Giotto di Bondone, pintor florentino y fundador de la Escuela Italiana de pintura, n. muy probablemente, en 1266 (no 1276), en el pueblo de Vespignano cerca Florence, en el valle del Mugello; d. murió en Milán el 8 de enero de 1337. Se sabe muy poco de su historia temprana. Vasari relata que Cimabue, paseando un día por las cercanías de Colle, vio a un joven pastor que dibujaba una de sus ovejas en un trozo de pizarra lisa con una piedra puntiaguda, y que Cimabue se llevó al muchacho consigo y le instruyó. La historia es un poco extravagante. No hay razón para creer que Giotto fuera alguna vez pastor. Es posible que su padre fuera un campesino; de ser así, se encontraba en circunstancias fáciles y ciertamente era un propietario libre. Un documento fechado en 1320 lo denomina vir praeclarus; tal epíteto no se aplicaría a un hombre en circunstancias difíciles. De hecho, no se supo nada de Giotto hasta los treinta años. Esta desafortunada brecha en su historia personal nos priva de una historia que sería de gran interés como muestra del crecimiento de su genio, y nos reduce a meras conjeturas. Sin embargo, sin desmerecer en modo alguno la preeminencia de Giotto en el arte italiano, es imposible concederle esa importancia casi milagrosa y providencial que el nacionalismo florentino pronto elevó a una especie de dogma en la historia del arte. Según Vasari, surgió en una época bárbara e inmediatamente reveló un arte plenamente desarrollado a un mundo maravillado. Esto no es creíble. El siglo XIII, el siglo de las grandes catedrales y de la escuela francesa de talla, cuyos numerosos alumnos se encontraron en todas partes del mundo. cristiandad, no se puede llamar una época bárbara. En Italia En sí mismo se estaba produciendo un renacimiento generalizado. En Naples y en Roma La admirable escuela de los marmorarii, de la cual los Cosmati son los más ilustres, devolvió a la vida mucha belleza antigua de las formas. Los mosaicos, con Jacopo Torriti y los artistas que crearon las maravillas del Bautisterio of Florence, también los pintores, con Pietro Cavallini cuyos ciclos de frescos en Santa María en Trastevere (Roma) exhiben toda la amplitud formal de Giotto, son prueba satisfactoria de una renovación anterior del espíritu y el poder artístico. La “Madonna Rucellai” de Duccio data de 1285. Veinte años antes, quizá el mismo año del nacimiento de Giotto, Nicole Pisano había terminado el púlpito del Bautisterio of Pisa. La de Siena seguido en 1272. La hermosa fuente en Perugia data de 1278. Luego vinieron las obras de Giovanni Pisano, cuyo genio comprensivo es en más de un sentido similar al de Giotto. En medio de este rico y maravilloso desarrollo del arte, el joven maestro creció. Aunque no fue en modo alguno su creador, ciertamente alcanzó en él su máxima expresión.
