas es sometido, pero no completamente suplantado, por la tendencia popular; los dos más bien entran en una estrecha unión que designamos como

Arte románico. Todavía existen en gran número monumentos del arte románico en metales; pero se trata casi exclusivamente de obras de origen eclesiástico. Esto se debe no sólo al hecho de que las iglesias, a las que con razón se ha llamado los museos más antiguos, hayan guardado sus tesoros con más cuidado que sus propietarios mundanos; más bien debe atribuirse al hecho de que en aquella época el trabajo en metal con fines seculares era un factor prácticamente insignificante. Sin embargo, no debemos deducir de esto que en el período románico, como en el anterior, fueran los monjes y los clérigos los principales fabricantes de orfebrería para el siglo XIX. Iglesia. Durante este período el arte de trabajar los metales, así como las artes plásticas en general, pasaron paulatinamente a manos de los laicos. Es cierto que varios monasterios benedictinos todavía se aferraban a las antiguas tradiciones de la orden y seguían siendo centros de actividades artísticas.

Con diferencia, la mayor cantidad de orfebrería eclesiástica del período románico se encuentra en Alemania, donde el arte del trabajo del metal creó magníficas obras en los distritos que bordean el Rin y el Mosa. En el Rin, los monjes benedictinos Eilbert (1130) y Friedericus (1180) del monasterio benedictino de San Pantaleón produjeron varios relicarios y altares portátiles, que decoraron en su mayor parte con esmalte. Fueron superados con creces por los laicos Godefroi de Claire y Nicolás de Verdún, quienes combinaron la ornamentación plástica y el esmaltado con asombrosa perfección. Son los creadores de los dos relicarios más bellos de todo este período; Godefroi construyó el santuario de St. Heribert en Deutz (1185), y Nicolás el santuario de los Tres Reyes en Colonia. En Francia Asimismo, se cultivó con celo el arte del esmaltado, especialmente en Limoges, donde se fabricaban en grandes cantidades pequeños artículos de metal para uso eclesiástico y se exportaban a todas direcciones.

El arte de la fundición también puede mostrar varios nombres famosos como Reiner de Huy, que fundió la conocida pila bautismal de Lieja, y Riquinus de Magdeburg en cuyo taller probablemente se fabricó la puerta de la catedral de Novgorod (1150). Todas estas obras son superadas por la hermosa pila bautismal de Hildesheim, obra de un maestro desconocido. Italia No tiene casi nada que mostrar de este período, excepto a. unas puertas de bronce, que nos iluminan sobre la posición de la fundición en bronce; tales son las puertas de Barifano de Trani en Ravello (1179) y Monreale (1189) y de Bonano en Pisa (1180). (Cf. Falke y Frauberger, “Deutsche Schmelzarbeiten”, Frankfort, 1904; Neumann, “Der Reliquienschatz des Hauses Braunschweig-Luneburg”, Viena, 1891.)

E.—La época gótica (1250-1500) trajo numerosos cambios y nuevas exigencias, también en las vasijas metálicas de las iglesias. En este período se introdujo por primera vez la fiesta del Corpus Christi (1312), y por ello se hizo necesaria una nueva vasija de metal, la custodia u ostensorio. Para ello se empleó una vasija como las que hasta entonces habían sido de uso general para exhibir reliquias. Otro recipiente que se empezó a utilizar en esta época y en cuya fabricación se puso gran énfasis es el “pax”, u “osculatorium” instrumentum (pactos). La creciente veneración de los santos y las reliquias exigió un aumento de los relicarios. Uno de los resultados de esto fue que ya no se fabricaban tan grandes y costosas como en la época románica. A esto se unía la búsqueda constante de nuevas formas de relicarios, entre los que se hicieron muy populares en particular los bustos. Los altares del gótico temprano con dobles pliegues o alas se convirtieron en realidad en pequeñas galerías de bustos de santos. El número de estatuas fundidas de los santos y de los Bendito La Virgen también aumenta muy considerablemente a partir del siglo XIV. El material así como la técnica y decoración de las obras del orfebre vuelven a experimentar un cambio. El cobre, que había sido casi una necesidad para los voluminosos relicarios románicos, ahora da paso a la plata; esto se emplea especialmente para las figuras en relieve que entonces eran muy utilizadas y que servían con más frecuencia que en el período románico como estatuillas para la decoración de santuarios.

