Giotto di Bondone, pintor florentino y fundador de la Escuela Italiana de pintura, nació muy probablemente en 1266 (no en 1276) en el pueblo de Vespignano, cerca de Florencia , en el valle del Mugello; murió en Milán el 8 de enero de 1337. Se sabe muy poco de su juventud. Vasari relata que Cimabue, paseando un día por las cercanías de Colle, vio a un joven pastor dibujando una de sus ovejas sobre una losa de pizarra lisa con una piedra puntiaguda, y que Cimabue lo llevó consigo y lo instruyó. La historia es bastante fantasiosa. No hay razón para creer que Giotto fuera pastor. Es posible que su padre fuera campesino; de ser así, gozaba de una posición económica acomodada y, sin duda, era propietario de tierras. Un documento fechado en 1320 lo denomina vir praeclarus; tal epíteto no se aplicaría a un hombre en apuros económicos. De hecho, no se sabe nada de Giotto hasta que cumplió treinta años. Esta lamentable laguna en su historia personal nos priva de un relato de gran interés que mostraría el desarrollo de su genio, y nos reduce a meras conjeturas. Sin embargo, sin menoscabar en absoluto la preeminencia de Giotto en el arte italiano, es imposible atribuirle esa importancia casi milagrosa y providencial que el nacionalismo florentino pronto elevó a la categoría de dogma en la historia del arte. Según Vasari, surgió en una época bárbara y de inmediato reveló un arte plenamente desarrollado a un mundo asombrado. Esto no es creíble. El siglo XIII, el siglo de las grandes catedrales y de la escuela francesa de escultura, cuyos numerosos discípulos se extendieron por toda la cristiandad , no puede considerarse una época bárbara. En la propia Italia se estaba produciendo un renacimiento generalizado. En Nápoles y Roma, la admirable escuela de los marmoris, de la que los Cosmati son los más ilustres, revivió gran parte de la belleza formal de la antigüedad. Los mosaicistas, con Jacopo Torriti y los artistas que crearon las maravillas del Baptisterio de Florencia , así como los pintores, con Pietro Cavallini, cuyos ciclos de frescos en Santa Maria in Trastevere ( Roma ) exhiben toda la amplitud formal de Giotto, son prueba fehaciente de una renovación anterior del espíritu y la fuerza artística. La "Madonna Rucellai" de Duccio data de 1285. Veinte años antes, quizás el mismo año del nacimiento de Giotto, Nicole Pisano había completado el púlpito del Baptisterio de Pisa . El de Siena le siguió en 1272. La hermosa fuente de Perugia data de 1278. Luego vinieron las obras de Giovanni Pisano, cuyo genio sensible se asemeja en más de un sentido al de Giotto. En medio de este rico y maravilloso desarrollo del arte, el joven maestro creció. Aunque no fue su creador, sin duda alcanzó en él su máxima expresión.
