Bellini , GIACOMO (JACOPO), padre de Gentile y Giovanni Bellini, n. alrededor de 1400; m. 1471. El interés en él surge principalmente del hecho de que fue el maestro de sus hijos, quienes fueron los principales fundadores de la escuela veneciana de pintura. Las pinturas producidas por Giacomo Bellini que aún existen son poco importantes y escasas. Sin embargo, su interesante cuaderno de bocetos demuestra su laboriosidad y poder de observación. Contiene copias de estatuas y relieves antiguos, dibujos que representan historias bíblicas y leyendas cristianas , y bocetos de la naturaleza y del natural ejecutados con animación y que muestran un sentido de la perspectiva en la composición. Fue un competidor artístico de los pintores de la familia Vivarini , provenientes de la vecina isla de Murano; Antonio y Bartolommeo Vivarini abrieron un estudio en Venecia , pero fueron superados por los Bellini. Giacomo Bellini había trabajado con Gentile da Fabriano en su ciudad natal y en Florencia . También había trabajado en otros lugares, especialmente en Padua , donde recibió la influencia de las tendencias clásicas y plásticas de Squarcione. Sus hijos, desde muy jóvenes, se convirtieron en sus ayudantes en Venecia.
Gentile Bellini (nacido hacia 1427; fallecido en 1507) fue el mayor de los hermanos. También estuvo en Padua y pintó inicialmente al estilo de Squarcione, Donatello y Mantegna; este estilo era bueno para transmitir la individualidad, pero débil en composición y algo tosco. La pintura que contiene las cuatro figuras heroicas de los santos Marcos, Teodoro, Jerónimo y Francisco, la imagen de los patriarcas rodeados de eclesiásticos y ángeles, una Virgen con los benefactores de una fundación religiosa y un busto del dux pertenecen a este período. Al principio, Gentile trabajó principalmente en colaboración con su padre y su hermano, como en Padua en la Capilla de Gattamelata. Pero tras la jubilación de su padre, la fama de Gentile pronto superó la de su hermano mayor. Pintó ocho cuadros en la Escuela de San Giovanni Evangelista de Venecia , continuando la obra de su padre «El milagro de la Santa Cruz». Tres de estos cuadros, pintados entre 1490 y 1500, se conservan en mal estado en la Academia de Venecia . Estas obras presentan las peculiaridades características de la escuela veneciana de pintura. Están repletas de figuras realistas, modeladas con precisión, cada una con su propia individualidad; las procesiones religiosas son solemnes, la arquitectura representada es de gran esplendor y la maestría se manifiesta en la perspectiva de las líneas y la atmósfera.
El «Sermón de San Marcos en Alejandría », que se conserva en Milán y que Giovanni completó tras la muerte de su hermano, iguala en valor a las obras mencionadas anteriormente. Presenta además una gran cantidad de figuras hábilmente agrupadas, un fondo arquitectónico muy elaborado, una escena suntuosa, una luz brillante y una gran riqueza cromática. Los trajes orientales añadieron una nueva gracia a la pintura. En 1479, Gentile viajó a Constantinopla por recomendación de la Signoria, a quien el sultán Mohammed II le había pedido que le enviara un retratista. Gentile pintó al sultán y a otros personajes importantes. Trajo consigo numerosos bocetos, entre ellos uno del sultán y la sultana viuda sentados. El viaje a Constantinopla no solo fue instructivo, sino que también contribuyó enormemente a la fama del pintor. Entre los frutos de este viaje se encuentran un retrato (en la colección Layard de Venecia ) que muestra el busto de Mohammed y el lienzo «Recepción de los embajadores venecianos por el Gran Visir», que se conserva en el Louvre. Sin embargo, la visita a Constantinopla interrumpió otro gran proyecto. En 1474, Gentile había recibido el honor de restaurar las pinturas de la Sala del Gran Consejo del Palacio Ducal y ampliar su colección. Artistas anteriores habían pintado para la sala una serie de cuadros de gran formato que representaban escenas de la historia de Venecia . Tras su regreso de Constantinopla , Gentile, junto con su hermano, continuó con la obra. Los siete cuadros que realizaron fueron destruidos en el incendio de 1577. En su etapa intermedia y posterior, Gentile abandonó la témpera y pintó al óleo.