Muy íntimamente relacionado con este cambio de material hubo una alternancia en el modo de ornamentación. El esmalte Champleve había perdido su poder de atracción y, de hecho, no podía utilizarse muy bien sobre las finas láminas de plata; por tanto, el esmalte translúcido ocupó su lugar; esto se aplicó cortando la representación en relieve en el fondo de plata y vertiendo un esmalte transparente sobre el relieve, de modo que las diferentes partes según sean superiores o inferiores produzcan el efecto de luces y sombras en sus diversas gradaciones. Siena Durante mucho tiempo se ha considerado como el punto de partida de este nuevo modo de ornamentación, porque un cáliz en Asís realizado por el sienés Guccio Manaja alrededor de 1290 es el ejemplo más antiguo de este proceso. De Italia se propagó temprano a Alemania, donde floreció especialmente en el Alto Rin, y a Francia. Las características de la orfebrería religiosa de esta época que más que ninguna otra la distinguen de las producciones anteriores son la superestructura y la construcción; Prevalece la misma diferencia que entre una iglesia románica y una gótica. El pesado estilo románico es reemplazado por una agradable ligereza y movilidad de formas. Sin embargo, en el arte de trabajar el metal, como en otras artes, debemos distinguir cuidadosamente dentro de este período entre la obra del gótico temprano y el gótico tardío. Sólo las primeras obras góticas pueden describirse como poseedoras, por así decirlo, de un carácter aristocrático, de un cierto ideal que aspiraba a lo sublime; Sin embargo, como el más hermoso período de la caballería, este esfuerzo dura poco tiempo; pronto da paso a la realidad hogareña y real. La orfebrería del gótico tardío carece del idealismo del gótico temprano. Esto también está relacionado con el desarrollo cultural. El pueblo, que había crecido en poder, se enorgullecía, como antes lo había hecho la nobleza, de asegurarse un recuerdo duradero mediante fundaciones religiosas y obsequios a las iglesias. Sin embargo, para dedicar obras magníficas y artísticamente ejecutadas, sus medios eran en muchos casos insuficientes, dando lugar a numerosas obras en metal de mala factura, especialmente cálices, custodias y relicarios. En lo que respecta a la ligereza de la estructura, esta peculiaridad se reconoce mejor en el relicario y también en la custodia. Muy frecuentemente, desde el siglo XIV, la forma elegida es la de dos ángeles arrodillados sobre una placa base y sosteniendo el relicario, a veces sosteniéndolo en posición horizontal como un ataúd, a veces verticalmente como una torre. En Alemania Hay dos excelentes ejemplos de esta posición invertida, dos relicarios en los tesoros de la catedral de Aquisgrán, que se construyen en forma de capillas con torres llenas de calados, y están sostenidas por santos. relicarios en general asumieron la forma de iglesias en miniatura; molduras a dos aguas, pináculos, remates, crockets, arcos rampantes y contrafuertes, en resumen, todo el andamiaje arquitectónico de la catedral gótica temprana se encuentra en los santuarios, de los cuales el más importante es el relicario de Santa Gertrudis en Nivelles, obra de Nicolás en Douai y Jacquemon de Nivelles (1295). Lo mismo ocurre con el resto de obras en metal.

Los ornamentos arquitectónicos se impusieron también a artículos en los que no los esperaríamos; así, el pomo (nodus) del cáliz a menudo se convertía en una pequeña capilla con muchas esquinas y bordes afilados, lo que hacía más difícil el manejo del cáliz. Asimismo, las populares figuras plásticas se colocaban sobre artículos de uso que requerían una formación pesada, como cubiertas de libros. Una hermosa cubierta plateada del convento benedictino de San Blas en la Selva Negra está tachonada de numerosas figuras de santos; se encuentran incluso en los objetos de uso más pequeños, como en el broche de una capa en la catedral de Aquisgrán. La fabricación de las obras religiosas va pasando cada vez más de las manos de los monjes y clérigos, que ahora sólo aportan las ideas, y pasa gradualmente a manos de los orfebres seglares. Por supuesto, con esta afirmación no queremos dar a entender que no hubiera artistas individuales todavía activos en los conventos, ya que esto sigue siendo cierto hasta el día de hoy, pero para el desarrollo de todo un período no tienen importancia.

