Lorenzetti, Pietro y Ambrogio, pintores sieneses. Se desconoce la fecha de su nacimiento y muerte. Sus obras fechadas abarcan un período de treinta años, desde 1316 hasta 1348. Pietro era el mayor. Fue discípulo de Simone di Martino, de cuyas fórmulas conservó fielmente algunas; pero estuvo profundamente influenciado por Giotto. Introdujo el dramatismo en la escuela sienesa. Desafortunadamente, no pudo controlar su maravilloso sentido de la realidad y, al final, a veces no lograba distinguir la historia de los acontecimientos cotidianos. Su primera obra conocida es la "Historia de Santa Humilitas", religiosa de Vallombrosa (m. 1310). El cuadro fechado en 1316 en la Academia de Florencia lleva la impronta de un vívido sentido de la realidad. Abunda en pequeñas, pero a menudo encantadoras, escenas de género. En sus frescos de Asís, donde continuó la " Vida de Jesús" de Giotto, este realismo pierde extrañamente intensidad. En el “Cenáculo”, por ejemplo, Pietro dedica una pieza entera al interior de una cocina donde unos muchachos lavan los platos mientras un perro los lame. Esta falta de dignidad es quizás mera familiaridad unida al buen humor. La afición por este tipo de cuadros es en parte la causa de nuestro gusto por las creaciones de la escuela holandesa; ni siquiera se puede decir que detalles de este tipo no puedan ser impresionantes, como se ve en “Las bodas de Caná ” de Veronese. Pero Pietro, como la mayoría de los artistas de la Edad Media , carece demasiado de estilo y de arte. O más bien, solo tiene un sentido intermitente de ellos. Algunas de sus piezas al menos muestran de lo que era capaz; Tal es el caso de la admirable pintura de Asís, que representa a la Virgen María a media piel entre San Juan y San Luis, y en la que el fresco alcanza la belleza del esmaltado y del arte de la orfebrería, mientras que el semblante de la Virgen, contemplando con lágrimas al Niño Jesús, expresa con gran belleza la angustia maternal, recordándonos el dakruoen gelasasa de Homero. Ante semejante lienzo, es imposible no lamentar la frivolidad de un maestro que sacrificó sus elevadas facultades plásticas y su don de expresión moral a la pintura de realidades tan triviales y emociones insignificantes.
Aunque aún más dotado que su hermano, Ambrogio también desperdició su talento, pero debido a un error diferente: su fascinación por lo alegórico y lo didáctico. Sin embargo, fue una de las mentes más delicadamente poéticas de su generación, y nadie en Florencia podía rivalizar con la belleza seria y onírica de sus rostros femeninos, como en la «Santa Dorotea» de la Academia de Siena (1326), en la que parece revivir el alma de las adorables santas de Simone di Martino. No existe en el arte del siglo XIV un lienzo más impresionante que el de la Academia de Florencia , en el que San Nicolás de Bari, a orillas de un mar bordeado de acantilados, contempla la puesta de sol (1332). Sobresalió en temas líricos, pero también intentó pintar con un estilo filosófico grandioso. Su obra más importante es la del Palazzo della Signoria de Siena , la alegoría del « Gobierno del Bien y del Mal » (1338-40). Es bien sabido el gusto de la Edad Media por estas «moralidades» y psicomaquias. Casi no hay catedral francesa en la que no encontremos representaciones esculpidas de la lucha entre el vicio y la virtud, alegorías de las virtudes, la parábola de las vírgenes prudentes e insensatas, figuras de la Iglesia y la Sinagoga . Giotto ya había pintado en Asís las alegorías de las virtudes franciscanas, y Petrarca pronto compondría sus «Triunfos del Amor , la Gloria , el Tiempo y la Eternidad ».