Como artista, Giotto es un verdadero hijo de San Francisco. Es en Asís donde se le encuentra por primera vez, en esa misma basílica que fue la cuna de la pintura italiana y que aún conserva los registros más perfectos de su historia temprana. Allí se habría podido ver trabajando a todos los maestros destacados de la península. Giunta de Pisa estaba decorando la iglesia inferior, mientras Cavallini o uno de sus alumnos pintaba escenas de la El Antiguo Testamento en la iglesia superior. Cimabue adornaba al mismo tiempo el coro y el crucero. Fue sin duda en el tren (brigata) de Cimabue que Giotto llegó a Asís en 1294 y donde conoció las obras de los marmorarii, cuyo estilo tanto influyó en el suyo. En 1296 Cimabue partió hacia Roma, tras lo cual Giovanni da Muro, general de los franciscanos (1296-1304), confió a Giotto la ejecución de la maravillosa historia de San Francisco que el pintor realizó en las famosas veintiocho escenas de la iglesia superior. Esta es a la vez la fuente de la gloria de Giotto y el ejemplo más antiguo de la Escuela Italiana. En estas escenas, Giotto siguió la vida de San Buenaventura de San Francisco, aprobada oficialmente por el capítulo de 1263 como único texto oficial. Los primeros veintiún frescos son íntegramente de la mano de Giotto; los siete restantes fueron terminados a partir de sus diseños por el suyo. alumnos. Todos han sufrido mucho por la humedad y las restauraciones. Son, sin embargo, monumentos de arte incomparables y, en muchos sentidos, los más grandes de la historia de la pintura moderna. La intensa impresión causada por San Francisco, la cercanía histórica de su personalidad verdaderamente evangélica y su semejanza con Jesucristo confirmada por el milagro de los estigmas, influyó desde entonces en el arte en un grado incalculable. Por primera vez en siglos, los pintores, hasta entonces limitados a la repetición de temas consagrados, a una reproducción invariable de patrones hieráticos, tuvieron libertad para improvisar y crear. La pintura ya no era un eco de la tradición, sino que se elevaba inmediatamente a toda la dignidad de invención. En la descripción de la maravillosa historia de vida de San Francisco, para su propia época una imagen real de Jesucristo, se aprovecharon y se apropiaron de la actualidad y de la vida cotidiana de la época. El arte ya no funcionaba según modelos convencionales, abstractos e ideales; sus modelos debían ser las realidades de la naturaleza, que la inteligencia más humilde es capaz de apreciar. La representación de la vida real se convertiría en el objeto de toda pintura. De ahora en adelante siempre debe haber una semejanza entre el cuadro y el objeto pintado. El verdadero retrato de San Francisco tenía que ser presentado al público, que debía ver sus acciones y el lugar donde vivió, y también debía comprender todas las peculiaridades locales de topografía, gente, vestimenta y arquitectura. Este principio de actualidad y realidad subyace a la revolución artística iniciada por Giotto. Desde los tiempos de las catacumbas no había ocurrido nada tan importante en la historia de la pintura.
El germen de todo esto se encontraba en los primeros retratos de San Francisco, por ejemplo el del “Sagro Speco” en Subiaco y en los de la iglesia inferior de Asís y la iglesia de Santa Maria degli Angeli, donde la figura del santo está insertada entre dos filas de pequeños paneles que describen acontecimientos de su vida. Ampliar estas viñetas hasta convertirlas en frescos y contar así la historia de Francisco en líneas heroicas equivalía a equiparar el poder de la expresión artística y la nueva inmensidad del marco pictórico; esto generó, en consecuencia, un trasfondo rebosante, por así decirlo, de vida contemporánea. Esto fue lo que Giotto se propuso hacer y su éxito fue maravilloso. Uno se asombra ante la multitud de cosas que de repente introduce en el ámbito de la pintura. Tal invasión del realismo no se volvió a encontrar hasta el siglo XVII, cuando Rubens nos da su contraparte en su vida de María de Médicis. Todo Italia está ahí; ciudades y sus alrededores, las murallas de Arezzo, el templo de Minerva y la iglesia de San Damián en Asís, el elegante interior de la iglesia de Greccio, los paisajes de Alvernia y Subasio, escenas rurales como el sermón de San Francisco a los pájaros, escenas domésticas interiores como en la “Muerte del Señor de Celano”, escenas de la vida eclesiástica, por ejemplo reuniones capitulares y servicios corales. Todo tipo de existencia está sujeta a tributo: monjes, campesinos, gente del pueblo, burgueses, papas, obispos; cantores al borde del camino, hombres bebiendo, en fiestas y funerales. Ninguna peculiaridad de lugar, condición, vestimenta o persona escapa a la amplia mirada del pintor. Ha plasmado en sus cuadros todas las fases de la vida, y todo es tan genuino y exacto, tan fiel a la realidad, que en su obra, después de cinco siglos, el trecento italiano sigue vivo para nosotros, a pesar del deplorable estado de los frescos, los defectos de su perspectiva y el arcaísmo infantil de ciertas fórmulas técnicas. Ningún pintor ha superado jamás a Giotto en este poder de recoger detalles de la vida real y de rodear lo común con un halo artístico. Aquí también reside el poder de todos los creadores literarios de la vida, desde Dante en su “Divina Commedia” hasta Balzac en la “Comedie Humaine”. El genio de Giotto cobró mayor importancia gracias a las obras que ejecutó en Roma, donde fue llamado en 1298 por Cardenal Stefaneschi. Cabe señalar inmediatamente que la “Navicella”, es decir el famoso mosaico que adorna el vestíbulo de San Pedro, fue realizado en colaboración con Cavallini; Además, el original hace tiempo que desapareció tras sucesivas restauraciones. Se puede ver una copia del siglo XIV en español. Capilla at Florence.
