Flandrin, JEAN-HIPPOLYTE, pintor francés, n. en Lyon, el 23 de marzo de 1809; d. en Roma, 21 de marzo de 1864. Provenía de una familia de artesanos pobres y fue alumno del escultor Legendre y de Revoil. Pero en su educación hay que tener en cuenta sobre todo dos elementos. El primero es el genio lionés. Diversas causas, físicas e históricas, se han combinado para dar a la ciudad de Lyon un carácter propio. Esto tiene dos aspectos: religioso y democrático, y las clases trabajadoras siempre han sido un centro activo de idealismo. Esto se nota especialmente en sus poetas, desde Mauricio Sceve a Lamartine. Lyon también ha sido siempre el gran centro de Italia, y la provincia era un centro permanente de la cultura romana. El segundo factor en el desarrollo de Flandrin fue la influencia de Ingres, sin el cual es dudoso que Flandrin hubiera alcanzado fama. En 1829, Flandrin, con su hermano Jean-Paul (el paisajista), fue a París, donde se convirtió en alumno de Ingres, quien le concibió un afecto paternal. En París el joven experimentó las pruebas más amargas. A menudo se quedó sin fuego, a veces sin pan, pero se mantuvo sostenido por una fe tranquila pero inquebrantable, y finalmente (1832) se llevó el Gran Premio de Roma a través de “El Reconocimiento de Teseo por su Padre”. En Roma, donde, después de 1834, Ingres fue director de la Academia francesa, sus talentos se expandieron y florecieron bajo la influencia de la belleza natural, un clima templado y el noble espectáculo de las obras de arte clásico y Cristianas antigüedades. De allí envió a los salones franceses: “Dante y Virgilio” (Museo de Lyon, 1835); “Eurípides” (Museo de Lyon, 1835); "Calle. Clara curando a los ciegos” (Catedral de Nantes, 1836); "Cristo Bendición los Niños” (Museo Lisieux, 1837). La serenidad de su naturaleza, su casto sentido de la forma y la belleza, su gusto por la disposición eficaz de los detalles, su elevación moral y su profunda piedad, encontraron expresión en estos primeros esfuerzos. A su regreso a París, en 1838, estaba decidido a producir grandes obras religiosas.
En esta época surgió en toda la Escuela Francesa una poderosa reacción contra los “cuadros inútiles”, contra los lienzos convencionales expuestos desde finales del siglo XVIII (Quatremère de Quincy, “Notices historiques”, París, 1834, 311). Hubo un retorno a un arte más expresivo de la vida, menos arbitrario, más mural y decorativo. Delacroix, Chasserian y el anciano Ingres se dedicaban a pintar murales. Pero fueron sobre todo los muros de las iglesias los que ofrecieron un campo infinito a los decoradores, a Chasseriau, Víctor Mottez, Couture y Amaury Duval. Al cabo de quince o veinte años, este gran movimiento pictórico, demasiado oscuro, dejó en las paredes de los edificios públicos y de las iglesias de París tesoros pictóricos como no se habían visto desde la época de Giotto. Es posible, e incluso probable, que el primer impulso hacia este movimiento (especialmente en lo que se refiere a la pintura religiosa) se debiera a la nazareno Escuela. Ingres había conocido a Overbeck y Steinle en Roma; Es posible que Flandrin los conociera. En cualquier caso, es a estos artistas a quienes se parece sobre todo en pureza de sentimiento y profunda convicción, aunque poseía una mejor educación artística. A partir de 1840 su obra es poco más que una minuciosa recuperación de la pintura religiosa. El artista se propuso como misión Francia servir al arte más brillantemente que nunca, para la gloria de Dios y hacer de la belleza, como antaño, una fuente de instrucción y un instrumento de edificación para el gran cuerpo de los fieles. Encontró ante sí una especie de apostolado. Él fue uno de los pequeños predicadores de l'Evangile. Las producciones artísticas de mediados del siglo XIX, como en el Edad Media, se convirtió en el Biblia Pauperum.