Entre las pocas obras de Francia, que se conservan, alcanzó gran fama el llamado “caballo dorado de Altotting”; Se trata de un adorno mitad mundano y mitad religioso que representa la veneración de la Virgen por el rey Carlos VI, cuyo caballo en la parte inferior del cuadro está sostenido por un escudero (1404). En Alemania no podemos encontrar evidencia de escuelas de arte tan exactamente definidas como en la época románica; las obras que aún existen son sumamente numerosas, especialmente bustos de santos y cálices. A diferencia de las épocas anteriores Italia ahora tomó una clara ventaja en la ejecución de trabajos artísticos en metal para el Iglesia; las obras italianas son compactas, favorecen una subestructura fuerte, que permite la aplicación del esmalte translúcido favorito; También es evidente una tendencia a la ornamentación excesiva, por lo que las formas fijas quedan casi asfixiadas. Entre las escuelas de Italia Siena fue al principio preeminente; de esta ciudad fue llamado el orfebre Boninsegna para Venice en 1345 para reparar allí la Pala d'Oro de San Marcos. Los maestros sieneses también comenzaron en 1287 el altar de plata de la catedral de Pistoia, que finalmente fue terminado en 1399 por orfebres florentinos y es la obra más grande de este tipo. La obra maestra de la escuela florentina, el altar de plata del baptisterio, fue iniciada en 1366 por Leonardo di Ser Giovanna y Berto di Geri; esto tampoco se completó hasta cien años más tarde, cuando el Renacimiento ya había entrado de lleno en el arte italiano.

La fundición del bronce también siguió produciendo numerosas obras al servicio de la Iglesia. norte Alemania y Netherlands (Dinant) fueron los más activos en este campo. Aquí debemos mencionar en primer lugar las numerosas pilas bautismales de bronce, que están decoradas en su revestimiento exterior con representaciones en relieve y ornamentos arquitectónicos, luego los candelabros de siete brazos, pomos de puertas, vasos de agua (aguamanil), atriles, especialmente los hermosos atriles de águila. En Alemania se han transmitido los nombres de muchos de los maestros; en Wittenberg, Wit-kin (1342), en Elbing, Bernhuser y en Lübeck y Kiel, Hans Apengeter. Por último cabe destacar las campanas que también fueron fundidas en bronce. Mientras Alemania se distinguió por sus obras religiosas fundidas en bronce, fue superada por Francia en otra rama del arte del metalúrgico. Aquí, a principios del siglo XIII, el arte del herrero pasó por su primer período de pleno vigor. En aquel momento, gracias a los procesos técnicos altamente desarrollados, Francia Produjo trabajos en metal para las puertas de las iglesias como nunca se ha producido desde entonces. Alemania, England, y el Netherlands Sintió la influencia favorable del arte francés, que produjo sus magníficas obras en las catedrales de Rouen, Sens, Noyon y, especialmente, en la catedral de París. Aquí cada ala de las puertas plegables tiene tres bandas de hierro, que sirven también de bisagras, divididas en mil ramas y decoradas con pájaros de todo tipo y criaturas fantásticas. Además de la carpintería metálica de las puertas, el herrero proporcionó el Iglesia con candelabros artísticos, barandillas, pedestales para el Pascua de Resurrección velas, lámparas y atriles. El primer lugar en la fabricación de barandillas artísticas pertenece sin duda a Italia, donde la gran perfección alcanzada por el arte de los herreros italianos puede verse mejor en Florence (Sa Croce), Verona y Siena.