Los frescos de la vida de Cristo, que Giotto ejecutó para San Pedro, fueron destruidos en tiempos de Nicolás V, cuando se estaba remodelando el coro de la antigua San Pedro. Sus obras maestras romanas, sin embargo, fueron los tres frescos encargados por Bonifacio VIII para la logia o balcón de Letrán para conmemorar el famoso jubileo de 1300. Representaban el bautismo de Constantino, la erección de Letrán Basílica, y la proclamación del jubileo. El primero y el segundo han desaparecido, y sólo queda un fragmento del tercero, incrustado en el siglo XVIII en uno de los grandes pilares de la basílica, donde aún es visible. El Papa se encuentra entre dos acólitos, en el acto de dar su bendición. La pérdida de este fresco se compensa en parte con un boceto del siglo XVII (en el Biblioteca Ambrosiana en Milán) que restaura el conjunto de la escena original. Era una magnífica representación de un espectáculo real, un vasto panorama histórico del que el pintor debió ser testigo ocular, una inmensa galería de retratos de Letrán, que mostraba al Papa, los cardenales, el ejército y el pueblo romano; todo esto con motivo de un hecho trascendental en la historia de cristiandad. De Roma Giotto volvió a Florence, quizás en 1301, y pintó el “Juicio Final” en la capilla del Podestá. Este fresco es en cierto modo un manifiesto político, siendo una especie de agrupación idealizada de todas las clases de la sociedad florentina, algo así como el gran poema de Dante. En él se puede reconocer al propio Dante, brunetto latino, Corso Donati, Cardenal d'Acquasparta y Carlos de Valois. El "Vida of María Magdalena“, que completaba la decoración de la capilla, está ahora tan descolorida y descolorida que resulta irreconocible. En 1306, Giotto fue llamado a Padua pintar la Capella dell'Arena, construida por Enrico Scrovegni en expiación de los crímenes de su padre, el famoso usurero Reginaldo. En las paredes laterales el artista representó en treinta y seis frescos escenas de la vida de Cristo y del Bendito Virgen. Debajo de estas escenas colocó catorce pequeños cameos, alegorías de los vicios y las virtudes; En la pared del fondo, encima de la escena de la Anunciación, pintó un “Juicio Final”. Con esta obra se abre una nueva época en la carrera de Giotto. Es la primera de esas vastas series completas; o grandes poemas decorativos, concebidos por él con sistemática minuciosidad, y destinados a desarrollar plenamente una sola gran idea. Es verdaderamente un organismo vivo, a la vez pictórico y teológico, como el que se encontrará más tarde en la literatura española. Capilla, en el techo de la Sixtina Capilla, y en la Camera della Segnatura. Esta introducción de la alegoría, en una escala elevada y magnífica, es su nuevo concepto maestro. Su obra está a partir de ahora dominada por un intento de resaltar el significado moral y por la unidad de propósito. El elemento histórico, por supuesto, todavía ocupaba el lugar de honor; no había variado durante siglos, había sido el mismo desde los mosaicos de Sant' Apollinare Nuovo en Rávena y Santa María la Mayor en Roma. De hecho, Giotto continuó utilizando las concepciones anteriores, pero no pudo dejar de imbuir de su maravilloso realismo el tratamiento tradicional de estas escenas sagradas. Quizás no haya ningún tipo pictórico más llamativo que el Judas de Giotto en la escena del beso. Las circunstancias aquí obligaron al genio del artista a tomar un nuevo camino. Como su imaginación no tenía en estas escenas sagradas el juego más libre, se dedicó a la perfección del estilo artístico; en consecuencia el Padua Los frescos son una nueva fase en su realización de lo bello. En la mente de Giotto la vida aparece ahora condicionada por el arte. Esta preocupación por la presentación artística de las cosas es sorprendente en Padua De las escenas anteriores, las que representan la historia de San Pedro. Joachim y el matrimonio del Bendito Virgen, donde encontramos encantadoras pastorales pocas veces igualadas, como “Joachim entre los pastores”, el “Encuentro en el Golden Gate”. Una escena en