Ghirlandajo (DOMENICO DI TOMMASO BIGORDI), famoso pintor florentino; b. 1449; d. 11 de enero de 1494. Se habla de su padre, Tommaso di Curradi Bigordi, como comerciante (sensacional) en joyería. Según Vasari le debe su apellido Ghirlandajo, es decir, el “Garland-maker”, a una rama de su oficio en la que se especializaba, a saber, la fabricación de coronas o diademas de plata u oro, que formaban una especie de tocado que usaban las jóvenes de Florence. Al igual que Verrocchio y los Pollaiuoli, Domenico comenzó como orfebre. En la iglesia florentina de la Annunziata existieron exvotos de plata y lámparas de su factura, destruidos durante el saqueo de 1530.
Las huellas de su temprana formación en el arte de la orfebrería son reconocibles en el esplendor de su decoración ornamental, las tallas de sus pilastras, también en sus frisos y las guirnaldas con las que adorna su obra. La habilidad artística parece haber sido hereditaria, ya que Domenico tenía dos hermanos, un poco más jóvenes que él, David y Benedetto, sus colaboradores en casi todas sus grandes obras. Junto a su cuñado Mainardi, que se había casado con su hermana Alessandra, los tres Ghirlandajo dirigieron en su día, bajo el nombre y dirección de Domenico, el principal taller de Florence para la producción de obras de arte. El maestro de Domenico fue el coleccionista y anticuario singularmente distinguido, Alessio Baldovinetti (1427-1499). Por más de una característica, por ejemplo su afán por el realismo, su ansiedad por una expresión perfecta de la vida, su gusto por el análisis y su habilidad técnica en el uso de los colores, Alessio fue un precursor de Leonardo da Vinci. Domenico era mucho menos impulsivo y más dueño de sí mismo, pero seguramente le debía a Alessio su éxito en el fresco, en el que muchos lo consideran el pintor más perfecto de su época.
Las primeras obras de Ghirlandajo, por ejemplo los frescos de San Andrea Brozzi y los de la capilla Vespucci (descubierta en 1898) de la iglesia de Ognissanti en Florence, datan quizás de 1472 o 1473 y hasta ahora exhiben poca individualidad. Su “Descendimiento de la Cruz”, realizado cuando el artista tenía veintitrés años, queda desfigurado por el burdo realismo de Castagno. Su “Virgen más lamentable” (Vergine della Misericordia) sigue aún el convencionalismo medieval, pero destaca por la belleza de sus retratos, línea en la que siempre destacó Ghirlandajo. A partir de entonces su genio artístico parece haber tomado una forma definida y haber cambiado poco en su desarrollo. En la vida de este artista incansable, hubo poco tiempo para cualquier cosa excepto la continuación regular de su trabajo. Su enorme producción abarca un espacio de poco más de quince años (1475-1491) y, debido a su constante progreso, difícilmente puede dividirse en períodos. Sin verse afectado por pasiones o conflictos, su genio creció y se expandió como una flor. Aunque es uno de los artistas más destacados del siglo XV, su vida no muestra ninguno de los problemas, situaciones complejas o contradicciones que nos encontramos en la tormentosa vida de Botticelli. La primera obra característica del joven maestro fue realizada cuando tenía veinticinco años (1475), en la colegiata de San Gimignano. Se inspiró en la vida de Santa Fina, una doncella de esa ciudad que murió en olor de santidad el 12 de marzo de 1254 (de' Medici, “Vitadi Santa Fina”, Siena, 1781), en cuya memoria se había erigido recientemente una capilla (1468) por Giuliano y Benedetto da Majano. Las dos escenas tratadas por el artista, la “Visión” de la Santa y su “Entierro”, exponen todos los elementos de su futura gran obra. La primera escena es de gran escala, está tratada con mucho gusto y de la manera más familiar que se le permitía a un artista italiano. En el “Entierro” del Santo nos llama la atención algo más personal. El simple acontecimiento local, la mera absolución pronunciada sobre los restos de una modesta doncella del pueblo, se magnifica y eleva a un significado elevado y poderoso en el tratamiento de la multitud reunida. Ya no es un entierro cualquiera; toda la ciudad, representada por su clero, magistrados y ciudadanos, asiste a la función, mientras que las hermosas torres de San Gimignano se muestran como decoración del fondo. En realidad lo que pretende presentarnos es una sociedad entera agrupada armoniosamente; la imagen es un retrato sereno de la vida nacional y un triunfo del sentimiento nacional. De un corto viaje a Roma sobre este momento no poseemos información precisa; el artista volvió a Florence pintar el fresco de “Las Cenas” en el refectorio del mismo convento (1480). Esta noble composición es la más idealista de las obras del artista, la única en la que trata conceptos abstractos y no representa la vida contemporánea.