III. RENACIMIENTO.—Si bien la orfebrería religiosa de estilo gótico había aumentado en cantidad (siglo XIII) a menudo a expensas de la calidad, durante el siglo XIX se nota un decidido retroceso con respecto a la cantidad. Renacimiento. Esto es especialmente cierto en el caso de Alemania. Las angustiosas agitaciones religiosas, la deserción de muchos fieles de la antigua religión y la creciente indiferencia hacia la fe religiosa tuvieron el efecto de reducir a proporciones muy pequeñas la producción de artículos para uso eclesiástico. En ItaliaEs cierto que conocemos los nombres de numerosos artistas orfebres (hay alrededor de 1000), pero también conocemos el número de obras religiosas de los Renacimiento es muy pequeño. A la cabeza del nuevo movimiento metalúrgico para la Iglesia encontramos a los escultores más distinguidos, de hecho los principales maestros del Renacimiento preferían ejecutar sus trabajos en metal (bronce); Sólo necesitamos mencionar aquí los nombres de Ghiberti y Donatello, el primero creador de las famosas puertas de bronce del baptisterio de Florence, este último autor del altar mayor en bronce de Il Santo en Padua; Sin embargo, como estas obras pertenecen al dominio de la escultura, debemos dejarlas de lado aquí.

Los cambios de estilo siguen el curso de la evolución general del arte. Las formas verticales del estilo gótico dan paso a la tendencia horizontal, las formas se vuelven más vigorosas y compactas, las vasijas adquieren una silueta más flexible. Sin embargo, los primeros Renacimiento dejó las formas de los vasos más comunes, los cálices y las cruces, casi intactas, por cuanto la tradición de mil años los hacía parecer sagrados; tenemos numerosos cálices de la Renacimiento, cuya base muestra los floretes moriscos y góticos y en el pomo, los rotuli góticos. No hasta tarde Renacimiento eran las formas circulares y volutas generalmente empleadas. En otros aspectos la costumbre Renacimiento Los ornamentos, que no son en modo alguno el menor encanto de este estilo, se emplean indiferentemente en artículos eclesiásticos y mundanos. Putti, hermw, cariátides, guirnaldas, grotescos, hojas de acanto, además de los elementos tomados de la arquitectura, como columnas, pilares, capiteles, entablamentos, balaustres, forman una fuente inagotable de cambio constante.

Plata durante el Renacimiento ya no mantiene la posición que ganó durante el período gótico. Se han conservado varias obras religiosas destacadas en plata, pero son muy superadas tanto numérica como artísticamente por las obras en bronce; estos últimos suelen estar cubiertos de plata u oro. La ornamentación artística de la orfebrería, tanto eclesiástica como secular, consiste especialmente en representaciones en relieve delicadamente ejecutadas, que al principio aparecen con moderación en los puntos más importantes, pero luego cubren presuntuosamente toda la superficie. Al mismo tiempo se utiliza con mucha frecuencia el esmalte, a veces el ya mencionado esmalte translúcido, que cubre completamente las zonas en relieve con una superficie coloreada, a veces también el esmalte veneciano, que floreció aproximadamente entre 1500 y 1550. Se utilizaba para revestir jarras y cuencos, candelabros, candelabros y ciborios. Otra forma favorita de decoración consistía en la combinación de metales y cristales; este tipo de decoración ocurre durante la Edad Media, pero se llevó a cabo de manera más sistemática y artística en el Renacimiento. Del mismo modo, el arte del grabado de gemas se practicó nuevamente siguiendo modelos antiguos sobre camafeos y gemas. Las obras eclesiásticas del Renacimiento Por lo tanto, a menudo representan un valor enorme. Sólo necesitamos mencionar aquí el valor de algunas tiaras papales. Una tiara, que Sixto IV había hecho hacer al orfebre veneciano Bartolomeo di Tomaso, estaba valorada en 110,000 ducados. Julio II confió al joyero milanés Caradossa la realización de una tiara valorada en 200,000 ducados (casi 200,000 dólares). Apenas hay obras de importancia realmente marcada, si exceptuamos los altares antes mencionados en Florence y Pistoia, cuya finalización corresponde a este período, se han conservado del Renacimiento. Podemos mencionar nuevamente algunos relicarios en Siena, que revelan un cambio pronunciado respecto a los santuarios monumentales del románico y del gótico. Son cofres de plata con los costados calados, lo que permite ver las reliquias. El uso de cristales se ejemplifica en una hermosa paz de Monte Cassino (ahora en Berlín).