particular, el cortejo nupcial del Bendito Virgen, se introduce simplemente para que el artista pueda desarrollar un hermoso tema plástico, un friso de muchachas con velos blancos, muy parecido a la procesión de doncellas griegas en las fiestas Panateneas. Ghiberti menciona otros cuadros realizados por Giotto para los Frailes Clasificacion "Minor" at Padua. Sin embargo, los ejemplos más perfectos de la habilidad madura del maestro son sus frescos en Asís, entre 1310 y 1320, en la iglesia inferior de la famosa basílica de San Francisco. Comenzó en el crucero derecho con la adición de dos milagros del santo a modo de apéndice o complemento al “Vida” que había pintado veinte años antes en la iglesia superior. Frente a ellos pintó nueve frescos de la Santa Infancia, réplica del Padua frescos pero superiores por su delicadeza y encanto. En su calidad de historiador, Giotto nunca superó esta obra, el más exquisito de todos sus frescos narrativos. Su obra cumbre, sin embargo, en este período fue la decoración de la viga del techo sobre el altar mayor. En él expone el “Triunfo de San Francisco”, junto con los triunfos de las virtudes que fundamentaron la orden: pobreza, castidad, obediencia. Éste es el ejemplo más antiguo de aquellos trionf, que desde el Campo Santo de Pisa a Mantegna y Tiziano son un tema favorito del arte italiano. Es además la primera obra maestra del arte monumental. La anterior “Psicomaquia” del poeta Prudencio, tantas veces tratado por escultores franceses y esbozado por el propio Giotto en las minúsculas alegorías de la Capella dell'Arena antes mencionadas, adquiere aquí un desarrollo más amplio. Parece que escuchamos, por así decirlo, una orquestación de variedad y significado incomparablemente mayores. El sentido íntimo de la vida y del pensamiento, el poder de las artes plásticas y la genialidad de los bellos símbolos; la majestuosidad del orden armonioso, la belleza de los tipos, personificaciones y personas; la maravillosa combinación de realidad y fantasía; la perfecta conservación de los colores originales, todo se combina para hacer de este conjunto magníficamente planificado una de las obras inmortales de la pintura. Parece respirar las poderosas ideas morales de la Edad Media, mientras que una de sus bellas figuras, la conocida Dama La Pobreza, sugiere desde lejos toda la poesía mística y curiosamente moderna de Botticellis “Primavera”.
Los últimos años de la vida de Giotto (1320-27) los pasó en Florence. Su trabajo en este período en la iglesia de Santa María del Carmine y el palacio del Podestá, donde pintó una alegoría de Buena Gobierno (un tema de Ambrogio Lorenzetti en Siena en 1337), ha desaparecido casi por completo. De todo su trabajo en las capillas Bardi y Peruzzi de la iglesia franciscana de Santa Croce sólo quedan algunos restos. La capilla Bardi contiene en seis escenas una nueva vida de San Francisco, además de cuatro figuras de los mayores santos franciscanos: Santa Clara, Santa María. Elizabeth, San Luis IX, Rey de Franciay San Luis de Toulouse. (San Luis de Toulouse fue canonizado en 1317; por lo tanto, la decoración de la capilla debe ser de fecha posterior). La capilla Peruzzi contiene seis escenas de las vidas de San Pablo y San Juan el Evangelista. Estos frescos fueron blanqueados en el siglo XVIII, descubiertos en 1840 y sufrieron mucho durante la restauración. En esta evolución final de su arte, Giotto, ahora un maestro y seguro de sus propios poderes, parece inclinarse hacia lo abstracto en el tratamiento de sus temas. Parece subordinar todo al ritmo de la composición. Un deseo casi excesivo de equilibrio y simetría da a estas obras posteriores un aspecto de rigidez, algo así como la impresión de bajorrelieves. Parecen algo fríos y académicos. Y, sin embargo, revelan una belleza incomparable y figuras de auténtica perfección escultórica. En el "Resurrección de San Pablo”, el grupo de los Discípulos inclinados sobre el sepulcro vacío, aunque dos siglos antes que Rafael, es casi el mismo que el grupo de jóvenes geómetras de la “Escuela de Atenas” de este último.