GIOVANNI BELLINI (n. ca. 1428; m. 1516) llevó la nueva forma de arte a su máxima expresión. Estuvo muy influenciado por las tendencias ya mencionadas; de estas, el estilo de su padre y de la escuela paduana fue el que más lo marcó. Mantegna era su cuñado. Otro pintor que lo influyó profundamente fue Antonello da Messina . Messina fue el primero en Italia en comprender el método flamenco de pintura al óleo, y hacia el final de su vida pasó varios años (1474-76) en Milán y Venecia . El entorno de la vida veneciana y la dirección realista que había tomado el arte veneciano les brindaron a los pintores venecianos una aguda percepción del encanto del color, de modo que incluso el breve tiempo que Messina estuvo con ellos bastó para conducirlos por un nuevo camino. El genio de Giovanni Bellini le permitió obtener el pleno beneficio del nuevo estímulo; Al mismo tiempo, otros pintores, como Bartolommeo y Luigi Vivarini , Gentile Bellini y otros, también adoptaron la nueva técnica. El uso del nuevo medio produjo una suavidad en el contorno y una mejora en el modelado que atenuaron la rigidez del estilo paduano y lograron bellos efectos cromáticos. Giovanni poseía mayor sensibilidad y una visión espiritual más aguda que su hermano, y su estilo se desarrolló gradualmente hasta alcanzar una perfecta armonía entre dibujo, perspectiva, drapeado, luz y color.
Sus dos Piedades, en Venecia , producen un profundo efecto en la mente, pero revelan una sorprendente dureza que a veces roza la fealdad, mostrando que las cualidades características de su estilo aún no se habían desarrollado en una belleza armoniosa. La pintura en Berlín de «Los ángeles llorando a Cristo», aunque en estilo relieve, es noble, tierna y de colores intensos. El sentimiento de devoción no se pierde aquí gracias a la representación realista de todos los detalles. Una peculiaridad de estas pinturas es la posición erguida del cuerpo sin vida de Cristo. Las pinturas más pequeñas de la Virgen aparecen en todas las etapas del desarrollo del artista. A pesar de su gran número, no muestran una verdadera repetición; a veces la expresión de la Madre y el Niño es muy seria, a veces extraña, y otras veces encantadora y perfectamente natural. En una de ellas, el Niño escucha con gran ternura el canto de los ángeles y mira hacia arriba con la boca abierta en un asombro infantil, mientras la Madre está absorta en su Niño.
Los detalles cuidadosamente elaborados de estas pinturas no resultan demasiado intrusivos. Giovanni prefería las figuras de medio cuerpo incluso cuando agrupaba a varios santos; como, por ejemplo, en las pinturas que representan a María Magdalena y Santa Catalina, o a San Pablo y San Jorge, en compañía de la Virgen. Similar a estas es la hermosa pintura «La Presentación de Jesús en el Templo ». María ofrece al Niño al sumo sacerdote sobre una mesa mientras los ancianos Simeón y José oran. Giovanni no intentó resolver, ni siquiera en sus obras de mayor tamaño, problemas tan difíciles de perspectiva y de gradación de luz y sombra como lo hizo su hermano. Sin embargo, había aprendido de él todo el arte de la distribución de la luz y la sombra y lo aplicó con mayor habilidad para resaltar el sentimiento interno de una composición. Desafortunadamente, no podemos juzgar su estilo en la obra histórica como en el caso de su hermano. Sus composiciones históricas, siete en total, fueron pintadas para la Sala del Gran Consejo del Palacio Ducal. Trabajó en ellas desde 1479 hasta su muerte. En ocasiones trabajó junto a su hermano, en otras contó con la ayuda de otros hombres. Todas las pinturas fueron destruidas por un incendio en 1577. Se conservan dos copias de los retratos de los dogos, pintadas en el mismo lugar, que demuestran su destreza en el retrato. Sin embargo, sus obras maestras son sus grandes pinturas devocionales y de altar.