La serie de sus grandes obras comenzó con un segundo viaje a Roma. Del 27 de octubre de 1481 al 15 de marzo de 1482, el artista estuvo trabajando en la Sixtina. Capilla. En estos seis meses pintó seis retratos de papas y dos grandes frescos, el “Resurrección(sobre la cual, en el siglo XVI, se pintó una mediocre obra flamenca), y la “Llamada del Apóstoles“. Este último, con “La entrega de las llaves a San Pedro” de Perugino, sigue siendo la principal obra maestra de ese período de la decoración sixtina. En su camino de regreso a Florence, pintó una “Anunciación” (1482) en San Gimignano. El resto de su vida parece haber transcurrido en Florence, donde tres grandes empresas absorbieron su actividad. De 1482 a 1484 ejecutó en el Palazzo della Signoria a la “Maesty di San Zenobio” y las figuras nobles de los estadistas romanos, siguiendo el modelo de las de Taddeo di Bartolo en el Palazzo Publico de Siena. De todos los frescos que hicieron este ayuntamiento de Florence el digno compañero de la Sixtina Capilla, sólo se conservan los de Ghirlandajo. En 1485, completó en la capilla Sassetti en el Trinity seis frescos ilustrativos del “Vida de San Francisco”. Aún no estaban terminados cuando recibió el encargo de su obra más importante, los quince frescos del “Vida de San Juan Bautista” y el “Vida de la Virgen” que adornan la capilla Tornabuoni de Santa Maria Novella. Estas pinturas, terminadas en 1490, se cuentan con razón entre las más famosas de Florence. Son la obra más popular de Ghirlandajo y se consideran una de las mayores obras maestras italianas. Su mérito no se debe al tema. La emoción dramática está completamente ausente. Nunca un artista, ni siquiera Miguel Ángel en su incidente de la guerra de Pisa, sus tumbas de los Médicis, se permitió tales libertades con su tema ostensible; o pretender, frente a toda tradición y probabilidad, sustituir arbitrariamente un tema elegido de conformidad con sus propios gustos y preferencias. Sólo en raras ocasiones, y con rasgos poco interesantes, Ghirlandajo se obliga a conformarse seriamente con el tratamiento convencional de su tema.
Por regla general, Ghirlandajo evita representar el movimiento. Su imaginación tranquila y clara, ordenada y armoniosa, se adapta mejor a representar gestos y actitudes neutrales, casi siempre tomados de la vida cotidiana. En la mayoría de sus escenas y en las más bellas, por ejemplo la “Natividad de la Virgen” o la “Visitación”, la histórica motivo y el acontecimiento real no tienen importancia. El tema del evangelio se reduce al mínimo y se convierte en un mero pretexto para un gran y magníficamente concebido “tableau de mceurs”, o representación de la vida contemporánea. Lo bello difundido por todas partes, la realidad en sus formas más elevadas, el entorno artístico de las cosas, la vida cotidiana con su infinita variedad de temas, constituyen el encanto inagotable de estas escenas maravillosas, en las que no se debe buscar profundidad, emoción o poesía. Nadie concibió jamás su vida bajo formas tan elegantes y nobles como Ghirlandajo. Desprovisto de imaginación y obligado, por tanto, a sustituir el gran drama del pasado por el espectáculo multitudinario del presente, alcanzó, sin embargo, dadas las circunstancias, los más elevados vuelos de la fantasía. En lugar de la siempre hipotética reconstrucción de una escena imaginaria, tenemos la representación mil veces más valiosa del mundo mismo en el que vivió el artista, y en una de las épocas en las que la vida parece haber sido más agradable. La república florentina, en su apogeo más deslumbrante, revive para nosotros en estos incomparables frescos. Aún antes, en su “Llamado del Apóstoles” (Sixtina Capilla), el artista había introducido en un grupo de cincuenta figuras ajenas al tema retratos de los principales florentinos de la época Roma. En su “Visitación” contemplamos a damas florentinas de clase media paseando. En “Zachary expulsado del TemploAdmiramos el retrato del encantador Lorenzo Tornabuoni, príncipe de la juventud florentina y marido de la bella Giovanna degli Albizzi, también los del propio artista y de sus hermanos. Pero es en la “Aparición del Angel a Zachary” que este realismo encuentra su máxima expresión. Esta entrevista, que debió desarrollarse en el retiro del santuario, es presentada por el artista ante treinta miembros de la familia Tornabuoni, magníficamente escenificada en las escaleras del Templo. De hecho, es una glorificación solemne del gran linaje de banqueros florentinos que construyeron esta admirable capilla. En lo anterior “Vida de San Francisco” se puede reconocer al banquero Sassetti, Lorenzo de' Medici, Agnolo Acciajuoli, Paolo Strozzi; en la sixtina Capilla fresco del erudito Argyropoulos, etc.
