Francia (FRANCESCO RAIBOLINI), famoso orfebre, grabador y artista boloñés, nació alrededor de 1450 y falleció en 1517. Su familia era una de las más prestigiosas de Bolonia y poseía tierras en Zola Predosa. Su padre era tallador de madera, pero Francesco ingresó en el gremio de orfebres (1482) y fue elegido su jefe al año siguiente. Su maestro era un duque apellidado Francia, sin duda por su tierra natal, y Francesco adoptó este apellido, ya sea por gratitud o, más probablemente, como una valiosa marca distintiva. Al igual que Pisanello, Verrocchio, Pollaiuolo y Ghirlandajo, es un ejemplo de lo que el arte italiano debe a su estrecha relación con las artes menores. La gradación de las bellas artes, la idea de mayor o menor dignidad y rango, no existía entonces y surgiría más tarde, en la escuela de Miguel Ángel. Este hecho confiere a todas las manifestaciones estéticas del período clásico esa unidad y perfección de detalle y vida que la imaginación y el gusto imprimen en todas las cosas. Las relaciones entre el arte de la orfebrería y la pintura eran entonces particularmente estrechas. De este modo, la pintura pudo elevarse por encima de las exigencias vulgares de una imaginería piadosa de tipo giottesco, y del erudición árida y pedante de Voccello y Andrea del Castagno. El arte, el ornamento y la belleza, que amenazaban con desaparecer, fueron así restituidos a la pintura. Por eso, no se puede insistir lo suficiente en el lado «industrial» del arte de Francia, ejemplificado en sus admirables medallas, niellos y esmaltes, su trabajo como joyero, armero y fundidor de tipos. Se sabe que diseñó el tipo cursivo para la edición de Virgilio publicada por Aldus Manutius ( Venecia , 1501). Sabemos también que la invención del grabado se debe en parte al arte del niello , en el que Francia fue un maestro. Se le atribuyen a Francia algunos grabados; En el arte del grabado fue el primer maestro de Marcantonio Raimondo.
Sin embargo, las circunstancias impulsaron a Francia a convertirse en pintor. Es muy probable que recibiera sus primeras lecciones de Francesco Cossa (fallecido en Bolonia en 1485), pero fue de Lorenzo Costa de quien recibió su instrucción principal. Este artista, algo más joven que Francia, había alcanzado recientemente renombre en Ferrara y regresó en 1483 a Bolonia; donde su estudio en el barrio de los dorados, ocupado por los doradores, dio como resultado más de una obra (iglesia de la Misericordia, palacio de Bentivoglio). Ciertas peculiaridades de Francia, sus familiares composiciones escénicas, la bella arquitectura, los tronos tallados de sus Madonas, los pequeños músicos angelicales sentados en escalones, son toques del gusto ferrarés que proclaman la influencia de Costa. En el paisaje, Francia sintió más tarde la influencia de Perugino (1446-1524), quien, en 1497, pintaba su "Virgo Gloriosa" en San Giovanni in Monte. Estas influencias, sin embargo, deben reconocerse con toda la reserva que se exige en el caso de un hombre ya maduro, que llevaba mucho tiempo siendo un artista de renombre cuando comenzó a pintar. Las primeras obras conservadas de Francia, como el «Calvario» del Archiginnasio de Bolonia, la «Virgen» de Berlín y, sobre todo, el notable «San Esteban» del Casino Borghese, destacan por un cierto carácter de «diletantismo» (Burkhardt), por algo tan intencionalmente único y original que resulta difícil ubicarlas en el contexto de la historia de la pintura. Nos sentimos ante un maestro que defiende con firmeza sus propias ideas y es sumamente personal en sus tendencias, alguien que se embarca en un nuevo oficio solo porque le permite aplicar teorías muy personales o expresar sus gustos íntimos. A los primeros intentos les siguió una serie de grandes obras fechadas de la siguiente manera: el retablo de los Felicini (Bolonia, 1494), el del Bentivoglio (San Giacomo Maggiore, 1599), los de los Scappi y los Manzuoli, la gran «Anunciación» (Pinacoteca de Bolonia, 1500) y varias otras que se conservan actualmente en los museos de Berlín y San Petersburgo. Siempre es el mismo tema, tan apreciado a lo largo del siglo XV: la Virgen rodeada de varios santos; incluso cuando se denomina «Anunciación», el tratamiento permanece invariable. La composición es necesariamente uniforme, en deferencia a la ley de la simetría. Naturalmente, no hay acción, pues el objetivo del pintor es producir con estas figuras inmóviles un efecto de armonía y recogimiento. Busca reproducir una belleza serena y tranquila. Pero dentro de estos límites, nadie, ni siquiera Giovanni Bellini, aunque su «Virgen de San Zaccaria» data de 1505, logró tanto. La disposición ordenada de sus figuras y sus líneas equilibradas, realzadas a menudo por un fondo arquitectónico o por paisajes, producen una impresión de profunda paz. Tanta felicidad solo podía tener una expresión legítima: la música. En otras palabras, los ángeles que tocan el arpa o el laúd, a quienes Francia tanto le gustaba presentar, interpretan con naturalidad las emociones que despierta la armonía de las formas. Cabe añadir, y en esto se diferencia de Perugino, que para él el lirismo nunca se convierte en mera fórmula. La inspiración de Francia parece inagotable; de ahí su capacidad para variar indefinidamente, y siempre con éxito, un mismo tema. Francia siempre fue demasiado concienzudo como para reproducir de forma convencional obras que, por su parte, eran fruto de una profunda vida emocional. En este artista, lo convencional nunca sustituye al verdadero sentimiento, como ocurrió en Perugino durante los últimos veinticinco años de su vida.