En otros lugares la influencia del Renacimiento sobre el trabajo en metal de la iglesia fue evidente desde el principio. Al principio sólo se tomaba prestado del italiano lo no esencial. Renacimiento; fue el adorno el que fue copiado; las formas fundamentales siguieron siendo góticas durante mucho tiempo. A los tipos antes mencionados los alemanes añadieron especialmente las volutas, que se combinaban preferentemente con el morisco y luego servían como patrón para la superficie; no es desconocido en Italia, pero en Alemania mantuvo un dominio casi indiscutible durante unos treinta o cuarenta años. En Alemania Durante los siglos XVI y XVII las ciudades de Augsburgo y Nuremberg ganó fama extraordinaria por la fabricación de trabajos artísticos en metal; sus productos eran muy buscados en todo el mundo. El orfebre de Augsburgo, George Seld, proporcionó en 1492 uno de los primeros Renacimiento trabaja en Alemania, un altar de plata en la Reichen Kapelle de Munich; aquí encontramos amorcillos desnudos, flores que crecen en cálices de acanto, frisos y paneles que respiran plenamente el espíritu del estilo italiano. Renacimiento. Un orfebre de Nuremberg, Melchior Bayo, en 1538, por orden del rey sigismund Yo de Polonia, hizo un altar de plata cincelada que se encuentra en la capilla de los Jagellons en la catedral de Cracovia. Aparte de éstas, no se conservan obras religiosas de importancia de esta época. Como lo prueba el “Libro de los Objetos Sagrados” de Cardenal Alberto de Maguncia, algunos prelados estaban realmente decididos a aumentar los tesoros de sus iglesias con el nuevo estilo, pero por regla general las exigencias de la época no permitían la fabricación de obras mayores en metal. En cuanto a los utensilios más pequeños, aún a mediados del siglo XVI todavía presentan formas góticas, como por ejemplo un cáliz del famoso Gebhard von Mansfeld, arzobispo of Colonia, en el “griinen Gewolbe” en Dresde (alrededor de 1560). Todas las obras de este período quedan superadas por las producciones que el orfebre Anton Eisenhoit realizó hacia el año 1590 para Theodor am Fürstenberg, Príncipe-Obispa de Paderborn; estos son un cáliz, un crucifijo, una cubierta para un libro y un recipiente para agua bendita. Los artículos están exquisitamente adornados con nobles Renacimiento Formas realizadas en persecuciones planas. Las obras más bellas del Renacimiento en el sur Alemania, relicarios, cálices, custodias, etc., se encuentran en la Reichen Kapelle de Munich. Franciadel ADN, tales como los Italia, dispone de gran cantidad de pruebas documentales de la fabricación de carpintería metálica para la Iglesia, pero las interminables guerras de Luis XIV y la Revolución los envió casi sin excepción al crisol de razas. Un cáliz en la iglesia de St-Jean du Doigt (hacia 1540), que tiene un robusto pomo transformado en capilla, y la copa y la base están cubiertos con torpes zarcillos, es la única obra que podemos nombrar aquí.

Además de las obras de orfebrería, las producciones en metales comunes no deben pasar totalmente desapercibidas. Estos procedían no pocas veces de los talleres de los orfebres. Las fundiciones más importantes estaban en Florence y Padua. No siempre es fácil distinguir entre las obras de escultura y las de las artes industriales. Sin duda, a estos últimos pertenecen un gran número de magníficas barandillas de bronce (la más bella se encuentra en la catedral de Prato, obra de Bruno di Ser Lapo Mazzei (1444), al igual que los candelabros que, por su elegancia de forma y ornamentación delicada, son muy eficaces. El ejemplar más conocido es el candelabro excesivamente ornamentado de Il Santo en Padua, la obra maestra de Riccio (1516). De bronce también se fabricaban para el servicio de la Iglesia Sanctus campanas, candelabros, vasijas para agua bendita, lámparas colgantes, de cuyos detalles no es necesario que nos preocupemos aquí. Simplemente agregamos que las obras de hierro se limitan más particularmente a las barandillas de las capillas laterales de las iglesias más grandes; Sin embargo, no tienen ningún interés desde el punto de vista de la historia del arte.