Detrás de estas personas vivas está Florence misma que forma el fondo de la escena, esa admirable ciudad de finales del siglo XV en la que vivían entonces Botticelli, Leonardo, Angelo Poliziano y el joven Miguel Ángel. En el "Vida de San Francisco” están representadas la plaza de la Trinith con el antiguo puente de Taddeo Gaddi, las fachadas de los palacios Spini y Gianfigliazzi, la Signoria, con el Marzocco y la Loggia de Orcaña. En la “Visitación” la visión de Florence es el que se ve desde la terraza de San miniato (fondo del cuadro de la “Virgen del Donante” de H. Van Eyck en el Louvre) con la cúpula de Brunelleschi, el campanario de Giotto y la torre de la Signoria. A lo largo de estas imágenes se encuentran profusamente esparcidos Renacimiento ornamentos, pilastras decoradas, los frisos “pretti” como los de la famosa tribuna de Donatello—”Natividad de la Virgen”,—terracotas de la Robbia, bajorrelieves antiguos—”Aparición de la Angel a Zachary”, todo un museo de las fantasías artísticas de Florence. En la “Predicación de San Juan Bautista”, la figura del santo está tomada de Donatello, mientras que entre el público, el niño desnudo sentado entre los oyentes en primer plano es la reproducción de una célebre antigüedad, “el Niño con la Oca”. Pero es más admirable por su poder de crear nuevas “antigüedades”, es decir, de captar de inmediato sus equivalentes en la vida real. El arte italiano no posee nada más bello, más ático, que algunos de sus “canéforos” o jóvenes del pueblo, por ejemplo, que forman el séquito en las “Bodas de la Virgen”, o la exquisita figura que llena una palangana de bronce en el "Natividad". De hecho, todo este resumen ideal de la vida florentina respira el orgullo y la alegría expresados en “Zachary and the Angel“, por la inscripción: “El año 1490, cuando la ciudad hermosa entre las bellas, ilustre por sus riquezas, victorias, artes y monumentos, gozaba dulcemente de abundancia, salud y lugar”.
Ghirlandajo ejecutó varios retablos, por ejemplo, la encantadora “Madonna Ingesnati” (Uffizi), la “Adoración de los Pastores” (1485, Accademia), el “Adoración del sistema Los reyes magos” (1488, Hospital de los Inocentes) y la “Visitación” del Louvre (1491). Sus retratos, sin embargo, son la característica más completa de su genio. El más exquisito de ellos, el de Giovanna degli Albizzi (1488, París, antigua colección de Kann) no tiene igual en el retrato florentino del siglo XV y es muy superior a la famosa “Bella Simonetta” de Botticelli; de hecho, difícilmente puede compararse con ningún otro que no sea el de Pollaiuolo en Chantilly. Finalmente, el “Viejo Hombre y el Niño” en el Louvre es una obra de incomparable ingenio, que muestra una cordialidad quizás única en el arte italiano. El cuadro es uno de los que recuerdan con más fuerza el buen carácter flamenco; su ternura y gracia de sentimiento nos obligan a pasar por alto la fealdad del modelo. Hacia 1480, Ghirlandajo se casó con Costanza di Bartolommeo Nucci (m. 1485). Con ella tuvo dos hijos, Bartolommeo, b. 1481, que entró en el Camaldulense Orden; y Ridolfo, b. 5 Fed., 1483, que era, como su padre, pintor. En 1488 el artista tomó como segunda esposa a Antonia di ser Paolo di Simone Paoli. Murió, casi repentinamente, de unas fiebres malignas, a la edad de cuarenta y cinco años. Su serenidad y su alegría de vivir son propias del genio florentino anterior a la crisis mística y a las profundas emociones de aquel Contra-Renacimiento, que desató la ira de Savonarola e interfirió tan profundamente con la vocación artística de un Botticelli y un fray bartolomeo. Ghirlandajo era un alma alegre, amable, productiva, algo impersonal, y tuvo la rara suerte de representar perfectamente el espíritu florentino en su plenitud dorada. Como Carpaccio en Venice Es quizás el más nacional de los maestros italianos. Fue el instructor de Miguel Ángel.
LOUIS GILET