Francia (FRANCESCO RAIBOLINI), famoso orfebre, grabador y artista boloñés, n. alrededor de 1450; d. en 1517. Su familia era una de las mejores de Bolonia y poseía tierras en Zola Predosa. Su padre era tallista de madera, pero Francesco ingresó en el gremio de orfebres (1482) y fue elegido jefe al año siguiente. Su maestro era un tal duque, apellidado Francia, sin duda a causa de su tierra natal, y Francesco adoptó este apellido, ya sea por gratitud o, más probablemente, como una valiosa marca registrada. Al igual que Pisanello, Verrocchio, Pollaiuolo y Ghirlandajo, es un ejemplo de lo que el arte italiano debe a su estrecha asociación con las artes menores. Una gradación de las bellas artes, la idea de mayor o menor dignidad y rango, no existía entonces y sólo surgiría más tarde, en la escuela de Miguel Ángel. Este hecho imparte a todas las manifestaciones estéticas del período clásico esa unidad y perfección de detalle y vida que la imaginación y el gusto imprimen en todas las cosas. Las relaciones entre el arte de la orfebrería y la pintura eran entonces especialmente estrechas. De esta manera la pintura pudo elevarse por encima de las exigencias vulgares de una sociedad piadosa. imágenes del tipo giottesco, y el saber seco y pedante de Voccello y Andrea del Castagno. El arte, el ornamento y la belleza, que amenazaban con desaparecer, fueron devueltos así a la pintura. Por eso el lado “industrial” del arte francés, ejemplificado en sus admirables medallas, nielli, y esmaltes, nunca se insistirá lo suficiente en su trabajo como joyero, armero y tipógrafo. Se sabe que diseñó la tipografía en cursiva para la edición de Virgilio publicada por Aldo Manucio (Venice, 1501). Sabemos también que la invención del grabado se debe en parte al arte de niel en el que Francia era maestra. Algunas copias se atribuyen a Francia; en el arte del grabado fue el primer maestro de Marcantonio Raimondo.
Las circunstancias, sin embargo, impulsaron a Francia a convertirse en pintora. Probablemente recibió sus primeras lecciones de Francesco Cossa (m. en Bolonia, 1485), pero fue de lorenzo costa que recibió su instrucción principal. Este artista, un poco más joven que Francia, había adquirido recientemente fama en Ferrara y regresó en 1483 a Bolonia; donde arriba su estudio en thetreoetse ocupada por los oros, más de una obra (iglesia de la Misericordia, palacio Bentivoglio) fue el resultado de su amistosa colaboración. Ciertas peculiaridades de Francia, sus familiares arreglos escénicos, la hermosa arquitectura; los tronos tallados de sus Madonnas, los pequeños músicos angelicales sentados en escalones, son toques del gusto ferrareso que proclaman la influencia de Costa. En el paisaje, Francia sintió más tarde la influencia de Perugino (1446-1524), quien, en 1497, estaba pintando su “Virgo Gloriosa” en San Giovanni in Monte. Estas influencias, sin embargo, deben reconocerse con toda la reserva que impone tratándose de un hombre ya maduro, que ya hacía tiempo que era un artista de renombre cuando empezó a pintar. Las primeras obras conservadas de Francia, por ejemplo, el “Calvario” del Archiginnasio de Bolonia, la “Madonna” de Berlín, sobre todo el notable “St. Stephen” del Casino Borghese, destacan por un cierto carácter de “diletantismo” (Burkhardt), por algo tan intencionadamente único y original que no se sabe con qué conectarlos en toda la historia de la pintura. Nos sentimos en presencia de un maestro que capta con firmeza sus propias ideas y es extremadamente personal en sus tendencias, alguien que adopta un nuevo oficio sólo porque le permite aplicar teorías muy individuales o expresar sus gustos íntimos. Los primeros intentos fueron seguidos por una serie de grandes obras fechadas como sigue: el retablo de Felicini (Bolonia, 1494), el del Bentivoglio (San Giacomo Maggiore, 1599), los de los Scappi y los Manzuoli, la gran “Anunciación” ( Pinacoteca de Bolonia, 1500), y varios otros ahora en los museos de Berlín y San Petersburgo. Siempre es el mismo tema tan querido a lo largo del siglo XV, la Virgen rodeada de varios santos; incluso cuando se le llama “Anunciación”, el tratamiento sigue siendo el mismo. La composición es necesariamente uniforme, en deferencia a la ley de simetría. Naturalmente no hay acción, siendo el objetivo del pintor producir con estas figuras inmóviles un efecto de armonía y recogimiento. Es una belleza tranquila y tranquila que busca reproducir. Pero dentro de estos límites nadie, ni siquiera Giovanni Bellini, aunque su “Madonna de San Zaccaria” data de 1505, logró tanto. La disposición ordenada de sus figuras y sus líneas equilibradas, realzadas a menudo por un fondo arquitectónico o por paisajes, producen una impresión de profunda paz. Tanta felicidad sólo podría tener una expresión legítima: la música. En otras palabras, los ángeles que tocan el arpa o el laúd, que a Francia le encantaba presentar, interpretan con naturalidad las emociones que despierta la armonía de las formas. Hay que añadir, y en esto se diferencia de Perugino, que para él el lirismo nunca se convierte en mera fórmula. La inspiración de Francia parece inagotable; de ahí su capacidad para variar indefinidamente, y siempre con éxito, un mismo tema. Francia siempre fue demasiado concienzudo para reproducir de forma vulgar obras que eran el resultado, por su parte, de una profunda vida emocional. En este artista lo convencional nunca reemplaza al verdadero sentimiento, como en Perugino durante los últimos veinticinco años de su vida.