Como artista, Giotto es un verdadero hijo de San Francisco. Su obra se encuentra por primera vez en Asís, en esa misma basílica que fue cuna de la pintura italiana y que aún conserva los testimonios más perfectos de sus inicios. Allí se podía ver trabajando a todos los maestros destacados de la península. Giunta de Pisa decoraba la iglesia inferior, mientras que Cavallini o alguno de sus discípulos pintaba escenas del Antiguo Testamento en la iglesia superior. Cimabue, al mismo tiempo, ornamentaba el coro y el transepto. Sin duda, fue en la comitiva de Cimabue que Giotto llegó a Asís en 1294 y donde conoció las obras de los marmoleros, cuyo estilo influyó tanto en el suyo. En 1296, Cimabue partió hacia Roma , donde Giovanni da Muro, general de los franciscanos (1296-1304), encargó a Giotto la ejecución de la maravillosa historia de San Francisco, que el pintor plasmó en las famosas veintiocho escenas de la iglesia superior. Esta obra es, a la vez, la fuente de la gloria de Giotto y el primer ejemplo de la escuela italiana. En estas escenas, Giotto siguió la biografía de San Francisco escrita por San Buenaventura, aprobada oficialmente por el cabildo de 1263 como el único texto oficial. Los primeros veintiún frescos son obra íntegra de Giotto; los siete restantes fueron terminados a partir de sus diseños por sus discípulos. Todos han sufrido considerablemente a causa de la humedad y las restauraciones. Sin embargo, son monumentos artísticos incomparables y, en muchos sentidos, los más importantes para la historia de la pintura moderna. La profunda impresión que causó San Francisco, la cercanía histórica de su personalidad verdaderamente evangélica y su semejanza con Jesucristo , confirmada por el milagro de los estigmas, influyeron desde entonces en el arte de forma incalculable. Por primera vez en siglos, los pintores, hasta entonces limitados a la repetición de temas consagrados y a la reproducción invariable de patrones hieráticos, tuvieron la libertad de improvisar y crear. La pintura dejó de ser un eco de la tradición para elevarse de inmediato a la dignidad de la invención. En la representación de la maravillosa vida de San Francisco, imagen viva de Jesucristo en su época , se captaron y apropiaron los acontecimientos actuales y la vida cotidiana del período. El arte dejó de trabajar con modelos convencionales, abstractos e ideales; sus modelos serían las realidades de la naturaleza, capaces de apreciar incluso la inteligencia más humilde. La representación de la vida real se convertiría en el objeto de toda pintura. A partir de entonces, debía existir siempre una semejanza entre la pintura y el objeto pintado. El verdadero retrato de San Francisco debía ser presentado al público, que debía contemplar sus acciones y el lugar donde vivió, y comprender todas las particularidades locales de la topografía, la gente, la vestimenta y la arquitectura. Este principio de actualidad y realidad fue la base de la revolución artística iniciada por Giotto. Desde los tiempos de las catacumbas, nada tan importante había ocurrido en la historia de la pintura.
El germen de todo esto se encuentra en el primer retrato de San Francisco, por ejemplo, el del “Sagro Speco” en Subiaco y en los de la iglesia inferior de Asís y la iglesia de Santa Maria degli Angeli, donde la figura del santo está insertada entre dos filas de pequeños paneles que describen eventos de su vida. Ampliar estas viñetas a frescos y así contar la historia de Francisco con contornos heroicos equivalía a equiparar el poder de la expresión artística con la nueva inmensidad del marco pictórico; esto impulsó, en consecuencia, un fondo rebosante, por así decirlo, de la vida contemporánea. Esto es lo que Giotto se propuso hacer, y su éxito fue maravilloso. Uno se asombra de la multitud de cosas que de repente introduce en el ámbito de la pintura. Tal invasión del realismo no se vuelve a encontrar hasta el siglo XVII, cuando Rubens nos ofrece su contraparte en su vida de María de Médici. Toda Italia está ahí; Ciudades y sus alrededores, las murallas de Arezzo, el templo de Minerva y la iglesia de San Damiano en Asís, el elegante interior de la iglesia de Greccio, los paisajes de Alvernia y Subasio, escenas rurales como el sermón de San Francisco a los pájaros, interiores domésticos como en «La muerte del Señor de Celano», escenas de la vida eclesiástica, por ejemplo, reuniones capitulares y servicios corales. Todo tipo de existencia queda plasmada: monjes, campesinos, habitantes de las ciudades, burgueses, papas, obispos; cantantes callejeros, hombres bebiendo, en fiestas y funerales. Ninguna peculiaridad de lugar, condición, vestimenta o persona escapa a la mirada penetrante del pintor. Giotto plasmó en sus pinturas cada etapa de la vida, con tal autenticidad y precisión, con tanta fidelidad a la realidad, que en su obra, tras cinco siglos, el Trecento italiano aún pervive, a pesar del lamentable estado de los frescos, los defectos de su perspectiva y el arcaísmo infantil de ciertas fórmulas técnicas. Ningún pintor ha superado jamás a Giotto en su capacidad para captar detalles de la vida real y rodear lo cotidiano con un halo artístico. En ello reside también la fuerza de todos los creadores literarios de la vida, desde Dante en su «Divina Comedia» hasta Balzac en la «Comedia Humana». El genio de Giotto alcanzó mayor prominencia gracias a las obras que realizó en Roma , ciudad a la que fue llamado en 1298 por el cardenal Stefaneschi. Cabe destacar que la «Navicella», es decir, el famoso mosaico que adorna el vestíbulo de San Pedro, fue realizada en colaboración con Cavallini; además, el original desapareció hace mucho tiempo bajo sucesivas restauraciones. Una copia del siglo XIV puede verse en la Capilla Española de Florencia.