Durante los últimos sesenta años, la República de Siena había estado en la cima de su esplendor. Anhelaba inmortalizar la memoria de su grandeza. Desde este punto de vista, los frescos de Ambrogio revisten gran interés; este es quizás el primer ejemplo de pintura laica y de arte utilizado para representar ideas y la vida, sin ninguna concepción religiosa. Fue un curso de filosofía aristotélica y, al mismo tiempo, un himno a la ciudad. La composición se desarrolla en tres paredes, formando una especie de tríptico. El fresco central muestra, bajo una forma dogmática, el ideal de la democracia. Las Virtudes que dirigen el Estado están sentadas en una plataforma; esta es el tribunal o la asamblea legislativa. La más famosa de estas figuras es la de la Paz, que, recostada en su trono con magníficos pliegues y apoyada en sus brazos, es sin duda una imitación de una medalla o estatua antigua (tales imitaciones no eran raras en el siglo XIII: véanse las esculturas de Capua, la obra de Giovanni Pisano y algunas estatuas de Reims). Pero las demás figuras no son más que abstracciones y solo pueden identificarse con la ayuda fortuita de multitud de inscripciones, dispositivos y filacterias.
En las otras dos paredes se desarrollan de manera similar los efectos de la buena o mala higiene social. Tras la teoría, sigue la aplicación. La pared izquierda ( Gobierno Malvado ) está, lamentablemente, casi arruinada. Pero la opuesta, más inteligible, basta para transmitir una idea del método del pintor. El cuadro se divide en dos mitades, una que muestra la ciudad y la otra el campo. Y en cada una de estas partes hay multitud de episodios, una gran colección de pequeñas imágenes de costumbres, que analizan de mil maneras la condición de una sociedad feliz. La idea general se resuelve en multitud de anécdotas. Vemos bailes, banquetes, niños en la escuela, bodas, algunos campesinos llevando sus asnos al mercado mientras otros labran la tierra; a lo lejos se ve un puerto desde donde zarpan los barcos. Todas estas escenas son muy entretenidas y proporcionan mucha información sobre la vida y las costumbres sienesas en la Edad Media . Pero uno se pierde en la complejidad de esta crónica y la confusión de este diario. El resultado es una obra sumamente curiosa, aunque prácticamente desprovista de valor artístico.
En resumen, Ambrogio sigue siendo una de las mentes más interesantes de su tiempo por la variedad de sus talentos contradictorios y la dualidad idealista y realista que demostró, sin lograr, lamentablemente, armonizarlos. En conjunto, la obra de los Lorenzetti (partiendo de puntos de vista muy diferentes) consiste en un intento de conciliar el arte con la observación y la realidad cotidiana. El objetivo de Pietro es conmover, el de Ambrogio, más bien, instruir. El primero es un dramaturgo, el segundo un moralista. Ambos se inclinan por igual hacia la pintura de género. Desafortunadamente, el fresco, especialmente en su época, era el modo de expresión menos adecuado para ello. Necesitaban la miniatura, el grabado alemán o el pequeño cuadro familiar flamenco u holandés. Su talento permaneció aislado y su intento prematuro estaba condenado al fracaso. A pesar de todo, siguen siendo los pintores más realistas de su generación; y algunos pintores del siglo XV, como Sassetta o Sano di Pietro, les deben mucho en este sentido. Además, Ambrogio fue el primero en Italia en intentar la pintura filosófica y la expresión pictórica de ideas generales. Sus «Sermones» en imágenes no se han perdido. Creó una tradición a la que debemos dos de las obras más importantes del siglo XIV: los frescos anónimos de los « Anacoretas » y del «Triunfo de la Muerte» en el Campo Santo de Pisa , y los de la «Iglesia Militante y la Iglesia Docente » en la capilla española. De hecho, de estas obras se derivan las concepciones más brillantes del Renacimiento , y el honor de haber inspirado indirectamente a Rafael con la «Cámara de la Signatura» es indiscutible para Ambrogio Lorenzetti. Una gloria que los más grandes artistas bien podrían envidiarle.
LOUIS GILET