Los tipos de Francia, aunque de significado sumamente general, son no por ello menos marcadamente individuales; su Sebastián no posee los mismos rasgos, la misma piedad, el mismo éxtasis que Bernardo, ni su figura de Agustín es idéntica a la de Francisco. En la ejecución, demuestra un cuidado admirable en todos los detalles y nunca es negligente. Las figuras están construidas de manera impecable, mientras que la elegante ornamentación, las esculturas, los bordados, las tiaras y las dalmáticas revelan la mirada aguda y crítica del orfebre y grabador. Esto se evidencia aún más en su predilección por los mejores materiales para su paleta, y en su gusto por la pintura compacta, densa y esmaltada, un verdadero placer para la vista. Cada cuadro de Francia posee una armonía sonora propia; a lo largo de su obra parece escucharse, por así decirlo, una orquestación de color. Nos encontramos ante los principios de un arte completamente nuevo, totalmente distinto de las preocupaciones ultraintelectuales de la Escuela Florentina. Horacio había dicho que la poesía era una especie de pintura, ut pictura poesis ; uno podría imaginar que, a su vez, Francia deseaba demostrar que la pintura era una especie de música. Era la idea que probablemente surgiría en una antigua ciudad irlandesa, inmemorialmente famosa por sus cantantes y sus laudistas. Sin embargo, solo en sus cuadros posteriores, como el « Bautismo de Cristo» ( Dresde , 1509), el « Descendimiento » ( Turín , 1515), la «Sacra Conversación» de Parma, y sobre todo en el de Londres (hacia 1516), Francia muestra la magnitud de su genio. Se conocen varios de sus frescos, como la «Madonna del Terremuoto» (Bolonia, 1505) y dos encantadoras páginas de la vida de Santa Cecilia, su matrimonio y su entierro, en San Giacomo Maggiore (1507). También es autor de bellos retratos (Palacio Pitti, Galería Uffizi, Florencia ). Sin duda, su modestia, su vida tranquila y apartada, transcurrida enteramente en Bolonia, su aversión a los temas históricos y mitológicos, y un temperamento que lo mantuvo al margen del gran movimiento del Renacimiento y lo impulsó a dedicarse a una ocupación tan novedosa, bastan para explicar el relativo olvido de su fama. No obstante, sus contemporáneos lo consideraban un hombre de gran importancia. Rafael se carteó con él, aunque no hay pruebas de la autenticidad de la carta y el soneto citados por Malvasia. En 1508 fue nombrado director de la ceca de Bolonia y, en 1514, maestro de todas las corporaciones de artistas de la ciudad. Era apuesto, según su contemporáneo Seccadinari, muy elocuente, culto y distinguido. Sin embargo, su influencia se limitó a Bolonia. Vivió al margen del movimiento pagano y racionalista del siglo XV; fue un hombre solitario, dotado de grandes y nobles talentos, originales y puros en su uso. En resumen, la figura más eminente del arte del norte de Italia anterior a Tiziano y Correggio. Tuvo dos hijos, Giacomo y Giulio, nacidos en 1485 y 1487, respectivamente.
LOUIS GILET