Los frescos de la vida de Cristo, que Giotto ejecutó para San Pedro, fueron destruidos en tiempos de Nicolás V, cuando se estaba remodelando el coro de la antigua San Pedro. Sus obras maestras romanas, sin embargo, fueron los tres frescos encargados por Bonifacio VIII para la logia o balcón de Letrán para conmemorar el famoso jubileo de 1300. Representaban el bautismo de Constantino, la erección de Letrán Basílica, y la proclamación del jubileo. El primero y el segundo han desaparecido, y sólo queda un fragmento del tercero, incrustado en el siglo XVIII en uno de los grandes pilares de la basílica, donde aún es visible. El Papa se encuentra entre dos acólitos, en el acto de dar su bendición. La pérdida de este fresco se compensa en parte con un boceto del siglo XVII (en el Biblioteca Ambrosiana en Milán) que restaura el conjunto de la escena original. Era una magnífica representación de un espectáculo real, un vasto panorama histórico del que el pintor debió ser testigo ocular, una inmensa galería de retratos de Letrán, que mostraba al Papa, los cardenales, el ejército y el pueblo romano; todo esto con motivo de un hecho trascendental en la historia de cristiandad. De Roma Giotto volvió a Florence, quizás en 1301, y pintó el “Juicio Final” en la capilla del Podestá. Este fresco es en cierto modo un manifiesto político, siendo una especie de agrupación idealizada de todas las clases de la sociedad florentina, algo así como el gran poema de Dante. En él se puede reconocer al propio Dante, brunetto latino, Corso Donati, Cardenal d'Acquasparta y Carlos de Valois. El "Vida of María Magdalena“, que completaba la decoración de la capilla, está ahora tan descolorida y descolorida que resulta irreconocible. En 1306, Giotto fue llamado a Padua pintar la Capella dell'Arena, construida por Enrico Scrovegni en expiación de los crímenes de su padre, el famoso usurero Reginaldo. En las paredes laterales el artista representó en treinta y seis frescos escenas de la vida de Cristo y del Bendito Virgen. Debajo de estas escenas colocó catorce pequeños cameos, alegorías de los vicios y las virtudes; En la pared del fondo, encima de la escena de la Anunciación, pintó un “Juicio Final”. Con esta obra se abre una nueva época en la carrera de Giotto. Es la primera de esas vastas series completas; o grandes poemas decorativos, concebidos por él con sistemática minuciosidad, y destinados a desarrollar plenamente una sola gran idea. Es verdaderamente un organismo vivo, a la vez pictórico y teológico, como el que se encontrará más tarde en la literatura española. Capilla, en el techo de la Sixtina Capilla, y en la Camera della Segnatura. Esta introducción de la alegoría, en una escala elevada y magnífica, es su nuevo concepto maestro. Su obra está a partir de ahora dominada por un intento de resaltar el significado moral y por la unidad de propósito. El elemento histórico, por supuesto, todavía ocupaba el lugar de honor; no había variado durante siglos, había sido el mismo desde los mosaicos de Sant' Apollinare Nuovo en Rávena y Santa María la Mayor en Roma. De hecho, Giotto continuó utilizando las concepciones anteriores, pero no pudo dejar de imbuir de su maravilloso realismo el tratamiento tradicional de estas escenas sagradas. Quizás no haya ningún tipo pictórico más llamativo que el Judas de Giotto en la escena del beso. Las circunstancias aquí obligaron al genio del artista a tomar un nuevo camino. Como su imaginación no tenía en estas escenas sagradas el juego más libre, se dedicó a la perfección del estilo artístico; en consecuencia el Padua Los frescos son una nueva fase en su realización de lo bello. En la mente de Giotto la vida aparece ahora condicionada por el arte. Esta preocupación por la presentación artística de las cosas es sorprendente en Padua De las escenas anteriores, las que representan la historia de San Pedro. Joachim y el matrimonio del Bendito Virgen, donde encontramos encantadoras pastorales pocas veces igualadas, como “Joachim entre los pastores”, el “Encuentro en el Golden Gate”. Una escena