El talento artístico de Giovanni alcanzó su máximo esplendor en 1479. Ese año completó su primer gran cuadro al óleo en Venecia . En un nicho arqueado sobre pilastras, se encuentra entronizada la Virgen María, sosteniendo con solemne y ferviente expresión al Niño Jesús. El Niño extiende sus manitas hacia Job , el sufriente que la venera , y que es así honrado como patrón de la Iglesia . Cerca de Job se halla San Francisco, más atrás Juan el Bautista, y a la derecha, San Sebastián, Santo Domingo y el obispo León. Al pie del trono, ángeles tocan instrumentos musicales; en la curva del arco, querubines y la inscripción «Ave virginei flos intemerate pudoris». La Virgen parece conmovida por la solemne inspiración del momento y levanta la mano izquierda como advirtiendo que no se interrumpa la música de los ángeles. En todos los rostros se expresa una profunda devoción. Una gran imagen del año 1488 en Murano en la que San Martín presenta al Dux Barbarigo a la Virgen entronizada.
Adolece de cierta simetría mecánica. Sin embargo, prevalece en ella el mismo tono musical, junto con una gran riqueza de colores y vestuario. A cada lado se vislumbra un hermoso paisaje en la distancia. Mediante la acción representada, se logra una mayor unidad en este lienzo que en el mencionado anteriormente, y mucho más aún que en la Virgen de San Zaccaria, Venecia (1505). En esta última, la Virgen entronizada con el Niño está rodeada por los santos Catalina, Pedro, Jerónimo y Lucía. Cada uno de los santos se encuentra absorto en la devoción, mientras un ángel al pie del trono toca suavemente las cuerdas de su instrumento acompañando el espíritu de adoración. Aquí también, el sentimiento producido por la música crea la unidad de toda la composición, y la pintura es una maravillosa expresión de adoración. La escena se sitúa en una hermosa estructura renacentista cuyos arcos están adornados con mosaicos.
Se puede percibir la unidad de composición lograda mediante este espíritu de devoción y la música de los ángeles incluso en aquellos lienzos donde los santos circundantes se encuentran en nichos separados. Tal es el caso, por ejemplo, del cuadro donde cuatro santos están representados en los laterales de un retablo en la iglesia de Santa Maria dei Frari en Venecia (1488). La Virgen y el Niño están entronizados en el espacio central; a sus pies, dos ángeles niños tocan alegremente el laúd y la flauta. Este tríptico produce una impresión más ligera, aunque en absoluto discordante. Las posiciones separadas de los santos, a quienes se les había consagrado un altar y una iglesia, recuerdan la práctica de los pintores antiguos. Al unir a los santos en un mismo espacio y otorgarles una relación tanto externa como interna entre sí, Bellini creó las llamadas «Satre Conversazioni» o «Sociedades de Santos». No era necesario que los personajes pertenecieran a la misma época histórica, ya que reciben en el retablo una nueva vida ideal. El espíritu de devoción inspirado por la Virgen y su Divino Niño los une suficientemente, pero más aún cuando surge un nuevo vínculo de unión a partir de la acción indicada en la composición, como, en muchos casos, la bella música o incluso el efecto producido por la luz y la sombra.
Cabe mencionar un par de cuadros en los que Giovanni, cuya imaginación nunca perdió la frescura del tiempo, se planteó retos en la pintura de paisajes. En 1501 pintó un « Bautismo de Cristo» en el que se aprecian influencias de Giorgione y Tiziano . La escena transcurre en un romántico valle de montaña iluminado por la luz del atardecer. Tres ángeles arrodillados son los testigos. La influencia de pintores más jóvenes es muy evidente en un cuadro del mismo tono que el mencionado anteriormente: el retrato de San Jerónimo. Giovanni siguió aprendiendo incluso en su vejez, aunque, en realidad, solía ser el maestro y nunca renunció a su propio estilo. En este cuadro, San Jerónimo está sentado sobre una gran roca frente a un paisaje montañoso, absorto en el estudio de las Sagradas Escrituras. En primer plano, sobre una elevación, se encuentra San Agustín, meditando, y al otro lado, San Cristóbal sosteniendo al Niño Jesús. Estos tres grandes hombres del cristianismo pueden considerarse unidos por una profunda unidad espiritual. En «La muerte de Pedro el Mártir » se aprecia una vista panorámica, tanto a derecha como a izquierda, desde el bosque hacia una ciudad y las montañas. Este tipo de paisajes son siempre elementos importantes en las pinturas de género, por las que Giovanni sentía una gran predilección. Giovanni tenía poco interés en las escenas mitológicas, y sus escasos lienzos de este género no necesitan mención.
G.GIETMANN