Los últimos períodos de la orfebrería eclesiástica se pueden describir de manera concisa. Como todo el arte barroco, la orfebrería del Iglesia de esta época, en comparación con la regularidad delicadamente equilibrada de la Renacimiento, muestra también cierta torpeza y desasosiego, que en el rococó evoluciona unilateralmente hasta convertirse en una irregularidad absoluta, para transformarse en el clasicismo que le siguió, en todo lo contrario, en una rigidez pedante e inflexible. Estas peculiaridades de los nuevos estilos, por supuesto, no encuentran expresión en el arte de la orfebrería en la misma medida que en las artes plásticas. Sin embargo, esta evolución no falta del todo ni siquiera en los utensilios eclesiásticos más pequeños; se puede observar claramente, por ejemplo, en el cáliz, que en el estilo barroco está sobrecargado de ornamentos amplios y toscos; en el rococó las formas se volvieron más delicadas, todas las partes asumieron líneas onduladas, gemas falsas y genuinas y pinturas de porcelana formaron la decoración; El clasicismo descartó estas baratijas y produjo cálices de formas más severas y de líneas rectas.

In Francia, que durante esta época marcó la moda en Europa, la corte y una serie de personalidades prominentes gastaron enormes sumas de dinero para proporcionar valiosos muebles para la iglesia, a veces de tal manera que el verdadero arte se perdía en espléndidas exhibiciones. En una “capilla” completamente equipada, que Cardenal Richelieu presentó a la corona en 1636, había una cruz, adornada con 2516 diamantes de diversas clases, un cáliz y una patena con 2113 diamantes, una virgen con 1253 diamantes; En total se emplearon 9000 diamantes y 224 rubíes para amueblar la capilla. La Santa Capilla en París fue obsequiado por las “Chambres de comptes” con un relicario de un metro de longitud, por el que pagaron 13,060 libras. En aquella época se producían nuevas piezas de metal en mayor cantidad en Alemania, que en este arte especialmente mantuvo su preeminencia. De hecho, es la época de los llamados Contrarreforma, que en el sur Alemania y Austria contempló la construcción de tantas iglesias magníficas. Las nuevas casas de DiosSin embargo, requirió muebles metálicos nuevos. Hasta el día de hoy, las salas del tesoro de muchas iglesias catedrales (y conventos) están llenas de cruces, candelabros y antipendia que se hacían en esa época; Sin embargo, destacan por su tamaño más que por sus cualidades artísticas; el material es mayoritariamente plateado. Pero no faltan del todo obras de arte de gran excelencia. El Abadía de St. Blasien poseía antiguamente un antipendio que representaba el paso del ejército imperial a través de la Selva Negra en el año 1678, una obra bellísima (ahora en Viena). Otros ejemplos del celo empleado en la fabricación de orfebrería son el santuario relicario de San Pedro. Engelbert in Colonia, que data de 1633, que muestra al santo postrado en la portada y estatuas de obispos en los lados, pero por lo demás sólo formas arquitectónicas; también el santuario de San Fridolino en Sackingen (Baden), caracterizado por la completa movilidad de sus líneas; y además la valiosa custodia en Klosterneuburg cerca Viena, que tiene forma de saúco (1720).

Probablemente en ningún momento se gastó tan poco dinero en mobiliario religioso como durante el período del Clasicismo; es la edad de lo estéril Racionalismo, que tuvo efectos prácticamente devastadores sobre la liturgia y la vida religiosa. Dedicar grandes sumas de dinero a la adquisición de muebles preciosos no estaba en consonancia con el espíritu de esta época. Por esta razón, no es raro que los candelabros e incluso las custodias se hicieran de hojalata o de madera, pero para preservar las apariencias, a menudo se recubrían de plata u oro. Sin embargo, no queremos dejar este período con este panorama sombrío. En el período barroco el arte del herrero alcanzó su segundo apogeo en Alemania y Francia. Bajo el martillo del herrero la masa inerte empezó a brotar y florecer. Las magníficas barandillas del coro, faroles, candelabros y candelabros demuestran hasta el día de hoy que el arte del herrero al servicio de la Iglesia En ese momento fue impulsado a los más altos esfuerzos. El resurgimiento de los estilos del Edad Media durante el siglo XIX resultó beneficioso también para la metalistería religiosa. Hoy en día se fabrican candelabros, cálices y custodias que, en costo y pureza de estilo, no son inferiores a las mejores obras de arte antiguo. Además, la tendencia hacia la creación de un nuevo estilo se nota también en el arte del trabajo del metal. Que esto se vea coronado por un éxito duradero es una cuestión que decidirá el futuro.

BEDA KLEINSCHMIDT