en particular, el cortejo nupcial del Bendito Virgen, se introduce simplemente para que el artista pueda desarrollar un hermoso tema plástico, un friso de muchachas con velos blancos, muy parecido a la procesión de doncellas griegas en las fiestas Panateneas. Ghiberti menciona otros cuadros realizados por Giotto para los Frailes Clasificacion "Minor" at Padua. Sin embargo, los ejemplos más perfectos de la habilidad madura del maestro son sus frescos en Asís, entre 1310 y 1320, en la iglesia inferior de la famosa basílica de San Francisco. Comenzó en el crucero derecho con la adición de dos milagros del santo a modo de apéndice o complemento al “Vida” que había pintado veinte años antes en la iglesia superior. Frente a ellos pintó nueve frescos de la Santa Infancia, réplica del Padua frescos pero superiores por su delicadeza y encanto. En su calidad de historiador, Giotto nunca superó esta obra, el más exquisito de todos sus frescos narrativos. Su obra cumbre, sin embargo, en este período fue la decoración de la viga del techo sobre el altar mayor. En él expone el “Triunfo de San Francisco”, junto con los triunfos de las virtudes que fundamentaron la orden: pobreza, castidad, obediencia. Éste es el ejemplo más antiguo de aquellos trionf, que desde el Campo Santo de Pisa a Mantegna y Tiziano son un tema favorito del arte italiano. Es además la primera obra maestra del arte monumental. La anterior “Psicomaquia” del poeta Prudencio, tantas veces tratado por escultores franceses y esbozado por el propio Giotto en las minúsculas alegorías de la Capella dell'Arena antes mencionadas, adquiere aquí un desarrollo más amplio. Parece que escuchamos, por así decirlo, una orquestación de variedad y significado incomparablemente mayores. El sentido íntimo de la vida y del pensamiento, el poder de las artes plásticas y la genialidad de los bellos símbolos; la majestuosidad del orden armonioso, la belleza de los tipos, personificaciones y personas; la maravillosa combinación de realidad y fantasía; la perfecta conservación de los colores originales, todo se combina para hacer de este conjunto magníficamente planificado una de las obras inmortales de la pintura. Parece respirar las poderosas ideas morales de la Edad Media, mientras que una de sus bellas figuras, la conocida Dama La Pobreza, sugiere desde lejos toda la poesía mística y curiosamente moderna de Botticellis “Primavera”.
Los últimos años de la vida de Giotto (1320-27) los pasó en Florencia . Su obra de este período en la iglesia de Santa Maria del Carmine y el palacio del Podestà, donde pintó una alegoría del Buen Gobierno (tema de Ambrogio Lorenzetti en Siena en 1337), se ha perdido casi por completo. De toda su obra en las capillas Bardi y Peruzzi de la iglesia franciscana de Santa Croce, solo sobreviven algunos vestigios. La capilla Bardi contiene en seis escenas una nueva vida de San Francisco, además de cuatro figuras de los grandes santos franciscanos: Santa Clara, Santa Isabel , San Luis IX, rey de Francia , y San Luis de Toulouse. (San Luis de Toulouse fue canonizado en 1317; por lo tanto, la decoración de la capilla debe ser posterior). La capilla Peruzzi contiene seis escenas de las vidas de San Pablo y San Juan Evangelista . Estos frescos fueron cubiertos con cal en el siglo XVIII, descubiertos en 1840 y han sufrido mucho durante su restauración. En esta última etapa de su arte, Giotto, ya un maestro y seguro de su propio poder, parece inclinarse hacia lo abstracto en el tratamiento de sus temas. Parece subordinarlo todo al ritmo de la composición. Un deseo casi excesivo de equilibrio y simetría confiere a estas obras tardías un aspecto de rigidez, con cierta impresión de bajorrelieves. Parecen algo frías y académicas. Y, sin embargo, revelan una belleza incomparable y figuras de auténtica perfección escultórica. En la « Resurrección de San Pablo», el grupo de los discípulos inclinados sobre el sepulcro vacío, aunque dos siglos anterior a Rafael , es casi idéntico al grupo de jóvenes geómetras en la «Escuela de Atenas» de este último.