No hay evidencia de que Giotto haya visitado alguna vez Ferrara, Rávena o cualquiera de los otros lugares donde se le atribuyen frescos. El rey Roberto de Anjou lo indujo a visitar Naples en 1330, y permaneció allí tres años, pero no dejó rastro de su influencia en la escuela local. En cuanto al pretendido viaje a Aviñón y su muerte allí, es bien sabido que es una ficción. Simone di Martino es la verdadera autora de los admirables frescos del palacio papal de Aviñón. En sus últimos años, Giotto, reconocido como el principal artista italiano, fue más o menos capomaestro o maestro de obras de todas las construcciones públicas en Florence. Se nos dice que ayudó en el diseño de la Porta San Giovanni del Bautisterio, el trabajo de Andrés Pisano (1330). Es seguro que dibujó los planos del Campanile en 1334. Quizás los diseños de los cincuenta y ocho bajorrelieves de Andrea sean en parte suyos, recordando en más de un particular las “Virtudes y Vicios” de Padua. Hay muy pocos paneles de Giotto propiamente dichos. Una gran “Madonna di Maesta” en la Academia de Florence Es interesante si lo comparamos con el de Duccio. Un tríptico del “Vida de San Pedro” pintado en 1298 para Cardenal Stefaneschi se conserva en la sacristía de los canónigos de San Pedro. Finalmente, su “St. Francisco recibiendo los estigmas”, en el Louvre, es un resumen juvenil de los nobles frescos de Asís.
Ningún pintor causó tanta impresión en su época como Giotto. Todo el arte del siglo XIV delata su influencia. Ninguna escuela fue jamás tan numerosa ni tan homogénea como la Giotteschi. Taddeo y Agnolo Gaddi, OrcañaEs cierto que Spinello y otros son imitadores bastante débiles de su maestro. En efecto, fuera de Florence no hay originalidad salvo en Siena donde trabajaron Simone di Martino y los Lorenzetti, y más tarde en Padua en tiempos de Jacopo Avanzo y Altiechieri. El triunfo de Giotto y la manera minuciosa en que lo imitaron sus sucesores demostraron cuán plenamente encarnaba el genio nacional. En pintura inventó que dolce estilo nuevo, Que eloquio vulgar que Dante creó en el ámbito de la poesía. Es verdaderamente el fundador del arte de la pintura en Italia.
No era guapo, dice Petrarca, que era su amigo, como también lo era Dante, cuyo retrato pintaba tantas veces. Tampoco debe imaginarse que este gran pintor de San Francisco fuera un místico o un asceta. Amaba demasiado la vida para eso. Nos ha dejado una canzone bastante mediocre como poesía, una sátira del “Santo La Pobreza” y los excesos del “Fraticelli“, los radicales entre los franciscanos de esa época. Además, los novelistas florentinos Boccaccio y Sacchetti cuentan muchas anécdotas de él en las que figura como una persona alegre, jovial, bondadosa, con sentido del humor y una excentricidad perdonable. Es posible que fuera rico, ya que trabajaba diligentemente y cobraba buenos precios por su trabajo. Se casó con Cinta di Lapo del Pela con quien tuvo ocho hijos. El mayor, Francesco, se registró en 1341 como miembro del gremio de pintores de Florence.
LOUIS GILET