A partir de entonces, la vida de Flandrin transcurrió casi exclusivamente en las iglesias, flotando entre el cielo y la tierra en sus escaleras y andamios. Su primer trabajo en París Estaba en la capilla de St-Jean en la iglesia de St-Severin. Luego decoró el santuario y el coro de la iglesia de St-Germain-des-Prés (1842-48). A ambos lados del santuario pintó “La entrada de Cristo en Jerusalén” y “El viaje al Calvario”, además de las figuras de los Apóstoles y los símbolos de los evangelistas. Todos ellos sobre un fondo dorado con bellos arabescos que recuerdan el mosaico de Torriti en Santa Maria Maggiore. En St. Paul, Nimes 1,1847, 49-XNUMX), pintó una hermosa guirnalda de vírgenes mártires, preludio de su obra maestra, el friso de la nave de la iglesia de St-Vincent-de-Paul en París. La última es una doble procesión, que se desarrolla simétricamente entre los dos arcos superpuestos, sin exagerar, una Cristianas Panathenrea, como la llamó Théophile Gautier. Se podría mostrar cómo el tema griego antiguo se somete, en la obra del pintor moderno, a un ritmo más flexible, menos uniforme y más complejo, cómo la procesión melódica, sin perder nada de su grandeza ni su continuidad, se fortalece. por silencios, pausas, cadencias. Pero es más importante destacar la originalidad en el retorno a las fuentes más auténticas de Cristianas iconografía. Hasta ahora, los pintores de esta clase apenas se remontaron más allá del siglo XIV o XV. Pero Flandrin se centró en los primeros siglos del siglo XIX. Iglesia, y se inspiró en los mismos padres del pensamiento religioso. En el friso de San Vicente de Paul quince siglos de Cristianas la tradición se desenrolla. En 1855, el artista realizó una nueva obra en el ábside de la iglesia de Ainay, cerca de Lyon. A su regreso emprendió su obra cumbre, la decoración de la nave de St-Germain-des-Prés. Se propuso ilustrar la vida de Cristo, no desde un punto de vista histórico, sino teológico, el punto de vista de la eternidad. Se ocupó menos de hechos que de ideas. Su tendencia al paralelismo, a la simetría, encontró su elemento en el simbolismo de la Edad Media. Se complacía en considerar, según este sistema de armonía y de relaciones, la El Antiguo Testamento como prototipo de lo Nuevo, la zarza ardiente como representación de la Anunciación y el bautismo de Cristo como prefiguración del cruce del mar Rojo.
Fue quizás la primera vez desde los frescos de Perugino y Botticelli en la Sixtina. Capilla, Que Cristianas el arte volvió a su antiguo genio. La tradición interrumpida se renovó después de tres siglos de Renacimiento. Lamentablemente, la forma, a pesar de su sostenida belleza, posee poca originalidad. Le falta personalidad. Toda la serie, aunque exhibe un alto grado de erudición y aplomo, de gracia e incluso de fuerza, carece de encanto y vida. El colorido es plano, tosco y aburrido, el diseño neutro, sin acentos y común. Es un milagro de poder espiritual que la seriedad del pensamiento, la verdad del sentimiento, más dura en el El Antiguo Testamento, y más tierno en el Cristianas, escenas, brillan a través de este estilo pedante y pobre. Algunas escenas, como “La Natividad”, que recuerda fuertemente la de Giotto en Padua, poseen un dulzor bastante humano en su reserva convencional. Otros, como “Adam y Eva Después de la caída” y “La confusión de lenguas”, están marcados por una verdadera grandeza. Este fue el último trabajo de Flandrin. Estaba preparando un “Juicio Final” para la catedral de Estrasburgo, cuando fue a Roma, donde murió.
Aparte de su obra religiosa, Flandrin es autor de encantadores retratos. Este conjunto de pinturas está lejos de poseer el agudo y poderoso sentido de la vida cuyo secreto poseía Ingres. Sin embargo, cuadros como la “Joven de rosa” y la “Joven leyendo”, del Louvre, siempre serán admirados. Nada podría ser más virginal y al mismo tiempo más profundo. Sus retratos de hombres son a veces magníficos. Así en el “Napoleón III”del Museo de Versalles, el rostro macizo y pálido de César y sus ojos atormentados por los sueños revelan la huella del destino. Un admirable “Estudio de un Hombre” en el Museo del Louvre, es bastante “ingresco” en su perfección, siendo casi igual al Edipo de ese maestro. Lo que le faltaba al alumno para que el lado artístico de su obra igualara los méritos del lado religioso y filosófico era la capacidad de pintar siempre en el estilo mostrado en este retrato.
LOUIS GILET