No hay pruebas de que Giotto visitara Ferrara, Rávena ni ninguno de los otros lugares donde se le atribuyen frescos. El rey Roberto de Anjou lo convenció para que visitara Nápoles en 1330, y permaneció allí tres años, pero no dejó rastro de su influencia en la escuela local. En cuanto al supuesto viaje a Aviñón y su muerte allí, es bien sabido que se trata de una invención. Simone di Martino es el verdadero autor de los admirables frescos del palacio papal de Aviñón . En sus últimos años, Giotto, reconocido como el más importante entre los artistas italianos, fue más o menos capomaestro o maestro de obras de todas las construcciones públicas de Florencia . Se dice que ayudó a diseñar la Porta San Giovanni del Baptisterio , obra de Andrea Pisano (1330). Es seguro que dibujó los planos del Campanario en 1334. Quizás los diseños de los cincuenta y ocho bajorrelieves de Andrea sean en parte suyos, ya que recuerdan en más de un aspecto a las "Virtudes y Vicios" de Padua . Hay muy pocos paneles de Giotto propiamente dichos. Una gran "Madonna di Maestà" en la Accademia de Florencia resulta interesante al compararla con la de Duccio. Un tríptico de la " Vida de San Pedro", pintado en 1298 para el cardenal Stefaneschi, se conserva en la sacristía de los canónigos de San Pedro. Finalmente, su "San Francisco recibiendo los estigmas", en el Louvre, es un resumen juvenil de los nobles frescos de Asís.
Ningún pintor causó tanta impresión en su época como Giotto. Todo el arte del siglo XIV refleja su influencia. Ninguna escuela fue tan numerosa ni tan homogénea como la de los Giotteschi . Es cierto que Taddeo y Agnolo Gaddi, Orcagna , Spinello y otros fueron meros imitadores de su maestro. De hecho, fuera de Florencia no hay originalidad, salvo en Siena , donde trabajaron Simone di Martino y los Lorenzetti, y más tarde en Padua, en tiempos de Jacopo Avanzo y Altiechieri. El triunfo de Giotto y la meticulosa imitación que le dieron sus sucesores demostraron su plena encarnación del genio nacional. En la pintura inventó ese dolce stil nuovo , ese vulgare eloquium que Dante creó en el ámbito de la poesía. Es, sin duda, el fundador del arte de la pintura en Italia.
No era guapo, dice Petrarca, que era su amigo, al igual que Dante, cuyo retrato pintó con tanta frecuencia. Tampoco hay que imaginar que este gran pintor de San Francisco fuera un místico o un asceta. Amaba demasiado la vida para eso. Nos ha dejado en una canción, bastante mediocre como poesía, una sátira sobre la «Santa Pobreza » y los excesos de los « Fraticelli », los radicales entre los franciscanos de la época. Además, los novelistas florentinos Boccaccio y Sacchetti cuentan muchas anécdotas sobre él en las que aparece como un bon vivant, jovial, bondadoso, con sentido del humor y una excentricidad perdonable. Puede que fuera rico, ya que trabajaba con diligencia y cobraba buenos precios por su obra. Se casó con Cinta di Lapo del Pela, con quien tuvo ocho hijos. El mayor, Francesco, se registró en 1341 como miembro del gremio de pintores de Florencia.
LOUIS GILET