Los tipos de Francia, aunque de significado extremadamente general, no son menos marcadamente individuales; Su Sebastián no tiene los mismos rasgos, la misma piedad, el mismo éxtasis de Bernardo, ni su figura de Agustín es la misma que la de Francisco. En la ejecución muestra un cuidado admirable en todos los detalles y nunca es negligente. Las figuras están construidas de manera irreprochable, mientras que la elegante ornamentación, las esculturas, los bordados, las tiaras y las dalmáticas delatan el ojo agudo y crítico del orfebre y grabador. Esto nos recuerda aún más claramente su afición y cuidadosa selección de los mejores materiales para su paleta, y su gusto por la pintura compacta, espesa y esmaltada, que en sí misma es un placer para la vista. Cada cuadro de Francia tiene su propia armonía sonora; A lo largo de su obra parecemos escuchar, por así decirlo, una orquestación de color. Tenemos aquí los principios de un arte completamente nuevo, completamente diferente de las preocupaciones ultraintelectuales de la Escuela Florentina. Horacio había dicho que la poesía era una especie de pintura, ut pictura poesía; se podría imaginar que Francia, a su vez, deseaba demostrar que la pintura era una especie de música. Era una idea que probablemente surgió en una antigua ciudad iruisica, famosa desde siempre por sus cantantes y sus laudistas. Sin embargo, sólo en sus fotografías posteriores, por ejemplo en “Bautismo de Cristo” (Dresde, 1509), el “Declaración"(Turín, 1515), la “Sacra Conversazione” de Parma, sobre todo en la de Londres (alrededor de 1516), Francia muestra toda la medida de su genio. Se conocen varios de sus frescos, por ejemplo la “Madonna del Terremuoto” (Bolonia, 1505) y dos encantadoras páginas de la vida de Santa Cecilia, su matrimonio y su entierro, en San Giacomo Maggiore (1507). Es también autor de bellos retratos (Palacio Pitti, también los Uffizi, en Florence). Sin duda su modestia, su vida tranquila y retirada, transcurrida enteramente en Bolonia, su evitación de temas históricos y mitológicos, un temperamento mental que lo mantuvo alejado del gran movimiento de la Renacimiento y le impulsó a dedicarse a una ocupación tan novedosa, basta para explicar la semi-obliteración de su fama. Sus contemporáneos, sin embargo, lo consideraban un hombre de no poca importancia. Rafael mantuvo correspondencia con él, aunque no hay pruebas de que la carta y el soneto citados por Malvasía sean auténticos. En 1508 fue nombrado director de la ceca de Bolonia y, en 1514, maestro de todas las corporaciones de artistas de la ciudad. Era guapo, dice su contemporáneo Seccadinari, muy elocuente, bien informado y distinguido. Su influencia, sin embargo, se limitó a Bolonia. Vivió apartado del movimiento pagano y racionalista del siglo XV, fue un hombre aislado de grandes y nobles dotes, original y puro en el uso de ellos, en una palabra, la personalidad más eminente del arte del norte de Italia anterior a Tiziano y Correggio. Tuvo dos hijos, Giacomo y Giulio, b. en 1485 y 1487.
LOUIS GILET